Johannes Vermeer und sein Einfluss auf die moderne Malerei

Neben Rembrandt van Rijn und gehört Jan Vermeer van Delft – auch Johannes Vermeer genannt – zu den am meisten bewunderten niederländischen Künstlern und holländischen Malern des Barock.

Der niederländische Künstler in Kürze – ein Steckbrief

Er war Teil des Goldenen Zeitalters der Niederlande, einer Epoche des politischen, wirtschaftlichen und kulturellen Aufschwungs. Obwohl Vermeers Gesamtwerk mit nur 37 bekannten Bildern vergleichsweise klein ist, sind weitere Titel aus alten Auktionsaufzeichnungen überliefert. Die seltenen Werke des Niederländers zählen zu den größten Schätzen in den besten Museen der Welt.

Während er zunächst Historienbilder schuf, ist er vor allem für seine Genreszenen bekannt, die den Großteil seiner Werke ausmachen. Vermeer begann seine Karriere in den frühen 1650er Jahren mit dem Malen großformatiger biblischer und mythologischer Szenen, aber die meisten seiner späteren Gemälde – diejenigen, für die er am berühmtesten ist – zeigen Szenen des täglichen Lebens in Innenräumen. Diese Werke zeichnen sich durch ihre Reinheit von Licht und Form aus, Qualitäten, die ein ruhiges, zeitloses Gefühl von Würde vermitteln. Vermeer malte auch Stadtlandschaften und allegorische Szenen.

Zu seinen bekanntesten Werken zählen die „Ansicht von Delft“, „Dienstmagd mit Milchkrug“ und „Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge“, die heute weltweit bekannt sind.

Aufgrund der geringen Anzahl seiner Werke wurden ihm im 19. Jahrhundert fälschlicherweise Bilder anderer Künstler zugeschrieben. Heute ist jedoch allgemein anerkannt, dass Vermeer ein Meister seines Fachs war.

Das künstlerische Vermächtnis des niederländischen Barockkünstlers Jan Vermeer (1632-1675) gilt heute nahezu unumstritten als eines der einflussreichsten in der Kunstgeschichte. Er hat einzigartige Techniken der Malerei entwickelt, die seiner Malerei eine Lebendigkeit und ein Gefühl der Wirklichkeit verleihen. Er hat das Licht in seinen Gemälden perfekt eingefangen, wodurch seine Arbeiten so realistisch und lebendig erscheinen. Seine Techniken sind heute noch unter Künstlern sehr beliebt und werden noch immer häufig in modernen Gemälden verwendet.

Seine berühmten Gemälde, die eine einzigartige Kombination aus realistischen Details und subtilen Farbpaletten bieten, haben die moderne Malerei nachhaltig beeinflusst und unzählige Künstler nach ihm maßgeblich inspiriert. Er hat die Malerei revolutioniert und uns beigebracht, wie man Licht in Gemälden einfangen und sie zu etwas Einzigartigem machen kann. Sein unverwechselbarer Stil hat sich durch die Jahrhunderte erhalten und ist bis heute ein wichtiger Bestandteil der Kunstwelt.

Zur Überraschung vieler war der Maler zu seiner Zeit wenig bekannt …

Johannes Vermeer – Ein ausführliches Künstlerportrait – Leben und Werk

Tatsächlich war Vermeer sogar bis Mitte des 19. Jahrhunderts relativ unbekannt. Das Mysterium um sein Leben und die anhaltende Anonymität seiner Arbeit brachten ihm den Spitznamen „Sphinx von Delft“ ein. Erst in den 1870er Jahren wurde er „wiederentdeckt“.

Vermeer verkaufte seine Gemälde jedoch schon zu seinen Lebzeiten. Pieter van Ruijven (1624–1674), der in Delft geborene Brauersohn, war ein begeisterter Sammler der Werke des Künstlers. Van Ruijven besaß nicht weniger als 20 Vermeers.

Der Hauptgrund für sein lange im Dunklen gebliebenes Leben und Vermächtnis liegt vermutlich darin begründet, dass er nur eine kleine Anzahl von Bildern, vielleicht etwa fünfundvierzig (von denen heute sechsunddreißig bekannt sind), produzierte – hauptsächlich für einen kleinen Kreis von Mäzenen in Delft.

