Was verrät uns die Evolution der modernen Kunst über die Zukunft der Kunstwelt?

Vom späten 19. Jahrhundert bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts stellte die moderne Kunst eine kühne Abkehr von den traditionellen künstlerischen Normen dar. Sie zeichnete sich durch Experimente, Abstraktion und eine Konzentration auf den individuellen Ausdruck aus.

Der Einfluss der modernen Kunst reicht weit in die zeitgenössischen Kunstbewegungen hinein und prägt die Art und Weise, wie Künstler heute Themen, Techniken und Medien erforschen. Bei der Untersuchung ihrer Entwicklung über diese Zeitspanne sehen wir, wie frühere Bewegungen den Weg für neue Trends und Strömungen ebnen, welche die Kunstwelt ein weiteres Mal neu definieren werden.

Internationale Fachmagazine wie Artnet News (Einer der führenden Anbieter von Nachrichten und Analysen zur globalen Kunstszene), The Art Newspaper (internationale Kunstnews und tiefgehende Analysen zu Markttrends), Hyperallergic (kritische Nachrichten und Kommentare zur zeitgenössischen Kunstszene), Artforum (Essays mit Einblicken in aktuelle und zukünftige Bewegungen in der Kunstszene), Colossal (Kunstblog, der sich auf zeitgenössische Kunst und visuelle Kultur spezialisiert hat) sowie das französische Frieze (Berichte und Essays zu aufstrebenden Künstlern und neuen Entwicklungen in der Kunstwelt) beschäftigen sich intensiv mit dieser Fragestellung – in Hunderten von Fachbeiträgen, Essays und Kommentaren.

Diese Quellen bieten umfassende Einblicke und sind wertvolle Ressourcen, um aktuelle Entwicklungen und mögliche zukünftige Trends in der Kunstszene zu beobachten und zu verstehen. Mit diesem Artikel versuchen wir, des Pudels Kern für Sie herauszuarbeiten.

Die wichtigsten Entwicklungsphasen in der modernen Kunst

Der Impressionismus: Flüchtige Momente einfangen

Der Impressionismus ist unzweifelhaft eine der bedeutsamsten und einflussreichsten Kunstepochen, deren revolutionäre Elemente nachhaltig die moderne Kunst geprägt haben. Diese Epoche, die sich hauptsächlich zwischen 1860 und 1886 erstreckte, markierte einen radikalen Bruch mit den traditionellen Akademien der Kunst und legte den Grundstein für viele moderne künstlerische Praktiken.

Der Impressionismus, der in den 1860er Jahren in Frankreich aufkam, versuchte im Kern seines Wesens, die flüchtige Schönheit des Alltags und die dynamischen Effekte von Licht und Farbe darzustellen.

Künstler wie Claude Monet und Pierre-Auguste Renoir verwendeten lockere Pinselstriche und leuchtende Farbpaletten, um ein Gefühl der Unmittelbarkeit zu vermitteln. Diese Bewegung revolutionierte die künstlerischen Techniken und schuf die Voraussetzungen für expressivere und experimentellere Ansätze in der Malerei.

Ein bahnbrechendes Werk dieser Zeit ist Monets „Impression, soleil levant“ (1872), das der gesamten Bewegung ihren Namen gab. Die Verwendung von Rasterpunkten in der Malweise, inspiriert vom Pointillismus, sollte später von den Neoimpressionisten wie Georges Seurat weiterentwickelt werden.

Revolutionäre Elemente des Impressionismus

1. Licht und Farbe: Der Impressionismus revolutionierte die Darstellung von Licht durch die Nutzung reiner Farben und die Erforschung des Lichtspektrums. Die Künstler fingen die flüchtigen Effekte des Lichts in der Natur ein, was eine dynamischere und realistischere Darstellung ermöglichte.
2. Komposition und Perspektive: Impressionisten verzichteten auf die traditionelle Zentralperspektive und schufen Kompositionen, die dem natürlichen Blickwinkel und der spontanen Wahrnehmung des Betrachters näher kamen. Diese Herangehensweise inspirierte später kubistische und abstrakte Künstler.
3. Subjektivität und Emotion: Die Betonung der individuellen Wahrnehmung und des subjektiven Erlebnisses in der Kunst führte zu einer emotionaleren und persönlicheren Ausdrucksweise, die für die moderne Kunst charakteristisch ist.
4. Auflösung traditioneller Themen und Motive: Der Impressionismus unterminierte die bis dahin klassische Themenwahl. Impressionisten wandten sich alltäglichen Szenen, dem bürgerlichen Leben und versteckten Augenblicken zu und betonten oft die Schönheit des Alltäglichen. Diese Verschiebung des Fokus inspirierte nachfolgende Bewegungen wie den Realismus und die Neue Sachlichkeit, die stärkere soziale und politische Themen erforschten.

