Kunstepochen – Einführung in die Kunstgeschichte der Stilepochen und ihrer Merkmale

Die Kunstgeschichte wird von zahlreichen wichtigen Kunstepochen geprägt, über die sogar Kunstlaien immer wieder stolpern. Jeder hat dabei eine individuelle Stilrichtung, künstlerische Strömungen und Formen der Ästhetik entwickelt.

Die verschiedenen Kunstepochen reflektieren dabei die gesellschaftlichen, politischen und kulturellen Veränderungen ihrer Ära sowie die Resultate von kreativen Schöpfungsprozessen.

Hiermit möchten wir von Kunstplaza eine hilfreiche Übersicht über die wichtigsten Epochen der Kunst geben und ihre spezifischen Merkmale herausarbeiten. Des Weiteren stelen wir bedeutende Kunstwerke und die maßgeblichen Künstler der jeweiligen Zeitalter vor.

Chronologische Darstellung der Kunstgeschichte im Zeitstrahl

Wir haben alle Kunstepochen für Sie in einer übersichtlichen Zeitleiste geordnet. Von 3000 v. Chr. bis zum Mittelalter, der modernen Kunst, der klassischen Moderne und der zeitgenössischen Kunst, die heutzutage von Künstlern produziert wird.

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Fundiertes Kunstwissen – Epochen, Stile, Bildsprache und historischen Kontext verstehen

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Antike Kunst (ca. 3000 v. Chr. – 500 n. Chr.)

Stilepochen der Antiken Kunst auf einen Blick

Frühe Zivilisationen umfassen ägyptische, mesopotamische, minoische, mykenische, klassische griechische und römische Kunst, die Teil der antiken Kunst sind. Die frühe europäische Kunst entstand aus den grundlegenden künstlerischen Methoden und Stilen, die in Griechenland entwickelt wurden.

Die ägyptische Kunst zeichnet sich durch detaillierte Wandgemälde und riesige Bauwerke wie die Pyramiden aus. Während die minoische und mykenische Kunst mit ihren brillanten Fresken und Töpferwaren beeindruckt, ist die mesopotamische Kunst für ihre Reliefs und Skulpturen bekannt. –

Die klassische griechische Kunst, die in Skulpturen wie dem Discobolos und der Venus von Milo zum Ausdruck kommt, ist bekannt für ihre harmonischen Verhältnisse und den idealisierten menschlichen Körper.

Antike – Griechenland (um 800 v. Chr. bis 100 v. Chr.)

Ebenso darf die römische Kunst in dieser Kunstepochen Übersicht nicht fehlen. Sie zeichnet sich durch ihren Realismus und ihre Porträtkunst aus, wie beispielsweise die Büste des Kaisers Augustus zeigt.

Antike – Römisches Reich (600 v. Chr. bis 600 n. Chr.)

Frühchristentum und Byzanz (300-1453)

Mittelalterliche Kunst (ca. 500 – 1400)

Epochen des Mittelalters auf einen Blick

Die mittelalterliche Kunst umfasst die Kunst der Völkerwanderungszeit, die karolingische, die ottonische, die romanische und die gotische Kunst. In dieser Epoche stand die christliche Religion im Zentrum der künstlerischen Schaffensprozesse.

Frühes Mittelalter und Romanik (750-1250)

Wichtige Daten und Merkmale zur Romanik auf einen Blick:

Die Kunst der Völkerwanderungszeit brilliert mit einer Fusion antiker und germanischer Stilrichtungen, wie sie in den prächtigen Schmuckstücken der Merowinger und Langobarden zum Ausdruck kommt.

Aus der Ära der fränkischen und sächsischen Monarchen entsprangen künstlerische Meisterwerke der karolingischen und ottonischen Ära, die beeindruckende Handschriften und sakrale Bauten wie den Hildesheimer Dom oder die Pfalzkapelle in Aachen hervorbrachten.

Die Kunst der Romanik besticht durch ihre imposante Persönlichkeit, die sich in majestätischen Kirchen mit tonnenschweren Gewölben und runden Bögen manifestiert.

Die gotische Kunst hingegen besticht durch ihre zierlichen Strukturen und ihren Drang nach Höhe, wie es die Kathedralen von Chartres und Notre-Dame in Paris eindrucksvoll demonstrieren.

Gotik (1130-1500)

Wichtige Daten und Merkmale zur Gotik auf einen Blick:

Frühe Neuzeit

Epochen der Frühen Neuzeit auf einen Blick

Renaissance (ca. 1420 – 1600)

Wichtige Daten und Merkmale zur Renaissance auf einen Blick:

Die Renaissance war eine Epoche der künstlerischen Wiedergeburt, in der die antike Kunst und Kultur wiederentdeckt und neu interpretiert wurden. Die Renaissancekünstler wie Leonardo da Vinci, Michelangelo und Raffael strebten nach Perfektion und Humanismus in ihrer Kunst und legten besonderen Wert auf Proportion, Perspektive und anatomische Genauigkeit.

Zu der Zeit der Renaissance zeichnet sich die Malerei durch ihre realistischen Darstellungen und die Einführung der Zentralperspektive aus, die den Betrachtern eine räumliche Tiefe vermittelt. In der Skulptur erreichte die Kunst der Renaissance ein hohes Maß an Plastizität und Dynamik, wie beispielsweise Michelangelos David oder die Laokoon-Gruppe zeigen.

Die Renaissance-Architektur wurde von der Wiederentdeckung der klassischen Formen und Symmetrie geprägt, wie sie in den Bauten von Brunelleschi und Palladio zum Ausdruck kommt.

Manierismus (ca. 1520 – 1600)

Mit der neu erlangten Freiheit des Menschen entstand im 16. Jahrhundert der Wunsch, dass jeder Künstler seine eigene individuelle Ausdrucksweise entwickeln sollte.

Doch dieser Wunsch führt schnell zu Übertreibungen, die selbst für Meister wie Michelangelo nicht unentdeckt blieben. So wurden einige seiner Werke nicht mehr der Renaissance, sondern dem Manierismus zugeordnet.

Im Manierismus wurden Gefühle bewusst übertrieben dargestellt, Gesten übersteigert und sogar die Kleidung der dargestellten Personen unnatürlich aufgebauscht. Die einst leichte S-Kurve der Renaissance wird zu einem fast unnatürlichen Überdrehen der Körper.

Ironischerweise wurde dieser Stil zum ersten pan-europäischen Stil und zog Künstler aus ganz Europa nach Italien, seinem Ursprungsort.

Barock und Rokoko (ca. 1600 – 1780)

Wichtige Daten und Merkmale zu kuns:

Die Barockkunst entstand als Reaktion auf die Renaissance und zeichnet sich durch ihre Emotionalität, Dramatik und Üppigkeit aus. Die Künstler des Barock wie Caravaggio, Bernini und Rubens, nutzten Licht und Schatten, um ihre Werke plastisch und lebendig erscheinen zu lassen.

Die Barockmalerei ist geprägt von starken Kontrasten zwischen Licht und Schatten, wie beispielsweise in Caravaggios „Die Berufung des Heiligen Matthäus“ zu sehen ist. Durch Künstler wie Bernini erreichte die Barockskulptur eine neue Dynamik und Bewegung, wie etwa seine Skulptur „Apollo und Daphne“ zeigt.

Gian Lorenzo Bernini setzte in Architektur und Skulptur neue Standards und Annibale Carracci und Caravaggio taten dies in der Malerei. Die dramatischen Hell-Dunkel-Kontraste und die Verletzung der Schicklichkeit des ungestümen Malerstars Caravaggio waren wegweisend und gaben den Ton für realistische Darstellungen von Martyrien und Genreszenen der Caravaggisten an.

Drei neue Kunstgattungen – Genre, Landschaft und Stillleben – sind das Ergebnis des Goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei im 17. Jahrhundert, das durch den großen Reichtum des Bürgertums hervorgerufen wurde. Der Flame Peter Paul Rubens wurde in ganz Europa für seine Gemälde bekannt, die immense Pracht, Energie und emotionale Wirkung vereinten.