Wie bereits erwähnt, wurde etwa die Hälfte der gemalten Werke von Vermeer vom lokalen Sammler Pieter van Ruijven erworben. Obwohl Vermeers Werk anderen Kennern in Delft und der benachbarten Hofstadt Den Haag bekannt war und einige seiner Gemälde an weiter entfernte Personen (Antwerpen und Amsterdam) verkauft wurden, fertigten die meisten holländischen Maler Hunderte von Bildern für einen viel breiteren Markt an.

Zu seinem Image als isolierte Figur trägt auch die Tatsache bei, dass auch sein Lehrer unbekannt war und er offensichtlich keine berühmten Schüler hatte. Der Künstler war jedoch ein angesehenes Mitglied der Malerzunft in Delft, und er tauschte Bildideen mit zeitgenössischen Malern aus, die in dieser Stadt (insbesondere Pieter de Hooch in den 1650er Jahren) und in der Region (z. B. Frans van Mieris in Leiden) tätig waren.

Seine frühen Jahre

Delft, wo Vermeer geboren wurde und seine künstlerische Karriere verbrachte, war Mitte des 17. Jahrhunderts ein aktiver und wohlhabender Ort, dessen Reichtum auf seinen blühenden Delfter Porzellanfabriken, Wandteppichwebereien und Brauereien beruhte. Innerhalb der Stadtmauern von Delft befanden sich malerische Kanäle und ein großer Marktplatz, der vom imposanten Rathaus und dem hoch aufragenden Kirchturm der Nieuwe Kerk („Neue Kirche“) flankiert wurde. Es war auch eine ehrwürdige Stadt mit einer langen und bedeutenden Vergangenheit.

Der niederländische Maler wurde in der Nieuwe Kerk getauft. Sein Vater, Reynier Jansz, war ein Weber, der einen feinen Satinstoff namens Caffa herstellte; er war auch als Kunsthändler tätig. Bis 1641 war die Familie wohlhabend genug, um ein großes Haus mit einem Gasthaus namens Mechelen am Marktplatz zu kaufen. Vermeer erbte sowohl das Gasthaus als auch das Kunsthandelsgeschäft nach dem Tod seines Vaters im Oktober 1652. Zu diesem Zeitpunkt muss der Maler jedoch entschieden haben, dass er eine Karriere als Maler verfolgen wollte.

Im April 1653 heiratete Vermeer Catherina Bolnes, eine junge katholische Frau aus dem sogenannten Papenhoek oder der Papistenecke von Delft. Die Ehe mit Catharina Bolnes (1631–1687) führte zu insgesamt 11 Kindern. Die Bescheidenheit der Szenen, die er malte, steht sicherlich in starkem Kontrast zur Realität seines üppigen Haushalts.

Diese Vereinigung führte ihn außerdem dazu, vom protestantischen Glauben, in dem er aufgewachsen war, zum Katholizismus zu konvertieren.

Später in diesem Jahrzehnt zogen Vermeer und seine Frau in das Haus der Mutter der Braut, Maria Thins, die eine entfernte Verwandte des Utrechter Malers Abraham Bloemaert war.

Künstlerische Ausbildung und frühe Einflüsse

Überraschend wenig ist über Vermeers Entscheidung, Maler zu werden, bekannt. Er wurde am 29. Dezember 1653 als Meistermaler in der Delfter Lukasgilde registriert, aber die Identität seines Meisters, der Art seiner Ausbildung und der Zeit seiner Ausbildung bleiben bis heute ein Gegenstand wilder Spekulationen.

Da sein Name Ende der 1640er oder Anfang der 1650er Jahre in Delfter Archivunterlagen nicht mehr erwähnt wurde, ist es möglich, dass er, wie viele aufstrebende niederländische Künstler, nach Italien, Frankreich oder Flandern reiste. Möglicherweise hat er auch in einem anderen künstlerischen Zentrum in den Niederlanden ausgebildet, vielleicht in Utrecht oder Amsterdam.

In Utrecht hätte Vermeer Künstler getroffen, die in die ausdrucksstarken Traditionen Caravaggios eingetaucht waren, darunter Gerrit van Honthorst. In Amsterdam soll er dem Einfluss von Rembrandt van Rijn erlegen sein, dessen kraftvolle Hell-Dunkel-Effekte fortan die psychologische Intensität seiner Bilder verstärken sollten.