Die wegweisenden Ansätze des Impressionismus haben die Grenzen der Kunst erweitert und den Weg für viele moderne und zeitgenössische Strömungen geebnet. Sie förderten das Verständnis, dass die künstlerische Interpretation der Realität ebenso wertvoll ist wie deren realistische Abbildung, ein Grundsatz, der heute die Vielfalt und Innovation in der Kunstwelt prägt.

Post-Impressionismus: Ein eher subjektiver Ansatz

Aufbauend auf dem Impressionismus wandten sich die postimpressionistischen Künstler, darunter Vincent van Gogh und Paul Cézanne, stärker der Abstraktion und dem persönlichen Ausdruck zu. Sie experimentierten mit kräftigen Farben, verzerrten Formen und ausdrucksstarken Pinselstrichen, um tiefere Gefühle und subjektive Interpretationen der Realität zu vermitteln.

Diese Bewegung legte den Grundstein für die Abstraktion der Moderne und beeinflusste zahlreiche Kunstrichtungen des 20. Jahrhunderts.

Der Kubismus: Eine radikale Verschiebung der Perspektive

Der Kubismus, der von Pablo Picasso und Georges Braque begründet wurde, löste die traditionellen Perspektiven auf, indem er mehrere Blickwinkel gleichzeitig darstellte. Dieser revolutionäre Stil zerstückelte Objekte und setzte sie in abstrakten Formen neu zusammen.

Die Bewegung war entscheidend für den Übergang der Kunst von der Repräsentation zur reinen Abstraktion und inspirierte moderne und zeitgenössische Kunstentwicklungen.

Der Surrealismus: Die Macht des Unterbewusstseins

Beeinflusst von der Freudschen Psychologie, erforschte der Surrealismus die Welt der Träume und des Unterbewusstseins. Künstler wie Salvador Dalí und René Magritte schufen fantastische, traumartige Bilder, die die konventionelle Realität in Frage stellten.

Diese Bewegung förderte die künstlerische Erforschung der nicht greifbaren Welt und inspirierte spätere konzeptionelle und multimediale Kunstformen.

Abstrakter Expressionismus: Die Betonung der Spontaneität

Der abstrakte Expressionismus entstand in den Vereinigten Staaten in den 1940er und 1950er Jahren und betonte den ungegenständlichen, emotionalen Ausdruck. Künstler wie Jackson Pollock und Mark Rothko verwendeten kräftige Farben, dynamische Pinselstriche und große Leinwände, um tiefe emotionale Reaktionen hervorzurufen.

Diese Bewegung bedeutete einen Wandel in der Kunstwelt, in der der Schaffensprozess ebenso wichtig wurde wie das fertige Werk.

Revolutionäre Elemente des Abstrakten Expressionismus

1. Subjektivität und Emotion: Der Abstrakte Expressionismus setzte auf subjektive, emotionale Ausdrucksformen, die oft unbewusste und tief persönliche Aspekte ans Licht brachten. Der kreative Prozess wurde zu einem Akt der Selbsterforschung und des intuitiven Ausdrucks.
2. Technische Innovation: Techniken wie das „Drip Painting“ oder der Einsatz unkonventioneller Werkzeuge und Materialien revolutionierten den Malprozess. Diese Herangehensweisen betonten die Bedeutung des physischen Aktes des Malens und brachen mit traditionellen Methoden.
3. Größere Leinwände und neue Formate: Viele Künstler begannen, großformatige Leinwände zu verwenden, was den Zuschauer in das Bild einbezog und eine immersive Erfahrung ermöglichte. Dieser Skalenwechsel machte die Kunstwerke zu überwältigenden, visuellen Erlebnissen.
4. Philosophischer und spiritueller Einfluss: Viele Künstler des Abstrakten Expressionismus waren stark von existentialistischen und spirituellen Ideen beeinflusst. Sie suchten nach universellen Wahrheiten und Erfahrungen, die über das Sichtbare hinausgingen, und reflektierten dies in ihrer Kunst.