Da die Barockkunst als Mittel der Gegenreformation eingesetzt wurde, dominierten heilige und höfische Aufträge das Kunstschaffen in Spanien und den außereuropäischen Kolonien.

Während die religiöse Kunst des Siglo d’oro in der Mischung aus Malerei und Bildhauerei ihren Höhepunkt erreichte, wurde der aus Sevilla stammende Diego Velázquez zum unbestrittenen Hofmaler und schuf vor allem Porträts und mythologische Geschichten.

Anders als in Italien, Spanien und Süddeutschland herrschte in Frankreich und England nicht der chaotische Barockstil vor; In beiden Ländern setzte sich ein klassischer Ansatz durch, der manchmal als barocker Klassizismus (Frankreich) und Palladianismus (Architektur in England) bezeichnet wird.

Wie die romanische Kirche San Carlo alle Quattro Fontane zeigt, zeichnet sich die barocke Architektur durch ihre Pracht und die Verwendung von Kurven und Ellipsen aus. Als spätere Weiterentwicklung des Barock zeichnet sich das Rokoko durch ein helles, dekoratives und skurriles Aussehen aus.

Die exquisiten und anmutigen Gemälde mehrerer Rokoko-Künstler, darunter Watteau, Boucher und Fragonard, spiegelten sich besonders in den galanten Kulissen des französischen Adels wider.

Die utopische Liebesinsel Kythera wurde von Antoine Watteau in charakteristischer Weise für die französische Malerei des Rokoko dargestellt. Die Genremalerei zeichnet sich durch atmosphärische Landschaften, zarte Figuren, poetisch-elegische Stimmungen und subtile Farben aus, während im Porträt sowohl hochrepräsentative als auch intime Bildnisse gleichermaßen geschätzt wurden.

Der unangefochtene Hauptmeister des Stilllebens war Jean Siméon Chardin, dessen Einfluss auf den Impressionismus im 19. Jahrhundert nicht zu unterschätzen ist. Der Stil des Rokoko verbreitete sich von Frankreich aus über Mitteleuropa und wurde vor allem für Möbel und Innenausstattungen geschätzt.

Klassizismus (ca. 1770 – 1830)

Wichtige Daten und Merkmale zum Klassizismus auf einen Blick:

Im 19. Jahrhundert strebten Künstler mit einem „Rucksack“ voller antiker Kunst nach einer Atmosphäre von „stillen Einfalt und edler Größe“ (J.J. Winkelmann), beeinflusst durch die jüngsten Entdeckungen in Pompeji.

Antonio Canova aus Italien und Jacques-Louis David aus Frankreich prägten eine ganze Generation, indem sie in ihren Werken heroische Männlichkeitsideale und tugendhaft zurückhaltende Frauen verherrlichten.

In der Skulptur, Malerei und insbesondere Architektur ersetzten parallele Kompositionen, geradlinige Formen und die Orientierung am klassischen Kanon (Maßverhältnisse) die bewegten, barocken Schwünge.

Späte Neuzeit

Epochen der Späten Neuzeit auf einen Blick

Romantik (ca. 1790 – 1830)

Die Romantik ist mehr als nur eine Stilepoche, sie ist eine Geisteshaltung, die das Mysteriöse, Dunkle und Erhabene dem Glatten und Schönen vorzieht. Im Jahre 1810 formierte sich in Wien der Lukasbund, der versuchte, Dürer und Raffael zu vereinen.

Währenddessen feierten Caspar David Friedrich und William Turner ihre ersten Erfolge als Landschaftsmaler und der gereifte Francisco de Goya schuf seine düstersten Werke.

Als Vorlage für den missverstandenen Künstler und das visionäre Genie gilt William Blake, der wie die Maler des Lukasbundes von religiösen Gefühlen angetrieben wurde, jedoch seine höchst subjektive Mythologie entwickelte. Ob mittelalterliche Märchen oder Dr. Faustus, atemberaubende Berglandschaften oder nebelverhangene Gegenden – immer war es das Innerste, die Gefühlsebene, die romantische Künstler und Künstlerinnen zu neuen Schöpfungen antrieben.

Stilpluralismus, Biedermeier und Gründerzeit (1790-1890)

Phänomene stilistischer Heterogenität haben seit jeher einen großen Einfluss auf die moderne Kunst. Damit meinen wir eine Bandbreite an Techniken und Stile, die Künstler zur Schöpfung ihrer Werke anwenden. Eben diese Vielfalt der Techniken ermöglicht es Künstlern, sich immer wieder von ihren Kollegen abzuheben und ihre Gedanken und Originalität auf unterschiedliche Weise zu kommunizieren.

Durch die Infragestellung des traditionellen Kunstkanons und die Schaffung neuer kreativer Ausdrucksmöglichkeiten hat der Stilpluralismus dazu beigetragen, den Weg für die moderne Kunst zu ebnen.

Als Künstler im 19. Jahrhundert begannen, konventionelle Akademien und ihre Regeln abzulehnen, entwickelte sich in der Kunstlandschaft eine stilistische Vielfalt. Während die Romantik das Bewusstsein für die Natur und den Menschen schärfte, betonte der Realismus die Alltagswelt.

Der Impressionismus brach schließlich mit herkömmlichen Lehren und konzentrierte sich auf die Wiedergabe von Farbe und Licht. Diese Umbrüche ebneten den Weg für die Stilvielfalt, die in der modernen Kunst noch immer deutlich zu erkennen ist.

Der Biedermeier ist eine Stilepoche, die zwischen 1815 und 1848 in Deutschland, Österreich und der Schweiz stattfand. Der Name leitet sich vom Dichter Gottlieb Biedermaier ab, der als Inbegriff des spießigen Bürgertums galt. Die Kunst dieser Zeit zeichnet sich durch ihre Zurückhaltung aus: Es wurden vor allem Landschaften, Stillleben und Porträts gemalt – oft mit einer gewissen Nostalgie für vergangene Zeiten.

Diese Stilepoche hatte auch großen Einfluss auf Möbel- und Innendesign; Es wurden Polstermöbel mit floralen Mustern oder bestickten und schweren Schrankwänden aus dunklem Holz hergestellt. Ein weiteres Kennzeichen war die Verwendung von Ornamenten auf Porzellanfiguren oder Reliquien.

Generell gilt Biedermeier als Ausdruck eines bürgerlichen Selbstverständnisses im Zuge der Industrialisierung; Menschen sehnten sich nach Sicherheit im eigenen Haus gegen gesellschaftliche Veränderungen.

Geprägt von einer neuen gesellschaftlichen Perspektive löste die Gründerzeit das Biedermeier ab. Der durch die Industrialisierung bedingte wirtschaftliche Aufschwung drückte sich auch in der Kunst aus: Es entstanden prachtvolle Bauwerke mit reichen Fassaden und extravaganten Innenräumen.

Charakteristisch für die Gründerzeit waren auch Ziervergoldungen und Verzierungen aller Art. Auch im Möbel- und Architekturdesign kamen immer häufiger neue Materialien wie Glas und Stahl zum Einsatz.

Dieses Zeitalter spiegelt den Trend wider, der auch heute noch besteht: den Wunsch, den eigenen Rang durch äußere Erhabenheit zu zeigen.

Historismus / Salonmalerei (1850-1914)

In der Kunstgeschichte bezeichnet der Begriff Historismus ein weit verbreitetes Phänomen im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert, bei dem Architekten und Künstler bevorzugt auf Stilrichtungen aus vergangenen Jahrhunderten zurückgriffen.

Es gibt verschiedene stilistische Unterarten, wie beispielsweise die Neoromanik, Neogotik, Neorenaissance, der Neobyzantinismus und der Neobarock.

Während sich als Gegenbewegung die Reformarchitektur entwickelte und später in die klassische Moderne mündete, beeinflusste der aufkommende Jugendstil um 1900 deutlich den Historismus.