Stilistische Merkmale beider Bildtraditionen – der Utrechter Schule und der von Rembrandt – finden sich in Vermeers frühen großformatigen biblischen und mythologischen Gemälden wie „Diana mit ihren Gefährtinnen“ (um 1653–54; auch Diana und ihre Nymphen genannt) und „Christus im Haus Maria und Martha“ (ca. 1654–56).

Die auffälligste Angleichung der beiden Traditionen zeigt sich in Vermeers „Bei der Kupplerin“ (1656). Das Thema dieser Szene der Söldnerliebe ist von einem Gemälde des Utrechter Künstlers Dirck van Baburen aus der Sammlung von Vermeers Schwiegermutter abgeleitet, während die tiefen Rot- und Gelbtöne und die starken Hell-Dunkel-Effekte an Rembrandts Stil erinnern malen.

Die schwach beleuchtete Figur auf der linken Seite der Komposition ist wahrscheinlich ein Selbstporträt, in dem Vermeer die Gestalt des verlorenen Sohns annimmt, eine Rolle, die Rembrandt auch in einer seiner eigenen Szenen „lustiger Gesellschaft“ gespielt hatte.

In den frühen 1650er Jahren könnte Vermeer auch in seiner Heimat Delft, wo sich die Kunst einem raschen Wandel unterzog, viel Inspiration gefunden haben. Der damals bedeutendste Künstler in Delft war Leonard Bramer, der neben kleinformatigen Historienbildern – also moralisch erbaulichen Darstellungen biblischer oder mythologischer Themen – auch große Wandmalereien für den Hof des Prinzen von Oranien schuf.

Dokumente weisen darauf hin, dass Bramer, der Katholik war, bei seiner Hochzeit als Trauzeuge für Vermeer diente. Obwohl es den Anschein hat, dass Bramer zumindest ein früher Fürsprecher des jungen Künstlers war, wird nirgends erwähnt, dass er sein Lehrer war.

Ein weiterer wichtiger Maler, den Vermeer in dieser Zeit in Delft gekannt haben muss, war Carel Fabritius, ein ehemaliger Rembrandt-Schüler. Fabritius’ eindrucksvolle, nachdenkliche Bilder und der innovative Einsatz der Perspektive scheinen den Niederländer nachhaltig beeinflusst zu haben. Diese Verbindung wurde von dem Dichter Arnold Bon festgestellt, der in einem Schreiben über Fabritius ‚tragischen Tod im Jahr 1654 bei der Pulverhausexplosion in Delft feststellte, dass „Vermeer [Fabritius‘] Weg meisterhaft beschritten hat“.

Vermeer war sich zwar der Arbeit von Fabritius bewusst, aber es gibt auch keine Hinweise darauf, dass er bei Fabritius studiert hat.

Unabhängig von den Umständen seiner frühen künstlerischen Ausbildung begann er in der zweiten Hälfte der 1650er Jahre, Szenen des täglichen Lebens darzustellen. Diese Genrebilder sind diejenigen, mit denen er am häufigsten in Verbindung gebracht wird. Gerard Terborch, ein Künstler aus Deventer, der in seinen Darstellungen häuslicher Tätigkeiten meisterhaft Texturen wiedergab, hat den Künstler möglicherweise ermutigt, Szenen des Alltagslebens zu verfolgen.

Sicherlich ist Terborchs Einfluss in einem der frühesten Genrebilder von Vermeer, „Brieflesendes Mädchen an einem offenen Fenster“ (um 1659), offensichtlich, in dem er der jungen Frau einen ruhigen Ort zum Lesen ihres Briefes schuf. Im Gegensatz zu den charakteristisch dunklen Innenräumen von Terborch tauchte Vermeer diese bemerkenswert private Szene jedoch in ein strahlendes Licht, das durch ein offenes Fenster hereinströmt.

Das Gemälde offenbart auch sein wachsendes Interesse am Illusionismus, nicht nur in der Einbeziehung eines gelbgrünen Vorhangs, der an einer Stange hängt, die sich über den oberen Teil des Gemäldes erstreckt, sondern auch in den subtilen Reflexionen des Gesichts der Frau im offenen Fenster.

Vermeers Innenszenen in dieser Zeit wurden auch von der Arbeit von Pieter de Hooch beeinflusst, einem damals führenden Genremaler in Delft. De Hooch war ein Meister darin, die Perspektive zu nutzen, um eine lichtdurchflutete Innen- oder Hofszene zu schaffen, in der Figuren bequem platziert sind.