Der Abstrakte Expressionismus legte den Grundstein für viele nachfolgende Bewegungen und ebnete der amerikanischen Kunst den Weg zur internationalen Anerkennung. Er erweiterte das Verständnis dessen, was Kunst sein kann, und verschob den Fokus weg von der Darstellung hin zum Ausdruck. Durch die Betonung des kreativen Prozesses und der emotionalen Authentizität veränderte er das Verhältnis zwischen Künstler, Kunstwerk und Betrachter grundlegend.

Dieses tiefgreifende Zusammenspiel von technischen Innovationen, philosophischen Fragen und neuen künstlerischen Ausdrucksformen macht den Abstrakten Expressionismus zu einer der wichtigsten Epochen in der Geschichte der modernen Kunst.

Aktuelle Trends, welche die Zukunft der Kunst mitgestalten

Die Kunstwelt erlebt aktuell eine aufregende Phase des Wandels und der Innovation, geprägt von technologischen Fortschritten, sozialen Bewegungen und einem sich rasant transformierenden globalen Kontext. Diese Trends tragen dazu bei, die Zukunft der Kunst zu gestalten und bieten Künstlern neue Möglichkeiten, ihre Ideen und Visionen zu realisieren.

Hier sind einige der bedeutendsten aktuellen Trends, welche mit großer Wahrscheinlichkeit die zukünftige Kunstlandschaft prägen werden:

01  Digitale Kunst und NFTs: Siegeszug der Technologie

Die digitale Revolution hat das künstlerische Schaffen und den Vertrieb verändert. Digitale Kunst, einschließlich computergenerierter Bilder und Virtual-Reality-Installationen, wird immer beliebter.

Darüber hinaus haben Non-Fungible Tokens (NFTs) den Kunstbesitz revolutioniert, indem sie es Künstlern ermöglichen, einzigartige digitale Werke über die Blockchain-Technologie direkt an Sammler zu verkaufen. Dieser Trend demokratisiert die Kunst und erweitert die Möglichkeiten des künstlerischen Ausdrucks.

• Beeple’s „Everydays: The First 5000 Days“: Dieses digitale Kunstwerk wurde bei Christie’s für über 69 Millionen Dollar verkauft und erregte weltweit Aufmerksamkeit. Es zeigt, wie digitale Kunstwerke durch die Blockchain-Technologie zu einzigartigen, sammelbaren Assets werden können.
• Art Blocks: Eine Plattform, die sich auf generative Kunst mittels NFTs spezialisiert hat. Künstler programmieren Algorithmen, die einzigartige Kunstwerke erstellen, die dann als NFTs verkauft werden. Dies öffnet neue Möglichkeiten für Kunst, die auf Mathematik und Algorithmik basiert.

02  Interdisziplinäre Kunst: Die Grenzen verschwimmen

Zeitgenössische Künstler verschmelzen zunehmend Kunst mit Wissenschaft, Technologie und anderen Disziplinen. Dieser interdisziplinäre Ansatz führt zu innovativen und zum Nachdenken anregenden Werken, die sich mit komplexen sozialen und ökologischen Fragen auseinandersetzen. Durch die Integration verschiedener Bereiche stellen die Künstler traditionelle Grenzen in Frage und verschieben die Grenzen der Kreativität.

Künstler verschmelzen heute Kreativität mit praktischen Aspekten des täglichen Lebens. So können konzeptionelle Installationen Themen wie urbanes Leben, Nachhaltigkeit oder sogar die Ästhetik eines Innenraumes mit einer Checkliste für die Ferienwohnung untersuchen und dabei Funktionalität mit künstlerischem Ausdruck verbinden.

03  Ökologische Kunst und Nachhaltigkeit: Das Bewusstsein für die Umwelt ist geschärft

Angesichts der wachsenden Besorgnis über den Klimawandel setzen viele Künstler auf nachhaltige Praktiken und Umweltthemen. In der Öko-Kunst werden häufig natürliche Materialien verwendet und Themen wie Umweltschutz und Umweltverschmutzung hervorgehoben. Diese Bewegung unterstreicht die Rolle der Kunst bei der Förderung ökologischer Verantwortung und der Anregung gesellschaftlicher Veränderungen.