Obwohl sich die Ideen des Historismus in den folgenden Jahrzehnten fortsetzten, beispielsweise im Neoklassizismus, im sozialistischen Klassizismus oder in der Architektur der nationalen Sicherheit, war die prägendste Periode des Historismus von etwa 1850 bis vor dem Ersten Weltkrieg.

Die Salonmalerei, eine bedeutende Stilrichtung der Malerei im 19. Jahrhundert, hat ihren Ursprung in den jährlichen Ausstellungen im Salon carré des Louvre in Paris, auch bekannt als Salon de Paris. Eingeführt von Louis Philippe, wurden diese Ausstellungen ausschließlich von anerkannten Künstlern der Obrigkeit besucht, welche dem Publikumsgeschmack und insbesondere dem der Pariser Führungsschicht gerecht werden mussten.

Inhaltlich und stilistisch angepasst, wurden vor allem historisierende und literarisch-mythologische Themen gemalt, welche als Vorwand für die Zurschaustellung von viel nackter Haut dienten und den Voyeurismus der Oberschicht bedienten. Vielfigurige dramatische Szenen wurden bevorzugt dargestellt, wobei die Malweise klassizistisch und akademisch war.

Die Kunstwerke der historistischen Skulptur und der Salonmalerei zeichnen sich durch eine akademische und anti-moderne Ausrichtung aus. Künstler wie Hans Makart, Franz Xaver Winterhalter, Léon Gêrome und Lawrence Alma-Tadema setzten ihre technische Finesse ein, um großformatige Gemälde mit historischen Szenen zu schaffen, die auf sorgfältigen historischen Recherchen basierten.

Diese Werke wurden hauptsächlich auf dem Pariser Salon präsentiert und werden daher auch als Salonmalerei bezeichnet.

Realismus (1850-1925)

Der Realismus, welcher auf das lateinische Wort „res“ für Ding zurückzuführen ist, ist ein hochkomplexer Begriff, der eine bestimmte Haltung und Weltanschauung sowie Methode der Kunstproduktion beschreibt.

Gustave Courbet übernahm das Wort 1855, um seine antiakademischen und antiidealistischen Gemälde im Le Réalisme zu zeigen, was die Jury der Weltausstellung ablehnte. Courbet schuf riesige, großformatige Gemälde, die die regionale Landschaft und Bevölkerung getreu und realistisch einfangen.

Viele empfanden diese neue Mode als „hässlich“ und „brutal politisch“ mit sozialistischer Bedeutung. In der französischen Kunsttheorie dient der Realismus dann auch als eine Art „Kampfbegriff“.

Einige Künstler gaben die akademische Historienmalerei (Salonmalerei) entschieden auf und widmeten sich zwischen 1830 und 1880 ganz der sichtbaren Welt. Courbet errichtete mit Werken wie „Die Steinklopfer“ und „Das Begräbnis von Ornans“ (1850) große Denkmäler für das Proletariat und die moderne Zivilisation.

Impressionismus (1850-1900)

Der Impressionismus, welcher sich aus dem französischen Begriff „impression“ ableitet, beschreibt eine Stilrichtung der Malerei. Diese ist gekennzeichnet durch eine helle Farbpalette, einen lockeren, skizzenhaften Farbauftrag mit sichtbaren Pinselstrichen, das Malen vor dem Motiv und meist Pleinairmalerei.

Die Impressionistinnen und Impressionisten fokussieren vor allem auf die sinnliche Wahrnehmung und halten rasch, intuitiv und (scheinbar) improvisiert einen flüchtigen Augenblick fest. Die Beobachtung von Lichteffekten und der sich verändernden Farbstimmungen über das ganze Jahr nimmt einen höheren Stellenwert ein als die Bedeutung des Dargestellten.

Aus diesem Grund arbeiten die Impressionistinnen und Impressionisten bevorzugt im Freien und in Serien. Besonders gut lässt sich diese Definition auf die Landschaftsmalerei des Impressionismus anwenden, während die Figurenmaler unter der Führung von Edgar Degas sich stärker in der Tradition der Akademie sahen und die Bezeichnung Impressionismus für ihre Werke ablehnten.

Der führende Maler des Impressionismus ist Claude Monet, der gemeinsam mit Kollegen in den 1860er Jahren den Realismus weitertrieb, um dem neuen Lebensgefühl von Modernität und Schnelligkeit Rechnung tragen zu können.

Weitere wichtige impressionistische Maler sind Pierre-August Renoir (1841-1919), Gustave Caillebotte (1848-1894), Berthe Morisot (1841-1895), Camille Pissaro (1830-1903), Frédéric Bazille (1841-1870) und Édouard Manet (1832-1833).

In der Bildhauerei wird der Impressionismus von Auguste Rodin geprägt und in der Fotografie ist er besser unter dem Begriff Piktorialismus bekannt. Die Piktorialisten nutzten erstmals und experimentell Farbfotografie und schätzten unscharfe Aufnahmen. Zu den wichtigsten Fotografen des Impressionismus um 1900 zählt der in Wien ansässige Heinrich Kühn (1866 – 1944).

In Frankreich endete der Impressionismus in etwa mit der Pariser Weltausstellung im Jahr 1900.

Naturalismus (1858 – 1900)

Die Kunstrichtung des Naturalismus ist von einer gewissen Komplexität geprägt, sodass es nicht immer leicht ist, eine präzise Definition davon zu finden. Was genau ist also gemeint, wenn von naturalistischer Kunst die Rede ist?

Eine Möglichkeit, um sich dem Naturalismus anzunähern, besteht darin, ihn mit dem Idealismus zu vergleichen. Letzterer wird insbesondere in der Figurenmalerei angewendet und strebt danach, ein perfektes Abbild der Realität zu erschaffen.

Im Gegensatz zum Idealismus findet sich der Naturalismus auf der anderen Seite des Spektrums. Statt eine perfekte Welt zu erschaffen, bevorzugen naturalistische Künstlerinnen und Künstler eine naturgetreue Darstellung aller Unvollkommenheiten dieser Welt.

Der wesentliche Unterschied zwischen Naturalismus und Realismus liegt in der Ausrichtung ihrer Gemälde. Während sich der Naturalismus auf die Malmethode konzentriert, inklusive der Erfindung der Pleinairmalerei, legt der Realismus den Fokus auf das Thema. Realistische Malerinnen und Maler porträtieren typischerweise alltägliche Menschen in ihren gewöhnlichen Situationen und nicht ideale Helden.

Ein weiterer Unterschied, der die Kunst des Realismus auszeichnet, ist das ausgeprägte soziale Bewusstsein, das in den Gemälden zum Ausdruck kommt. Die realistischen Künstlerinnen und Künstler engagierten sich oft für politische und soziale Themen und nahmen diese in ihren Werken auf.

Der sozialistische Realismus und das American Scene Painting sind Beispiele für soziale Bewegungen, die durch die Entwicklungen innerhalb der realistischen Kunstbewegung angeregt wurden. Die naturalistischen Malerinnen und Maler hingegen konzentrierten sich hauptsächlich darauf, einen möglichst unverfälschten und natürlichen Malstil zu entwickeln.

Im Naturalismus der Kunst spielte ein weiteres Hauptelement eine bedeutende Rolle: die Einbindung regionalistischer und nationalistischer Gefühle. Naturalistische Maler knüpften ihre Ästhetik an bestimmte Orte, die ihnen vertraut waren und einen sentimentalen Wert hatten. Kunsthistoriker sehen in dieser Tendenz, Szenen zu malen, die vielen Menschen vertraut waren, einen wesentlichen Bestandteil der Demokratisierung der Kunst.

Die Themen der naturalistischen Gemälde waren einem breiteren Publikum vertraut und hatten einen tiefen emotionalen Bezug.

Es wäre jedoch falsch, zu glauben, dass die Themen der naturalistischen Kunst ausschließlich aus Landschaften und Naturszenen bestanden. Die naturalistische Kunstdefinition ist keineswegs auf Landschaftsmalerei beschränkt. Obwohl Landschaftsbilder unter den Naturalisten am häufigsten gemalt wurden, waren auch Porträts und andere Genrebilder ein häufiges Thema.