Obwohl keine Dokumente Johannes Vermeer und de Hooch verbinden, war es sehr wahrscheinlich, dass die beiden Künstler in dieser Zeit in engem Kontakt standen, da die Themen und der Stil ihrer Gemälde in diesen Jahren ziemlich ähnlich waren. Vermeers Ansicht der Häuser in Delft (um 1658; auch Die kleine Straße genannt) ist ein solches Werk: Wie bei de Hoochs Hofszenen hat Vermeer hier eine Welt häuslicher Ruhe dargestellt, in der Frauen und Kinder ihrem täglichen Leben nachgehen beruhigende Umgebung ihrer Häuser.

Auf dem Höhepunkt seiner Schaffensphase

Beginnend in den späten 1650er Jahren und im Laufe von etwa einem Jahrzehnt – eine bemerkenswert kurze Periode der Produktivität angesichts seines enormen Rufs – schuf Johannes Vermeer viele seiner berühmtesten Gemälde, die meisten davon Innenszenen. Kein anderer zeitgenössischer niederländischer Künstler schuf Szenen mit einer solchen Leuchtkraft und Reinheit der Farben, und die Arbeit keines anderen Malers war von einem vergleichbaren Sinn für Zeitlosigkeit und Menschenwürde durchdrungen.

Als er den Höhepunkt seines künstlerischen Schaffens erreichte, wurde der Künstler schließlich in seiner Geburtsstadt Delft geehrt und gewürdigt. Er wurde 1662 zum Oberhaupt der Malergilde ernannt. Obwohl keine Aufträge für Vermeers Gemälde bekannt sind, scheint es, dass er in dieser Periode seine Arbeiten hauptsächlich an eine kleine Gruppe von Mäzenen in Delft verkaufte.

Beispielsweise wurden über zwei Jahrzehnte nach Vermeers Tod nicht weniger als 21 seiner Gemälde aus dem Nachlass von Jacob Dissius, einem Delfter Sammler, verkauft.

Jan Vermeers Werk – Themen und Motive

Auf dem Höhepunkt seiner Karriere konzentrierte Vermeer sich auf Gemälde, die Frauen zeigten, die Briefe lesen oder schreiben, Musikinstrumente spielten oder sich mit Schmuck schmückten. Bei diesen Themen suchte er stets nach Wegen, ein Gefühl innerer Harmonie im Alltag auszudrücken, hauptsächlich in den Grenzen eines privaten Zimmers.

In Gemälden wie „Junge Frau mit Wasserkanne am Fenster (um 1662)“, „Junge Dame mit Perlenhalsband“ (um 1662/64) und „Frau in Blau, die einen Brief liest“ (um 1663), nutzte er die Gesetze der Perspektive und der Platzierung einzelner Objekte – Stühle, Tische, Wände, Karten, Fensterrahmen – um ein Gefühl für die zugrunde liegende Ordnung der Natur zu erzeugen.

Vermeers sorgfältig ausgewählte Objekte werden niemals zufällig platziert; Ihre Positionen, Proportionen, Farben und Texturen arbeiten mit seinen Figuren zusammen. Strahlendes Licht spielt über diese Bilder und verbindet die Elemente weiter miteinander.

Die emotionale Kraft von Vermeers großartiger „Ansicht von Delft“ (Bild siehe weiter oben im Artikel) resultiert in ähnlicher Weise aus seiner Fähigkeit, ein Bild der physischen Welt in einen harmonischen, zeitlosen visuellen Ausdruck zu verwandeln. In diesem Meisterwerk stellte der Maler Delft von der anderen Seite des Hafens aus dar, wo Transportboote nach der Navigation auf Binnengewässern entladen wurden.

Jenseits des schattigen Frieses der ehrwürdigen Schutzmauern und massiven Tore von Delft erleuchtet heller Sonnenschein den Turm der Nieuwe Kerk, Grabstätte der Prinzen von Oranien und das symbolische Zentrum der Stadt. Abgesehen von der Verwendung von Licht rührt die Eindringlichkeit des Gemäldes auch von seinem großen Maßstab und der greifbaren Illusion der Realität her. Die Gebäude erhalten eine physische Präsenz durch Vermeers suggestive Art, kleine Punkte unmodulierter Farben mit Pinselstrichen nebeneinander zu stellen; Er verwendete eine ähnliche Technik, um die Reflexion von Wasser an den Seiten der Boote vorzuschlagen.