• Olafur Eliasson: Er ist bekannt für seine Installationen, die sich mit Umweltfragen auseinandersetzen. Projekte wie „Ice Watch“, bei dem große Eisblöcke aus Grönland in urbanen Räumen installiert wurden, machen die Auswirkungen des Klimawandels greifbar.

• Christina Seelys „Dissonance“: Diese Serie von Fotografien und Installationen beschäftigt sich mit der Mensch-Umwelt-Beziehung und verwendet nachhaltige Materialien und umweltbewusste Produktionstechniken.

04  Immersive und interaktive Kunst: Einbindung des Publikums

Kunst wird interaktiver. Virtual Reality (VR) und Augmented Reality (AR) verändern die Art und Weise, wie sich das Publikum mit Kunstwerken auseinandersetzt, und machen das Seherlebnis partizipativer und dynamischer.

Kunstinstallationen, die den Betrachter aktiv in das Kunstwerk einbeziehen und ein immersives Erlebnis bieten, werden immer beliebter. Diese Werke nutzen oft Licht, Klang, Virtual Reality (VR) und Augmented Reality (AR), um multisensorische Erfahrungen zu schaffen.

• TeamLab: Dieses Kollektiv aus Japan ist bekannt für seine digitalen Installationen, die interaktive und immersive Erlebnisse bieten. Ihre Werke, wie die Ausstellung „Borderless“ in Tokio, nutzen Projektionen, Bewegungssensoren und interaktive Technologien, um die Besucher in ihre Kunst einzubeziehen.

• Meow Wolf: Eine Künstlergemeinschaft, die immersive Installationen und Erlebnisräume schafft. Projekte wie „House of Eternal Return“ in Santa Fe bieten ein interaktives Kunstabenteuer, das Geschichten durch umgebende, physische Kunstwerke erzählt.

05  Sozial engagierte Kunst: Auseinandersetzung mit aktuellen Themen

Viele zeitgenössische Künstler nutzen ihre Werke, um auf soziale und politische Probleme wie Ungleichheit, Ungerechtigkeit und Menschenrechte hinzuweisen. Sozial engagierte Kunst beinhaltet oft die Beteiligung der Gemeinschaft, um einen sinnvollen Dialog zu schaffen und den sozialen Wandel voranzutreiben.

Dieser Trend stärkt die Rolle der Kunst als wirkungsvolles Instrument für Aktivismus und Bewusstseinsbildung.

• Theaster Gates: Ein prominentes Beispiel für einen Künstler, der sich mit sozialen Themen auseinandersetzt. Seine Projekte, wie das Rebuild Foundation in Chicago, kombinieren Kunst mit städtischer Erneuerung und Gemeinschaftsarbeit, um gesellschaftliche Veränderungen zu bewirken.
• Forensic Architecture: Diese künstlerische und investigative Forschungsgruppe nutzt Architektur, visuelle Kunst und neue Technologien, um Menschenrechtsverletzungen und staatliche Vergehen zu dokumentieren. Ihre Arbeiten wurden bereits in renommierten Museen und auf Biennalen ausgestellt.

06  Diversität und Inklusion

Die Kunstwelt öffnet sich zunehmend für diverse Perspektiven und Stimmen, die lange Zeit marginalisiert wurden. Dies fördert einen reicheren Dialog und eine größere Vielfalt an Ausdrucksformen.

• Kara Walker: Ihre Werke thematisieren Rassismus, Geschlecht und Identität durch eine provokative und teilweise kontroverse Bildsprache. Walker hat mit ihren Scherenschnitt-Installationen maßgeblich zur Diskussion über Rassengeschichte und Geschlechterpolitiken beigetragen.

• Zanele Muholi: Eine südafrikanische Fotografin und visuelle Aktivistin, die ihre Werke nutzt, um die LGBTQI+-Gemeinschaft zu porträtieren und zu stärken. Ihre kraftvollen Porträts beleuchten die Schönheit und das Leiden einer oft unsichtbaren Community.

07  Die Wiederbelebung traditioneller Techniken: Eine Rückkehr zur Handwerkskunst

Während der technologische Fortschritt die Kunstwelt weiterhin prägt, gibt es auch eine neue Wertschätzung für traditionelle Techniken wie Malerei, Bildhauerei und Druckgrafik. Viele Künstler vermischen diese klassischen Methoden mit moderner Sensibilität und schaffen so einen Dialog zwischen der Ästhetik der Vergangenheit und der Gegenwart.