Das Manifest „La philosophie du salon de 1857“ von Antoine Castagnary im Jahre 1858 war die erste theoretische Schrift, die sich mit der neuen Strömung auseinandersetzte. Der französische Maler Gustave Courbet (1819-1877) spielte ebenfalls eine wichtige Rolle in der kunsttheoretischen Debatte um die naturalistische Kunst und war selbst einer ihrer bedeutendsten Vertreter.

Zu den herausragendsten Künstlern, die dem Naturalismus in Deutschland angehörten, zählen Max Liebermann (1847-1935), Paul Weber (1823-1916) und Käthe Kollwitz (1867-1945).

Post-Impressionismus (1880 – 1920)

In der westlichen Malerei, eine Bewegung in Frankreich, die sowohl eine Erweiterung des Impressionismus als auch eine Ablehnung der inhärenten Beschränkungen dieses Stils darstellte.

Der Begriff Postimpressionismus wurde vom englischen Kunstkritiker Roger Fry für die Werke von Malern des späten 19. Jahrhunderts wie Paul Cézanne, Georges Seurat, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec und anderen geprägt. Zuweilen wird aber auch heute noch von Spätimpressionismus oder Nachimpressionismus gesprochen.

Die Stilrichtungen Synthetismus, Cloisonismus sowie Pointillismus gehören ebenfalls zum Post-Impressionismus.

Alle diese Maler außer van Gogh waren Franzosen, und die meisten von ihnen begannen als Impressionisten; Jeder von ihnen gab diesen Stil jedoch auf, um seine eigene, höchst persönliche Kunst zu entwickeln.

Der Impressionismus basierte im strengsten Sinne auf der objektiven Darstellung der Natur anhand der flüchtigen Wirkung von Farbe und Licht.

Die Postimpressionisten lehnten dieses begrenzte Ziel zugunsten eines ehrgeizigeren Ausdrucks ab, gaben jedoch zu, dass sie den reinen, brillanten Farben des Impressionismus, seiner Freiheit von traditionellen Themen und seiner Technik, Form mit kurzen Pinselstrichen gebrochener Farbe zu definieren, verpflichtet waren.

Die Postimpressionisten stellten oft gemeinsam aus, aber im Gegensatz zu den Impressionisten, die als eng verbundene, gesellige Gruppe begannen, malten sie hauptsächlich alleine. Cézanne malte isoliert in Aix-en-Provence in Südfrankreich; Seiner Einsamkeit glich die von Paul Gauguin, der sich 1891 auf Tahiti niederließ, und von van Gogh, der auf dem Land in Arles malte.

Sowohl Gauguin als auch van Gogh lehnten die gleichgültige Objektivität des Impressionismus zugunsten eines persönlicheren, spirituelleren Ausdrucks ab.

Das Werk dieser Maler bildete die Grundlage für mehrere zeitgenössische Strömungen und für den Modernismus des frühen 20. Jahrhunderts.

Symbolismus (1890 – 1920)

Zwischen 1880 und 1910 wurden die bedeutendsten Kunstwerke des Symbolismus geschaffen. Diese Stilrichtung, die wir eher als eine Bewegung denn als eine Epoche betrachten möchten, hat ihren Ursprung ebenfalls in Frankreich.

Im Gegensatz zur sachlichen Wahrnehmung spielt die Darstellung von Gedanken und Gefühlen eine wesentliche Rolle, jedoch unterscheidet er sich von Expressionismus und Impressionismus, bei denen der Symbolismus als Bindeglied fungiert. Gleichzeitig wandte er sich gegen die Ideen des Positivismus, Materialismus sowie Historismus.

Zudem war sie gegen die naturalistische Maltradition der Akademien gerichtet.

Schließlich beeinflusste er mit seinen klaren Formen den Jugendstil. Krankheit, Sünde, Tod und Leidenschaft zählen zu den bevorzugten Themen des Symbolismus, oft mit einer gewissen Dekadenz dargestellt. Besonders faszinierend war für viele Künstler die Verbindung von Erotik und Tod, die oft durch zarte, blasshäutige Frauen mit sensibler oder melancholischer Ausstrahlung symbolisiert wurde.

Im Jahr 1886 hat der französische Schriftsteller Jean Moréas das „Symbolistische Manifest“ verfasst, das als wichtiger Grundstein für die anti-rationalistische und anti-materialistische Stilrichtung gilt. Die Symbolisten haben sich darauf konzentriert, die Wirklichkeit nicht direkt darzustellen, sondern durch sinnbildliche Ästhetik in Form von Symbolen und Metaphern zum Ausdruck zu bringen.

Dazu haben sie verschiedene Bildinhalte miteinander kombiniert, um eine Synthese zu schaffen. Die Künstler haben ihre Motive nicht direkt aus der Natur auf den Bildträger übertragen, sondern aus ihren Gedächtniseindrücken gespeist.

Die Vorstellungskraft wurde dabei zur wichtigsten Quelle der Kreativität erhoben. Mit dieser Herangehensweise haben die Symbolisten oft traumähnliche Szenen dargestellt, was sie als Vorläufer des Surrealismus auszeichnet.

Paul Gauguin und Emile Bernard, französische Maler des späten 19. Jahrhunderts, gelten als Pioniere des Symbolismus in der bildenden Kunst. Inspiriert durch die symbolistische Poesie von Stéphane Mallarmé und Arthur Rimbaud, fanden sie in diesem Stil eine Möglichkeit, poetische, romantische und religiöse Inhalte in dunklen, düsteren Farbwelten mit kräftigen, reinen Tönen auszudrücken.

Weitere bedeutende Repräsentanten des Symbolismus in der Kunstszene waren Gustave Moreau, Odilon Redon, Paul Séruzier sowie Pierre Puvis de Chavannes in Frankreich, Arnold Böcklin und Ferdinand Hodler in der Schweiz, Fernand Khnopff in Belgien, Gustav Klimt in Österreich, Edvard Munch in Norwegen und Max Klinger in Deutschland.

Klassische Moderne

Epochen der Klassischen Moderne auf einen Blick

Die Ära der klassischen Moderne in der Kunstgeschichte markiert eine Phase, die sich nach der Neuzeit, etwa um das Jahr 1900, manifestierte. In dieser Zeit erlebte die Kunst eine kreative Explosion mit Strömungen wie dem Expressionismus, Futurismus und Kubismus, die die traditionellen Konventionen herausforderten und neue Wege der künstlerischen Darstellung bahnten.

Dieser aufregende Zeitraum erstreckte sich bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs im Jahr 1945 und prägte noch bis in die 1980er Jahre hinein die Kunstlandschaft. Die Vielfalt an künstlerischen Ausdrucksformen und revolutionären Ideen, die in dieser Ära entstanden sind, haben bis heute einen bedeutenden Einfluss auf die Kunstwelt.

Expressionismus (1890 – 1914) und Fauvismus (1898 – 1907): Kunst mit politischer Dimension

In der Epoche des Expressionismus erleben wir eine Wiederkehr der Bedeutung des Ausdrucks subjektiver Gefühle. Der Expressionismus, mit Ursprung in Deutschland, reflektierte die Kritik vieler Künstler an der Macht.

Die Künstler dieser Bewegung interessierten sich weder für Naturalismus noch für äußere Erscheinungen. Daher war in einigen expressionistischen Gemälden, die oft archaisch und ausdrucksstark sind, eine Spur von Aggression zu erkennen.

Das entscheidende historische Ereignis, das den Übergang von der Impressionismus zur expressiven Kunst auslöste, war der Erste Weltkrieg. Während die Impressionisten die Errungenschaften der Industriellen Revolution feierten und Paris auf ihren Leinwänden verherrlichten, zweifelte die jüngere Generation stark an dem rasanten technischen Fortschritt.