Obwohl er seine Inspiration aus seinen Beobachtungen des Alltagslebens zog, blieb Vermeer in seinem Kern ein Historienmaler, der versuchte, abstrakte moralische und philosophische Ideen hervorzurufen. Diese Qualität wird besonders deutlich in „Die Perlenwägerin“ (Abbildung siehe weiter oben).

Auf diesem bemerkenswerten Bild steht eine Frau gelassen vor einem Tisch, der eine mit Gold- und Perlenfäden drapierte Schmuckschatulle trägt, während sie darauf wartet, dass ihre kleine Handwaage zur Ruhe kommt. Obwohl das gedämpfte Licht, das in den Raum fällt, und die raffinierten Texturen des Schmucks und der pelzbesetzten Jacke realistisch wiedergegeben werden, deutet das Gemälde des Jüngsten Gerichts an der Rückwand darauf hin, dass der Künstler die Szene allegorisch konzipiert hat.

Als die Frau neben dem Schmuckkästchen und der Gerichtsszene steht, deutet ihr ruhiger Gesichtsausdruck auf eine Erkenntnis hin: Sie muss das Gleichgewicht in ihrem eigenen Leben bewahren, indem sie nicht zulässt, dass vergängliche weltliche Schätze dauerhafte spirituelle Anliegen überwiegen.

Überraschend wenig ist über Johannes Vermeers Einstellung zu seiner Rolle als Künstler bekannt. Der philosophische Rahmen für seine Herangehensweise an sein Handwerk lässt sich aber vielleicht aus einem anderen Werk dieser Zeit, „Die Malkunst“ (Abbildung siehe weiter oben), erahnen. Mit einem großen Vorhang, der zurückgezogen wurde, als würde er ein Tableau vivant enthüllen, kündigte Vermeer seine allegorische Absicht für dieses große und imposante Werk an.

Die Szene zeigt eine elegant gekleidete Dame – eine Darstellung der allegorischen Figur von Clio, der Muse der Geschichte, die an ihren Attributen erkennbar ist: ein Lorbeerkranz als Symbol für Ehre und Ruhm, die Trompete des Ruhms und ein großes Buch als Symbol für die Geschichte. Johannes Vermeer stellte Clio und eine große Wandkarte der Niederlande gegenüber, um zu zeigen, dass der Künstler durch sein Geschichtsbewusstsein und seine Fähigkeit, erhabene Motive zu malen, seiner Heimatstadt und seinem Heimatland Ruhm eingebracht hat.

Dieses Gemälde war Vermeer so wichtig, dass seine Witwe versuchte, es den Gläubigern vorzuenthalten, selbst als die Familie mittellos war.

Vermeers Maltechniken und Arbeitsmethoden

Unvergleichbarer Einsatz von Licht

Das vielleicht bekannteste Merkmal von Vermeers größten Gemälden ist ihre Leuchtkraft. Vermeer konnte wie kein anderer Künstler Licht auf Objekte bannen – und diese Fähigkeit hat seinen Namen auf der ganzen Welt berühmt gemacht. Die Stoffe in seinen Gemälden schimmern und die Schatten an der Wand sind so real wie nur möglich. Der Malter nutzte den Einsatz von Licht gekonnt, um unseren Blick zu lenken.

Technische Untersuchungen haben gezeigt, dass Vermeer im Allgemeinen eine graue oder ockerfarbene Grundschicht auf seine Leinwand oder seinen Tafelträger auftrug, um die besonderen Farbharmonien seiner Komposition herzustellen.

Er war sich der optischen Wirkung von Farbe sehr bewusst und erzeugte transluzente Effekte, indem er dünne Glasuren auf diese Grundschichten oder auf die opaken Farbschichten auftrug, die seine Formen definierten. Seine Arbeiten scheinen außerdem von Licht durchdrungen zu sein, da er kleine Punkte unmodulierter Farbe verwendete (eine pointillistische Technik) – wie in den oben erwähnten Gebäuden und dem Wasser von „Ansicht von Delft“ und in Vordergrundobjekten in anderen Arbeiten, wie dem knusprigen Brot in „Dienstmagd mit Milchkrug“ und die Endstücke des Stuhls in „Mädchen mit einem roten Hut“ (um 1665/66).