08  Kunst und psychische Gesundheit: Die heilende Kraft der Kreativität

Die Schnittstelle zwischen Kunst und psychischer Gesundheit gewinnt zunehmend an Bedeutung. Die Kunsttherapie ist weithin für ihren psychologischen Nutzen bekannt und hilft dem Einzelnen, Emotionen und Traumata zu verarbeiten.

Viele Künstler setzen sich mit Themen der psychischen Gesundheit auseinander und fördern durch ihre Arbeit ein tieferes Verständnis für das persönliche und kollektive Wohlbefinden.

09  Künstliche Intelligenz und maschinelles Lernen

Künstliche Intelligenz (KI) und maschinelles Lernen bieten neue Möglichkeiten der Zusammenarbeit zwischen Mensch und Maschine im Kunstschaffensprozess.

• AI-generierte Kunst: Künstler wie Mario Klingemann und das Kollektiv Obvious nutzen KI-Algorithmen, um Kunstwerke zu schaffen. Klingemanns Werk „Memories of Passersby I“, das auf der Kunstmesse Sotheby’s versteigert wurde, besteht aus einem KI-System, das in Echtzeit Porträts generiert.
• Algorithmische Kunst: Algorithmen werden verwendet, um eigenständige Kunstwerke zu generieren oder den künstlerischen Prozess zu unterstützen. Art Blocks, eine Plattform für generative Kunst, ermöglicht es Künstlern, Algorithmen zu programmieren, die einzigartige NFTs schaffen.

10  Interaktive Installationen und Sensorik

Moderne Installationen nutzen zunehmend Sensorik und interaktive Technologien, um partizipative Kunstwerke zu schaffen. Diese Werke reagieren auf die Bewegungen und Aktionen der Betrachter und schaffen so eine dynamische und immersive Erfahrung.

Beispiele hierfür sind Installationen, die auf Klang oder Licht basieren und sich in Echtzeit verändern.

11  Globale Vernetzung: Eine integrativere Kunstwelt

Die Kunstwelt wird immer vielfältiger und inklusiver, und die Anerkennung von Künstlern mit unterschiedlichem kulturellem Hintergrund nimmt zu. Dieser Wandel stellt die westlich geprägten Narrative in Frage und eröffnet der zeitgenössischen Kunst neue Perspektiven. Die Globalisierung der Kunst bereichert ihren Diskurs und eröffnet neue Wege der interkulturellen Zusammenarbeit.

Plattformen für digitale Zusammenarbeit ermöglichen es Künstlern und Kreativen weltweit, in Echtzeit zu interagieren und gemeinsam Kunstwerke zu schaffen. Soziale Medien und Online-Galerien haben die Reichweite und Sichtbarkeit von Künstlern erheblich erweitert, indem sie ihnen einen direkten Zugang zu einem globalen Publikum bieten.

12  Straßenkunst und Stadtkultur: Kunst im öffentlichen Raum

Street Art und Graffiti haben sich zu einflussreichen Kunstformen entwickelt, die Kreativität in das alltägliche städtische Umfeld bringen. Wandmalereien, öffentliche Installationen und sozial motivierte Projekte machen Kunst für ein breiteres Publikum zugänglich und spiegeln die Energie und den kulturellen Wandel der heutigen Gesellschaft wider.

Als Sonderformen haben sich hier jüngst Tape Art, Flash Mobs und Projection Mapping eindrucksvoll hervorgetan, um auf aktuelle Gesellschaftsthemen hinzuweisen.

Die Entwicklung des Kunstmarktes: Online-Galerien, virtuelle Ausstellungen und Augmented Reality (AR)

In den letzten Jahren hat der traditionelle Kunstmarkt einen bemerkenswerten Wandel durchlaufen, der vor allem durch das Aufkommen von Online-Galerien, virtuellen Ausstellungen und digitalen Plattformen vorangetrieben wird. Diese bedeutenden Innovationen haben nicht nur die Zugänglichkeit von Kunst für Sammler und ein allgemeines Publikum weltweit drastisch erhöht, sondern sie haben auch die Art und Weise revolutioniert, wie Kunstwerke gekauft, verkauft und letztlich erlebt werden.