Die Expressionisten spürten die zunehmende ‚Beschleunigung‘ der Welt und die Problematik des Individuums intensiv. Die umfassenden technischen Neuerungen ließen Zweifel an der Wahrnehmungsfähigkeit des menschlichen Auges aufkommen, sodass die Maler ab 1900 Schwierigkeiten hatten, diese ’neue Welt‘ auf Leinwand festzuhalten.

Das führte zu einem deutlichen Wechsel von impressionistischen Techniken zu einer Betonung der Gefühle des Künstlers anstelle der realistischen Darstellung des Motivs. Eine neue Gruppe von Künstlern wollte nicht nur den Moment festhalten wie die Impressionisten, sondern ihre eigenen Gefühle und Sinneswahrnehmungen direkt auf das Bild übertragen.

Das expressionistische Kunstwerk war gegen das Bürgertum und die akademische Kunst. Es wollte die Botschaft der Volkskunst vermitteln, die als weniger gebildet angesehen wurde. Durch neue Gestaltungstechniken änderten sich die Gestaltungsmöglichkeiten. Ansichten wurden unscharf, Tiefe entstand nur durch Farbe und Form.

Wassily Kandinsky war ein wichtiger Künstler des Expressionismus. Er hat in seinen abstrakten Gemälden Farben, Formen und reine Abstraktion erforscht, indem er expressionistische Techniken verwendet hat.

Weitere berühmte Vertreter des Expressionismus waren Franz Marc, Edvard Munch und August Macke. Zu Beginn des Ersten Weltkriegs zeigten expressionistische Gemälde eine beunruhigende Intensität.

Der Expressionismus war eine Bewegung, die direkte politische Botschaften durch Malerei und eine gewisse Gewalt im Pinselstrich erkennen ließ. Während der Zeit des Ersten Weltkriegs entstanden Kunstwerke von oft schockierender Intensität mit einer deutlichen Kritik an Herrschaft und Gesellschaft, die die Malerei auf politische Weise prägt.

Was übrigens in Deutschland im Kunststil als „expressionistisch“ bezeichnet, war in Frankreich als Fauvismus bekannt. Henri Matisse und André Derain, die führenden Künstler der ‚Fauves‘ (die ‚Wilden‘), werden oft als die „französischen Expressionisten“ betrachtet. Obwohl beide Stilrichtungen um 1905 im Gegensatz zur impressionistischen Malerei entstanden sind, ist der Expressionismus eher gesellschaftskritisch und international ausgerichtet.

Während der Fauvismus hauptsächlich in Frankreich verblieb und eine sehr kurze Blütezeit hatte, entwickelte sich der Expressionismus auch in Deutschland weiter, insbesondere durch Gruppen wie „Die Brücke“ in Berlin und „Der Blaue Reiter“ in München. Die Wurzeln beider Stilrichtungen liegen jedoch in den postimpressionistischen Strömungen Frankreichs, die von Künstlern wie Van Gogh, Gauguin und Toulouse-Lautrec beeinflusst wurden und zu unterschiedlichen künstlerischen Ausdrucksformen führten.

Jugendstil / Art Nouveau (1890 – 1910)

«Der Kuss» von Gustav Klimt zählt zwar nicht zu den bedeutendsten Werken dieser Stilepoche, ist aber zweifellos eines der weltweit berühmtesten Gemälde.

Der Jugendstil, außerhalt Deutschlands auch als Art Nouveau bekannt, zeichnet sich durch großflächige Blumenelemente und sanft geschwungene Linien aus.

Symmetrie spielte eine immer geringere Rolle, während Schwung und Verspieltheit sowie ein gewisser jugendlicher Charme Einzug halten – nicht nur in die Malerei.

Der Jugendstil zeichnet sich durch die Verwendung einer langen, geschwungenen, organischen Linie aus und wurde am häufigsten in der Architektur, Innenarchitektur, Schmuck- und Glasdesign, Plakaten und Illustrationen eingesetzt.

Es war ein bewusster Versuch, einen neuen Stil zu schaffen, frei von dem nachahmenden Historismus, der einen Großteil der Kunst und des Designs des 19. Jahrhunderts dominierte.

Ungefähr zu dieser Zeit wurde der Begriff Art Nouveau geprägt, in Belgien von der Zeitschrift L’Art Moderne, um die Arbeit der Künstlergruppe Les Vingt zu beschreiben, und in Paris von S. Bing, der seine Galerie L’Art Nouveau nannte. Der Stil wurde in Deutschland Jugendstil, in Österreich Sezessionsstil, in Italien Stile Floreale (oder Stile Liberty) und in Spanien Modernismo (oder Modernista) genannt.

Der Jugendstil auf dem europäischen Kontinent wurde maßgeblich von den Malern Paul Gauguin und Henri de Toulouse-Lautrec beeinflusst, die experimentelle und ausdrucksstarke Linien in ihre Werke einbrachten. Zusätzlich fand die Bewegung Inspiration in den linearen Mustern der japanischen Drucke (Ukiyo-e), die auch in der Mode beliebt waren.

Ein charakteristisches Merkmal dieser verspielten Kunstepoche ist seine wellenförmige, asymmetrische Linie. Diese nimmt oft Formen wie Blütenstiele, -knospen, Weinranken oder zarten Naturobjekten an. Manchmal kann diese Linie elegant und anmutig sein, während sie zu anderen Zeiten eine kraftvolle rhythmische Kraft besitzt und peitschenartig wirkt.

Es gab zahlreiche Künstler und Designer, die im Jugendstil tätig waren. Zu den bekanntesten gehörte der schottische Architekt und Designer Charles Rennie Mackintosh, der sich hauptsächlich auf geometrische Linien spezialisierte und vor allem den österreichischen Sezessionsstil beeinflusste.

Die belgischen Architekten Henry van de Velde und Victor Horta prägten mit ihren geschwungenen und filigranen Strukturen wiederum maßgeblich den französischen Architekten Hector Guimard. Louis Comfort Tiffany war ein amerikanischer Glasmacher, während Louis Majorelle als Möbel- und Eisenwarendesigner in Frankreich aktiv war.

Alphonse Mucha trug als tschechoslowakischer Grafikdesigner und Künstler zur Bewegung bei, ebenso wie René Lalique aus Frankreich als Glas-und Schmuckdesigner. Der amerikanische Architekt Louis Henry Sullivan verzierte seine traditionell strukturierten Gebäude mit pflanzlichen Jugendstil-Eisenarbeiten.

Antonio Gaudí aus Spanien gilt vielleicht als der originellste Künstler dieser Bewegung: Er ging über die Abhängigkeit von geraden Linien hinaus und verwandelte Gebäude stattdessen in geschwungene, bauchige Konstruktionen voll leuchtender Farben – organisch anmutend.

Nach 1910 erschien der Jugendstil altmodisch und begrenzt und wurde als eigenständiger dekorativer Stil allgemein aufgegeben.

Kubismus (1906 – 1914)

Um die Jahrhundertwende beeinflussten der Post-Impressionismus und der Fauvismus die europäische Kunstszene, wobei Georges Braque mit seinen Landschaftsbildern maßgeblich zum Fauvismus beitrug. Nachdem er 1907 Pablo Picasso kennengelernt hatte, begannen beide Künstler eine Zusammenarbeit, die zur Entwicklung des Kubismus führte.

Der Kubismus stand für einen radikal neuen künstlerischen Ansatz der Realitätsdarstellung. Als eine der bedeutendsten Kunstrichtungen des 20. Jahrhunderts brach er mit traditionellen gegenständlichen Darstellungsweisen, indem er abstrakte Fragmentierung und raffinierte zweidimensionale Kompositionen einführte.

Unter dem Einfluss der afrikanischen Kunst schufen die beiden Kubisten gemeinsam neue Maltechniken und revolutionierten die moderne Kunstszene.

Der Kubismus kann in unterschiedliche Phasen eingeteilt werden.