Tiefe und Dreidimensionalität

Vermeer war auch ein Meister darin, in seinen Gemälden Tiefe zu erzeugen, etwa indem er Konturen nur leicht definierte. Er spielte auch mit teilweise verdeckten Ausblicken – in einen Flur oder durch einen offenen Vorhang –, um die Illusion eines dreidimensionalen Raums zu verstärken und gleichzeitig die Neugier des Betrachters zu steigern und uns zu fragen: Was passiert dort, gerade außer Sichtweite?

Lebhafte Farben

Obwohl er kein wohlhabender Mann war, knauserte Vermeer nicht, wenn es um Malmaterialien ging. Er verwendete zum Beispiel ein Pigment aus gemahlenem Lapislazuli – einem sehr teuren Halbedelstein, der im 17. Jahrhundert von Afghanistan in die Niederlande verschifft werden musste – um seine eigene blaue Farbe herzustellen.

Die lebhaften Farben schimmern immer noch voller Intensität, wenn wir sie heute betrachten, Hunderte von Jahren, nachdem er sie gemalt hat.

Vermeer ließ Farben durch ein Gemälde „widerhallen“, um ein harmonisches Gefühl der Einheit zu schaffen. Sehen Sie zum Beispiel das Blau der Kleidung der Briefleserin, das in den Stühlen wieder auftaucht, das birnenförmige Gewicht unter der Karte an der Wand und sogar in den Schattenbereichen.

Zu Vermeers Zeiten gab es keine Farbtuben, und er musste Öl, ein Bindemittel und fein gemahlene Pigmente mischen, um seine eigenen herzustellen.

Diffuse Glanzlichter à la Camera Obscura

Die diffusen Glanzlichter, die Vermeer erzielte, sind vergleichbar mit denen einer Camera Obscura, einem faszinierenden optischen Gerät, das ähnlich wie eine Kastenkamera funktioniert. Die Camera Obscura aus dem 17. Jahrhundert erzeugte ein Bild, indem sie Lichtstrahlen durch eine kleine Öffnung, die manchmal mit einem Fokussierrohr und einer Linse ausgestattet war, in einen Kasten eintreten ließ.

Aufgrund der begrenzten Schärfentiefe des Geräts weist das projizierte Bild viele unscharfe Bereiche auf, die von verschwommenen Glanzlichtern umgeben sind. Offenbar war Vermeer von diesen optischen Effekten fasziniert und nutzte sie, um seinen Gemälden eine größere Unmittelbarkeit zu verleihen.

Einige haben argumentiert, dass Vermeer das Gerät verwendet hat, um seine Kompositionen zu planen, und sogar, dass er die auf das Mattglas auf der Rückseite der Camera Obscura projizierten Bilder nachgezeichnet hat. Ein solcher Arbeitsprozess ist jedoch höchst unwahrscheinlich.

Traditionelle perspektivische Konstruktionen

Vermeer stützte sich stattdessen hauptsächlich auf traditionelle perspektivische Konstruktionen, um sein Raumgefühl zu erzeugen. Es wurde zum Beispiel entdeckt, dass in vielen seiner inneren Genreszenen am Fluchtpunkt seines Perspektivensystems kleine Nadellöcher vorhanden sind. An der Nadel befestigte Fäden hätten ihn bei der Konstruktion der orthogonalen Linien geführt, die die Vertiefung von Böden, Fenstern und Wänden definiert hätten.

Vermeer platzierte diesen Fluchtpunkt sorgfältig, um das kompositorische Hauptelement des Gemäldes hervorzuheben.

In „Die Perlenwägerin“ zum Beispiel tritt es an der Fingerspitze der Hand auf, die die Waage hält, und verstärkt so seine philosophische Gesamtbotschaft.

Theatralische Kompositionen von Alltagssituationen

Vermeer komponierte seine Szenen so, als würde er ein Theaterset bauen, in das er sein Thema stellen würde, indem er Elemente wie Möbelstücke, Küchenutensilien, Lebensmittel und menschliche Figuren akribisch positionierte – jedem Objekt und jeder Person in diesen raffinierten Kompositionen wird eine eigene Wichtigkeit und Rolle zugewiesen.

Vermeer schaffte es auf diese Weise, unsere Aufmerksamkeit zu fesseln – das gilt sowohl für Menschen, die seine Bilder oft studiert haben, als auch für diejenigen, die sie zum ersten Mal sehen. Details wie Fliesen in einer Ecke oder ein Nagel in einer weißen Wand „erscheinen“ manchmal erst verspätet.