Früher war der Zugang zu Kunstwerken häufig auf physische Galerien und Ausstellungen beschränkt, was bedeutete, dass viele Menschen in geografisch abgelegenen Regionen oder mit eingeschränkten Mobilitätsmöglichkeiten von der Welt der Kunst ausgeschlossen waren. Doch mit der Einführung von Online-Galerien und virtuellen Technologien haben sich diese Grenzen aufgelöst.

Heute kann jeder mit einer Internetverbindung Kunst aus den entlegensten Winkeln der Erde erkunden, sei es von seinem eigenen Wohnzimmersessel aus oder während einer kurzen Pause im Büro. Diese digitale Transformation hat nicht nur den Horizont für Käufer erweitert, sondern auch den Künstlern neue Plattformen eröffnet, um ihre Werke einem breiteren Publikum vorzustellen.

Virtuelle Ausstellungen bieten zudem ein interaktives Erlebnis, das weit über die Möglichkeiten traditioneller Galerien hinausgeht. Durch immersive Technologien wie Virtual Reality können Besucher in eine digitale Welt eintauchen, in der sie die Kunstwerke in beeindruckender Nähe betrachten und sich sogar mit anderen Kunstliebhabern austauschen können. Das Gefühl der Gemeinschaft, das oft mit dem Besuch einer physikalischen Ausstellung einhergeht, wird durch diese virtuellen Formate auf neue Weise gefördert.

Die Art und Weise, wie Kunst heute gekauft wird, hat sich ebenfalls erheblich verändert. Online-Auktionen und digitale Plattformen ermöglichen es Sammlern, Werke in Echtzeit zu ersteigern oder direkt zu kaufen, oft begleitet von detaillierten Informationen über die Künstler und den Kontext ihrer Arbeiten. Dieses Wissen ermöglicht eine fundiertere Entscheidung beim Kauf und schafft eine tiefere Verbindung zwischen dem Käufer und dem Kunstwerk.

 Die Verbreitung von Online-Galerien und virtuellen Ausstellungen ist ein klarer Indikator dafür, dass die Zukunft des Kunstmarkts in einem zunehmend vernetzten und inklusiven digitalen Raum liegt. Die Möglichkeiten sind nahezu unbegrenzt, und wir stehen erst am Anfang dieser aufregenden Entwicklung – ein Grund mehr für alle kunstinteressierten Menschen, sich aktiv mit diesen neuen Formen der Kunstpräsentation auseinanderzusetzen.

Die Zukunft der Kunst: Keeps flowing

Die Zukunft der Kunst wird geprägt sein von diesen und weiteren sich entwickelnden Trends, die neue Ausdrucksformen, Technologien und Perspektiven integrieren. Diese Bewegungen reflektieren die gesellschaftlichen, politischen und technologischen Veränderungen unserer Zeit und öffnen die Türen zu einer dynamischen, vielfältigen und zukunftsorientierten Kunstlandschaft.

Indem wir diesen Entwicklungen folgen und sie unterstützen, bereichern wir nicht nur die Kunstwelt, sondern tragen auch zu einem besseren Verständnis und einer tieferen Reflexion unserer eigenen Erfahrungen und der Welt um uns herum bei.

Technologie ist dabei zu einem integralen Bestandteil der zeitgenössischen Kunst geworden, der das kreative Potenzial erweitert und neue Ausdrucksformen ermöglicht. Sie hat nicht nur die Art und Weise verändert, wie Kunstwerke geschaffen und erlebt werden, sondern auch, wie sie distribuiert und rezipiert werden.

Diese Entwicklungen öffnen neue Horizonte für Künstler und Betrachter gleichermaßen, fördern die Demokratisierung der Kunst und bieten innovative Ansätze für soziale und ökologische Themen.

In einer sich ständig weiterentwickelnden technologischen Landschaft bleibt die Kunst weiterhin ein Spiegel und ein kritischer Kommentar zu den Veränderungen unserer Zeit.

Joachim Rodriguez y Romero

Inhaber und Geschäftsführer von Kunstplaza. Publizist, Redakteur und passionierter Blogger im Bereich Kunst, Design und Kreativität seit 2011. Erfolgreicher Abschluss in Webdesign im Rahmen eines Hochschulstudiums (2008). Weiterentwicklung von Kreativitätstechniken durch Kurse in Freiem Zeichnen, Ausdrucksmalen und Theatre/Acting. Profunde Kenntnisse des Kunstmarktes durch langjährige journalistische Recherchen und zahlreichen Kooperationen mit Akteuren/Institutionen aus Kunst und Kultur.

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