Der Proto-Kubismus, eine Übergangsphase zwischen 1907 und 1911, wurde maßgeblich geprägt durch die Kunst von Picasso und Braque. Ihre Werke Les Demoiselles d’Avignon und Viadukt in L’Estaque zeigen den Übergang zum Kubismus. In ihnen werden maskenhafte Gesichter, Fragmentierung des Themas und geometrische Formen sichtbar. Diese Phase markiert den Eintritt in den reifen Kubismus.

Der Analytische Kubismus, von 1908 bis 1912, zeichnet sich durch fragmentierte Motive in neutralen Farbtönen und gebrochene Formen aus. Picasso übertrug diese Prinzipien auch auf seine Bildhauerei. Juan Gris gesellte sich zu Picasso und Braque, wurde vor allem bekannt durch seinen Beitrag zum synthetischen Kubismus.

Der Synthetische Kubismus, die finale Phase des Kunststils von 1912 bis 1914, zeigte eine Vereinfachung und Erweiterung der Farbpalette in Werken von Picasso, Braque, Gris und anderen Künstlern. Ein besonderes Interesse lag auf Stillleben, die gemalt oder collagiert wurden.

Futurismus (1909 – 1945) – Avantgarde statt christlicher Moral

Parallel zum Kubismus in Frankreich entstand in Italien der Futurismus.

Der Italiener Filippo Tommaso Marinetti verfasste 1909 ein Manifest des Futurismus, in dem er sich von der christlichen Moral distanzierte und sämtliche sozialen Bezüge ablehnte. Obwohl Marinetti selbst kein Maler war, wird die Malerei dennoch zur bedeutendsten Kunstform des Futurismus. Die Futuristen rebellierten gegen klassische Vorbilder und zeigten eine ausgeprägte Ablehnung des Körpers. Die Darstellung des Aktes lehnten sie als düster und abstoßend ab. Alles Althergebrachte wurde misstrauisch betrachtet.

Der Futurismus wurde zu einer bedeutende italienische Avantgarde-Kunstbewegung, die sich auf neue Technologien und die moderne Stadtleben konzentrierte. Die Anhänger des Futurismus wollten die Schönheit der Maschine, der Geschwindigkeit und des Wandels darstellen, während sie traditionelle Medien wie Malerei und Skulptur mit Einflüssen aus dem Post-Impressionismus kombinierten.

Die italienischen Futuristen der frühen 1900er Jahre waren insbesondere von innovativer Technologie wie der Chronofotografie beeindruckt, die es ermöglichte, Bewegung in Bildern festzuhalten. Sie revolutionierten die Kunst, indem sie Bewegung in Malerei und Skulpturen einbrachten.

Sie nutzten populäre Medien und Technologien, um ihre Ideen zu verbreiten und feierten sogar den Beginn des Ersten Weltkriegs als Ausdruck ihrer Begeisterung für die Moderne. Obwohl einige Mitglieder später den Faschismus unterstützten, wurde die Gruppe bis in die 1920er Jahre als wichtige Avantgarde wahrgenommen.

Angeführt vom Schriftsteller Filippo Tommaso Marinetti verbreitete die Bewegung ihre Ideen durch Manifeste in modernen Medien und feierte das Maschinenzeitalter als Sieg über die Natur. Künstler wie Umberto Boccioni und Giacomo Balla setzten sich für eine zeitgemäße Kunst ein, die Raum und Bewegung einfangen sollte. Der Futurismus breitete sich schnell in ganz Italien aus und erhielt auch internationale Aufmerksamkeit durch Marinettis Unterstützung im Ausland.

Der „zweite“ Futurismus (1924–1945) wurde von verschiedenen Künstlern und Architekten geprägt, darunter Enrico Prampolini, Giacomo Balla und Fortunato Depero. Mit der Aeropittura, auch „Arte Sacra Futurista“ genannt, griffen sie futuristische Themen wie Dynamik und Geschwindigkeit auf.

Obwohl Mussolini den Klassizismus bevorzugte, gelang es den Architekten dennoch, moderne Gebäude zu errichten, die die neuen Baumaterialien nutzten. Die Künstler wurden durch die Zeitung „Noi“, ab 1924 veröffentlicht, bekannt gemacht.

Dadaismus (1912 – 1920) – Vom (Un-)Sinn der Dinge

Der Dadaismus nahm während des Ersten Weltkriegs in der Schweiz seine Anfänge. Als neutrales Land wurde Zürich zum Zufluchtsort für Künstler und Intellektuelle, die dem Krieg ablehnend gegenüberstanden. Der Dadaismus entstand als Gegenreaktion auf den Nationalismus, den viele als Ursache für den Krieg sahen.

Die Dadaisten hinterfragten die Absurdität bestehender Regeln, Normen, Traditionen und Werte und stellten sie damit auf den Kopf. Diese Kunstbewegung vereinte verschiedene Ausdrucksformen wie Literatur, Poesie, Tanz, Fotografie, Malerei, Skulptur, Collage und Performancekunst. Ein zentraler Aspekt war die Dekonstruktion dessen, was als „Kunst“ betrachtet wurde. Künstler wie Henri-Robert-Marcel Duchamp setzten nicht nur auf Dadaismus und Surrealismus, sondern prägten auch die Grundlagen der Konzeptkunst, die den Weg für spätere moderne Kunstströmungen ebneten.

Die Bewegung verbreitete sich rasch über ganz Europa und die Vereinigten Staaten, wobei in jeder Stadt eigene Gruppen entstanden. Der Dadaismus beeinflusste diverse avantgardistische Bewegungen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, darunter Futurismus, Expressionismus, Kubismus und Konstruktivismus. Später inspirierte er kulturelle Strömungen wie Surrealismus, Abstrakten Expressionismus und sogar den Punkrock.

Ein gemeinsamer Nenner dieser Strömungen sowie des Dadaismus ist die kritische Auseinandersetzung mit Kultur. Künstler des Dadaismus waren gleichermaßen unkonventionell in ihrem Schaffen und in der Verwendung von Materialien. Mit ihren Schöpfungen verspotteten Dada-Künstler nationalistische und materialistische Einstellungen.

Die Erklärung und charakteristische Definition des Dadaismus gestaltet sich herausfordernd, da er gewissermaßen keine logische Struktur oder allgemeingültige Merkmale aufweist.

Was genau ist Dadaismus? Vier Schlüsselideen können dabei helfen, das Denken des Dadaismus zu erfassen. Diese Ideen beinhalten die Verwendung von Readymades, die Faszination für den Zufall, die Infragestellung bürgerlicher Empfindungen und den Widerstand gegen nahezu alles.

Dada-Künstler schufen Readymades, alltägliche Gegenstände, die sie nur minimal veränderten und als Kunstwerke präsentierten. Die Readymades verdeutlichen eine der Hauptideen des Dadaismus und betonen die Absicht des Künstlers als Kunstwerk selbst und nicht als das Objekt, das er erschafft. Dadaistische Werke werfen Fragen zur eigentlichen Definition von Kunst, zur künstlerischen Kreativität und zum Zweck der Kunst in der Gesellschaft auf.

Ein essentieller Gedanke im Dadaismus ist die bewusste Nutzung des Zufalls. Viele Dada-Künstler, unter anderem Hans Arp, ließen sich bei der Erschaffung ihrer Kunstwerke vom Zufall leiten. Die Konzeption ohne festen Plan oder klare Absicht stellte sich gegen die konventionelle Kunsterzeugung. Dieser künstlerische Prozess bot den Dada-Künstlern eine zusätzliche Möglichkeit, den bestehenden Status quo zu hinterfragen und die Rolle des Künstlers in der Kreativität zu problematisieren.

Weitere berühmte Vertreter des Dadaismus waren Marcel Duchamp, Man Ray und Max Ernst.

Konstruktivismus (1913 – 1930) – Fusion von Kubismus und Futurismus

Im Jahr 1913 markierte das Auftauchen der abstrakten Werke von Wladimir Tatlin den Beginn der russischen Konstruktivismus-Bewegung, die maßgeblich die Entwicklung der modernen abstrakten Kunst beeinflusste.