Akribische Arbeitsweise und Streben nach Perfektion

Johannes Vermeer passte seine Kompositionen kontinuierlich an und aktualisierte sie immer wieder. Röntgenuntersuchungen seiner Gemälde haben Objekte enthüllt, die von dicken Farbschichten verdeckt wurden. Diese waren ursprünglich Teil der Komposition gewesen, wie ein Wäschekorb in „Dienstmagd mit Milchkrug“, wo jetzt ein Fussofen steht.

Dieses Streben nach Perfektion ist ein charakteristisches Merkmal des Künstlers. Diese Liebe zum Detail hilft, den geringen quantitativen Umfang von Vermeers kreativem Schaffen zu erklären, selbst während seiner fruchtbarsten Zeit. Er muss langsam gearbeitet und sorgfältig über den Charakter seiner Komposition und die Art und Weise, wie er sie ausführen wollte, nachgedacht haben.

Spätwerk und Lebensabend

1670 wurde Vermeer erneut zum Oberhaupt der Delfter Malergilde gewählt. Vermeers später Stil hat einen klareren Charakter und eine größere atmosphärische Klarheit als in seinen Gemälden der 1660er Jahre. Die sorgfältig modulierten Töne und Farben, die er in diesen früheren Werken verwendete, wichen um 1670 einer direkteren, noch kühneren Technik.

Beispielsweise verwendete er scharf definierte Farbflächen und eckige Rhythmen, um in Gemälden ein Gefühl emotionaler Energie zu vermitteln, wie in „Briefschreiberin und Dienstmagd“(1670/1671) und „Die Gitarrenspielerin“ (um 1672).

Das Schicksal des Künstlers verschlechterte sich gegen Ende seines Lebens drastisch, hauptsächlich aufgrund des katastrophalen Wirtschaftsklimas in Holland nach dem Einmarsch französischer Truppen im Jahr 1672.

Als Vermeer 1675 starb, hinterließ er eine Frau, 11 Kinder und enorme Schulden.

Vermeers Vermächtnis

Vermeers Ruhm war zu seinen Lebzeiten nicht weit verbreitet, hauptsächlich weil seine Gemälde von lokalen Gönnern gesammelt wurden und weil sein Oeuvre in seiner Quantität eher klein war. Nach seinem Tod wurden die Gemälde weiterhin von einer kleinen Gruppe von Kennern bewundert, hauptsächlich in Delft und Amsterdam. Bis zum 19. Jahrhundert wurde eine Reihe von Vermeers Gemälden anderen, produktiveren niederländischen Künstlern zugeschrieben, darunter de Hooch.

Als jedoch der französische Malerkritiker Étiene-Joseph-Théophile Thoré (der unter dem Pseudonym William Bürger schrieb) 1866 seine begeisterten Beschreibungen von Vermeers Gemälden veröffentlichte, erreichte die Leidenschaft für das Werk des Künstlers ein breiteres Publikum.

Als private Sammler und öffentliche Museen in den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts aktiv versuchten, seine seltenen Gemälde zu erwerben, stiegen die Preise für seine Werke sprunghaft an. Diese Situation förderte die Herstellung von Fälschungen, von denen die berüchtigtsten die von Han van Meegeren in den 1930er Jahren gemalten waren.

Ende des 20. Jahrhunderts stieg Vermeers Ruhm weiter an, was zum Teil durch eine Ausstellung seiner Arbeiten in den Jahren 1995–96 in der National Gallery of Art in Washington, D.C., und im Mauritshuis in Den Haag angeheizt wurde. Die Ausstellung lenkte auch die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf das Gemälde Mädchen mit Perlenohrring (ca. 1665), das auf den Werbematerialien der National Gallery zu sehen war und um die Wende des 21. Jahrhunderts schnell zu einem der berühmtesten Werke von Vermeer wurde.

Seit dem 10. Februar 2023 versammelt das Rijksmuseum, Amsterdam, 28 Werke von Vermeers Gemälden aus der ganzen Welt für eine Blockbuster-Ausstellung. Das enorme Interesse an der Ausstellung zeugt von Vermeers Popularität und der festen Stellung, die er Jahrhunderte nach seinem Tod im Kanon der Kunstgeschichte einnimmt.