Diese Kunstepoche wird auch als eine historische Strömung betrachtet, die sich intensiv mit der harmonischen Anordnung geometrischer Formen auseinandersetzte. Künstler, die sich mit dem Konstruktivismus beschäftigten, wiesen lebendige Farben zurück und erweiterten die Stilrichtungen früherer Bewegungen wie des Suprematismus.

Die konzeptionellen Theorien dieser Zeit wurden von Jean Piaget geprägt, dessen Forschungen in der pädagogischen Psychologie und der kognitiven Entwicklung sich mit der Art und Weise beschäftigten, wie Menschen Bedeutung konstruieren, sowie den Beziehungen zwischen menschlichen Erfahrungen und ihren Vorstellungen nachgingen.

Diese Theorie beinhaltete zudem die Auffassung, dass der Mensch sein eigenes Wissen generiert. Wagemutige Typografie und gestaltete Fotomontagen wurden zusammen mit reduzierten Farbpaletten zum Kern des Konstruktivismus. Diese Ära erwies sich als äußerst prägend in den Bereichen Design und Architektur, die sich in den 1920er Jahren von politischen Assoziationen zu einem dynamischen Designstil entwickelten.

Auch der renommierte russische Künstler Kasimir Malewitsch prägte den Begriff „Konstruktivist“ und bezog sich dabei auf die Arbeiten von Alexander Rodtschenko, einem weithin anerkannten russischen Designer.

Die Harlem Renaissance (1920 – 1930) – Die Wiederbelebung der afroamerikanischen Kultur

Die Harlem Renaissance, die in den 1920er Jahren ihren Höhepunkt erreichte, stellt ein herausragendes Kapitel der kulturellen Wiederbelebung für die afroamerikanische Gemeinschaft in den Vereinigten Staaten dar.

Diese Epoche zeichnete sich durch eine bemerkenswerte Wertschätzung und Schaffung intellektueller sowie kultureller Ausdrucksformen aus, die von afroamerikanischen Künstlern in Bereichen wie Musik, Literatur, bildender Kunst, Poesie, Politik, Tanz und Mode entwickelt wurden.

Diese Zeit wird auch als „Neue Negerbewegung“ bezeichnet und umfasste eine Vielzahl einzigartiger zeitgenössischer Kunststile, die darauf abzielten, die Erfahrungen der Schwarzen aus einer nicht-westlichen Perspektive darzustellen. Sie beleuchtet insbesondere das historische Unrecht, das afroamerikanischen Gelehrten und Künstlern widerfahren ist und fördert somit eine tiefere Auseinandersetzung mit dem kulturellen Erbe der afroamerikanischen Bevölkerung.

Ursprünglich im New Yorker Stadtteil Harlem verankert, wurde diese Bewegung von zahlreichen kulturellen Ikonen geprägt, die maßgeblich zur Verstärkung der afroamerikanischen Kultur und zur Wertschätzung schwarzer Künstler zu Beginn des 20. Jahrhunderts beitrugen.

Die Harlem Renaissance forderte ein starkes Engagement für politischen Aktivismus und beeinflusste entscheidend wesentliche Bewegungen wie die Bürgerrechtsbewegung in den 1950er Jahren.

Diese kulturelle Blütezeit lädt jeden dazu ein, die reiche Vielfalt und den Einfluss der afroamerikanischen Kunst neu zu entdecken. 

Die 7 bedeutenden Künstler der Harlem Renaissance, die wir in diesem Video sehen werden, sind: Langston Hughes, Aaron Douglas, Lois Mailou Jones, Augusta Savage, Gwendolyn B. Bennett, Meta Vaux Warrick Fuller und James Van Der Zee.

Neue Sachlichkeit (1918 – 1965) – Kühl und technisch

Die verschiedenen Kunstepochen nach dem Ersten Weltkrieg bis zur Gegenwart repräsentieren einen Höhepunkt der zeitgenössischen Kunst und verdeutlichen die evolutionäre Entwicklung von Kunststilen, die maßgeblich zur Neudefinition von Konzepten hinsichtlich Repräsentation, visueller Ästhetik und der Kultur in der Nachkriegszeit beigetragen haben.

Neue Sachlichkeit beschreibt die Kunstbewegung, die nach dem Ersten Weltkrieg entstand und sich auf die sichtbare Welt zurückbesann. Diese Stilrichtung wuchs in der Weimarer Republik und umfasste namhafte Künstler wie George Grosz und Otto Dix, die sozialkritische Themen bearbeiteten.

Die Bewegung breitete sich über Deutschland hinaus bis nach Österreich, der Schweiz und die Niederlande aus. Inspiriert von der italienischen Pittura metafisica kombinierte sie Desillusionierung mit einem klaren Bildkonzept, das Alltagsobjekte objektiv darstellte.

Die Kunstbewegung war geprägt von einer objektiven Ausdrucksweise und einer eindringlichen Abbildung sozialer sowie ökonomischer Realitäten. Die Objekte wurden mit unmissverständlicher Schärfe dargestellt, wobei manchmal auch karikaturhafte Elemente zum Einsatz kamen. Dieser Stil ermöglichte es den Künstlern, die komplexen Aspekte des zeitgenössischen Lebens auf grundehrliche Weise zu reflektieren und gleichzeitig auf gesellschaftliche Missstände hinzuweisen.

Eine entscheidende Ausstellung 1925 unter Gustav Friedrich Hartlaub führte verschiedene Künstler zusammen und teilte die Neue Sachlichkeit in einen gesellschaftskritischen und einen klassisch-konservativen Flügel, welcher auf die als krisenhaft empfundene Zeit reagierte.

Mit dem Aufstieg der Nationalsozialisten im Jahr 1933 und der darauffolgenden Gleichschaltung der Medien sowie der Etablierung einer sogenannten Deutschen Kunst markierte sich das Ende der Neuen Sachlichkeit. 

In den 1950er und frühen 1960er Jahren begab sich die Bewegung der Neuen Sachlichkeit auf eine tiefgreifende Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen und politischen Themen. Die Unruhen und Kämpfe von zwei verheerenden Weltkriege veranlassten viele Menschen dazu, nach einer stabilen Basis zu suchen, die ihnen Orientierung bot — ein Bedürfnis, das sich in den Kunstwerken dieser Zeit deutlich widerspiegelt.

Die Werke der Neuen Sachlichkeit sind oft durch eine kühle, gefühllose und technische Ästhetik geprägt. Häufig tauchen dabei Motive wie das Radio oder Glühbirnen auf, die den technischen Alltag des Menschen reflektieren.

Wie bei vielen modernen Kunstströmungen existierten auch innerhalb der Neuen Sachlichkeit unterschiedliche Strömungen und Richtungen, die den facettenreichen Charakter dieser Epoche unterstreichen.

Surrealismus (ca. 1920 – 1945): Unterbewusste Realitäten

Nach dem Ersten Weltkrieg brach der Surrealismus wie eine riesige Welle über die Kunstszene herein und pulverisierte alle vorgefassten Ansichten der Pariser über die Beschaffenheit der Realität, der Kunst und der menschlichen Psyche.

Er wurde offiziell von André Breton, einem Dichter aus Paris, ins Leben gerufen. Im Jahr 1924 veröffentlichte Breton das Surrealistische Manifest, welches eine Vielzahl an Ideen umfasste, die den Surrealismus als eine Bewegung prägten und untrennbar mit den psychoanalytischen Theorien des Unbewussten verknüpft war.

Seine Definition des Surrealismus lautete:

Wir sollten nicht aus den Augen verlieren, dass die Idee des Surrealismus ganz einfach auf die totale Wiedergewinnung unserer psychischen Kraft abzielt, und zwar mit einem Mittel, das nichts anderes ist als der schwindelerregende Abstieg in uns selbst, die systematische Ausleuchtung verborgener Orte und die fortschreitende Verdunkelung anderer Orte…“

(Quelle: Malen-Lernen.org)

Sein revolutionärer Versuch, die bestehenden Normen jener Zeit zu durchbrechen, fand in den 1920er und 1930er Jahren in Europa und den USA weite Verbreitung.