Der große niederländische Maler Johannes Vermeer ist der gefeierte Star in der bisher größten Ausstellung seiner Werke im Amsterdamer Rijksmuseum. Zu den ausgestellten Gemälden gehören Dienstmagd mit Milchkrug, „Ansicht von Delft“ und „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“, in einer einzigartigen Versammlung, die Vermeer selbst nie so sehen konnte.

„Wenn ich durch die Ausstellung gehe, wird mir immer klarer, wie Vermeer die perfekte Illusion kreiert“,

sagt Taco Dibbits, Direktor des Rijksmuseums,

„es fühlt sich an, als stünde man in diesem Raum, zusammen mit dem Gemälde, mit der abgebildeten Person.“ (AFP)

Die Wertschätzung für das bemerkenswert kleine Oeuvre des Künstlers ist daher über Generationen hinweg nur gestiegen. Vermeer fand unter den Zufällen der Natur ein Reich, das von Harmonie und Ordnung durchdrungen war, und indem er diesem Reich eine visuelle Form gab, offenbarte er die Poesie, die in vergänglichen Momenten menschlicher Existenz existiert.

Er erklärte selten die genaue Bedeutung seiner Bilder und zog es stattdessen vor, jedem Betrachter zu erlauben, über ihre Bedeutung nachzudenken. Infolgedessen fesseln seine Meisterwerke weiterhin jeden zeitgenössischen Betrachter, so wie sie ihre Betrachter im Delft des 17. Jahrhunderts beschäftigt haben müssen.

Weitere sehenswerte Videobeiträge zum Meisterkünstler:

In diesem Video sehen wir die berühmtesten Werke von Vermeer:

Einn kunsthistorischer Einblick in Johannes Vermeers „Dienstmagd mit Milchkrug“, derzeit im Rijksmuseum in Amsterdam, Niederlande:

Weiterführende Internetquellen:

• The Met – Johannes Vermeer (1632–1675)
• Holland.com: Johannes Vermeer
• National Gallery of Art – Who is Vermeer?

Vermeers Einfluss auf Kunstgeschichte und Moderne Kunst

Man kann Jan Vermeer als einen der größten Impulsgeber für die moderne Kunst bezeichnen. Seine Werke beeinflussten sowohl Künstler bis zum 20. Jahrhunderts als auch heutige Künstler. Obwohl Vermeer während seiner Lebenszeit wenig Anerkennung erfuhr, wurde sein Einfluss später zweifelsohne anerkannt. Seine Werke waren einzigartig und für viele Künstler eine Inspiration.

Seine subtilen Farben, die scheinbare Einfachheit und die fotografische Realität seiner Bilder waren eine Offenbarung für viele Künstler des 20. Jahrhunderts, darunter Pablo Picasso und Henri Matisse. Außerdem hat Vermeers Einfluss auf die moderne Kunst dazu beigetragen, dass heutige Künstler andere Techniken und Stile in ihre Kunst integrieren. Seine Werke haben nachfolgende Künstler aufgefordert, auf neue Weise über die Welt zu denken und zu malen und sich nicht auf die technischen Aspekte der Malerei zu konzentrieren.

Seine Werke haben auch in anderen Künsten eine Wirkung entfaltet – so findet sich Vermeers Einfluss in der Musik und Literatur wieder.

Er zeigt Künstlern bis heute , wie sie Licht und Farbe in einer geradezu symbiotischen Weise miteinander kombinieren können, um eindrucksvolle und realistische Bilder zu schaffen. Seine Werke sind von einer beeindruckenden Präzision, die für viele andere Künstler ein großer Inspirationsquelle war. Seine Techniken und Ideen wurden von vielen Künstlern nachgeahmt und weiterentwickelt, sodass sie heutzutage noch immer bei vielen Künstlern beliebt sind.

Sein Einfluss ist unbestreitbar und seine Werke sind eine einzigartige Ergänzung der Kunstwelt.

Joachim Rodriguez y Romero

Inhaber und Geschäftsführer von Kunstplaza. Publizist, Redakteur und passionierter Blogger im Bereich Kunst, Design und Kreativität seit 2011. Erfolgreicher Abschluss in Webdesign im Rahmen eines Hochschulstudiums (2008). Weiterentwicklung von Kreativitätstechniken durch Kurse in Freiem Zeichnen, Ausdrucksmalen und Theatre/Acting. Profunde Kenntnisse des Kunstmarktes durch langjährige journalistische Recherchen und zahlreichen Kooperationen mit Akteuren/Institutionen aus Kunst und Kultur.

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