Benannt nach Guillaume Apollinaire, einem bedeutenden Dichter und Kunstkritiker, fand die erste surrealistische Ausstellung 1925 in Paris statt und zeigte Arbeiten von Künstlern wie Pablo Picasso und Man Ray. Dieser Kunststil thematisierte oft unangenehme Aspekte des menschlichen Daseins sowie gesellschaftliche Tabus und stellte eine Herausforderung an bürgerliche Überzeugungen dar.

Der Surrealismus entwickelte sich in diesem Zuge zu einer strukturierten Kunstbewegung mit einer tiefgreifenden politischen, philosophischen und sozialen Dimension, die die Methoden festlegte, um die Anhängerschaft sowohl zu schockieren als auch zu faszinieren.

So absurd die reine Unlogik der Dada-Bewegung auch erscheinen mag, betrachteten die Surrealisten das Reich der Träume als die Quelle aller Wahrheiten. Einer der bekanntesten Künstler dieser surrealistischen Richtung ist Salvador Dalí, und sicherlich sind Ihnen seine Werke wie „Schmelzende Uhren“ (1954) bekannt.

Der Surrealismus, stark geprägt von psychoanalytischen Gedanken, ließ viele Künstler ihre Träume als Inspirationsquelle nutzen. Diese Bewegung war ein Aufschrei gegen die Rationalität, die als destruktiv für die Gesellschaft angesehen wurde.

Surrealistische Künstler setzten sich durch verschiedene Techniken mit ihrem Unbewussten auseinander und stellten es ins Zentrum ihrer Werke.

Trotz anfänglicher Ablehnung hat der Surrealismus das Gesicht der modernen Kunst nachhaltig verändert und wirkt bis heute weiter.

Art déco (ca. 1920 – 1935):  Proportioniert, elegant und wagemutig

Obwohl diese Stilepoche in den 1920er, 1930er und 1940er Jahren ihren Höhepunkt der Beliebtheit erlebte, war die Entwicklung des Art déco-Stils bereits über ein Jahrzehnt vor dieser offiziellen Vorstellung im Gange.

So trat sie erstmals kurz vor dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs in Frankreich in Erscheinung. Die breite Öffentlichkeit wurde jedoch erst 1925 auf der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes auf diese Bewegung aufmerksam, die lose an das Konzept einer Weltausstellung angelehnt war.

Als äußerst dekorativer Kunststil zeichneten sich die Künstler der Art-déco-Bewegung frühzeitig durch Experimente in den Bereichen Design, Malerei, Möbel, Architektur und Bauwesen innerhalb ihres stilistischen Spektrums aus.

Art déco präsentiert sich als ein Kunststil, der durch lebendige Farben und gewagte geometrische Formen charakterisiert ist und zu äußerst luxuriösen sowie detailreichen Kunstwerken führt. Neben der Bildenden Kunst umfasst er auch architektonische als auch gestalterische Elemente.

Von Beginn an wurde Art déco stark von den kühnen geometrischen Formen des Kubismus sowie den leuchtenden Farbtönen des Fauvismus geprägt. Der Stil brachte ein starkes Gefühl für Ordnung hervor und stellte proportionierte sowie ausgewogene Designs in üppigen und lebhaften Formen dar.

Das Design im Art-déco-Stil fand seinen Weg in zahlreiche Gestaltungsformen des frühen 20. Jahrhunderts, wobei die Bewegung mit Elementen aus der Schönen Kunst, Architektur, Mode, Möbelgestaltung, Verkehrsmitteln und sogar Alltagsgegenständen experimentierte. Die Goldenden Zwanziger (Roaring Twenties) sind ohne Art déco nicht vorstellbar.

Als Kunstbewegung waren die Merkmale von Art déco eindeutig erkennbar. Déco-Kunst wurde häufig als eine Ansammlung unterschiedlicher Stile beschrieben und als eine eklektische Fusion verschiedener Einflüsse, Materialien und Formen angesehen.

Daher kann es herausfordernd sein, den Art Deco-Stil von anderen ähnlichen Kunstströmungen wie Art Nouveau, Art Moderne, der Bauhaus-Bewegung oder der Arts-and-Craft-Bewegung abzugrenzen.

Nichtsdestotrotz war die Ära des Art déco von enormer Bedeutung, da ihre dekorativen Eigenschaften eine Vielzahl anderer Kunststile inspirierten.

Bauhaus  (1920 – 1925): Integration von industriellem Design und Kunst

Bauhaus-Kunst ist eng mit einer der einflussreichsten Kunstschulen des 20. Jahrhunderts verbunden. Das Bauhaus spielte eine entscheidende Rolle in der Ausbildung vieler bedeutender Künstler und Designer. Trotz seiner Schließung im Jahr 1933 durch das Nazi-Regime hatte die Schule tiefgreifenden Einfluss auf Bildung sowie die Verbindung zwischen Gesellschaft, Kunst und Technologie in den USA und Europa.

Der Bauhaus-Stil, gegründet 1919 von Walter Gropius in Weimar, Deutschland, entstand aus den kreativen Strömungen des 19. und frühen 20. Jahrhunderts, darunter Jugendstil und Arts and Crafts-Bewegung. Diese Bewegungen strebten an, die Grenzen zwischen angewandter und bildender Kunst zu durchbrechen und erfinderische Gestaltung mit praktischen Anwendungen zu verbinden.

In den 1920er Jahren verlagerte sich der Fokus der Bauhaus-Schule auf die Integration von industriellem Design und Kunst, was zu ihren bedeutendsten Errungenschaften führte. Gropius forderte eine Rückkehr zu mittelalterlichen Idealen in Kunst und Handwerk und förderte die Wertschätzung von Handwerkskunst in allen künstlerischen Ausdrucksformen wie Industriedesign, Architektur und Grafikdesign.

Der Aufstieg des russischen Konstruktivismus in den 1910er-Jahren trug zur ästhetischen Weiterentwicklung bei. So wurde das Bauhaus zu einer wegweisenden Institution für zeitgenössische Kunst in Europa und den USA.

Die Ausrichtung der Schule fokussierte sich auf ihren kreativen und effektiven Lehransatz. Gropius verglich dies mit einem Rad, das Ringe aufweist, wobei der äußere Ring den sechsmonatigen Vorbereitungskurs symbolisieren sollte, den Johannes Itten ins Leben rief. Dieser Kurs legte den Schwerpunkt auf die fundamentalen Elemente des Designs, insbesondere auf die vielfältigen Merkmale unterschiedlicher Formen, Farben und Materialien.

Die von Gropius nach Weimar geholten Professoren, darunter die Avantgarde-Künstler Johannes Itten, Lyonel Feininger und Bildhauer Gerhard Marcks, waren maßgeblich für den Lehrplan des Bauhauses verantwortlich. Itten prägte die Schule mit seinen expressionistischen Ansätzen und dem romantischen Mittelalter als Schwerpunkt. Konflikte mit Gropius‘ analytischer Haltung führten zu Ittens Weggang im Jahr 1923.

Sein Nachfolger, László Moholy-Nagy, integrierte Technologie und die soziale Rolle der Kunst in den überarbeiteten Lehrplan. In seiner kurzen Existenz nahm das Bauhaus eine Vielzahl stilistischer Einflüsse auf; neben Moholy-Nagy sind auch Künstler wie Paul Klee und Wassily Kandinsky sowie multidisziplinäre Talente wie Oskar Schlemmer und Georg Muche erwähnenswert.

Moderne, Postmoderne und Zeitgenössische Kunst

Epochen der Zeitgenössischen Kunst auf einen Blick

Die erstaunliche Entwicklung der Kunst über die Jahrhunderte

Die Kunstgeschichte ist ein fesselndes Thema, das viele Jahrhunderte und verschiedene Stile umfasst. Die verschiedenen Zeiträume zeigen, wie sich die Kunst im Laufe der Zeit verändert hat und helfen dabei zu verstehen, in welchem politischen, sozialen und kulturellen Umfeld sie entstanden ist.

Das Lernen über Kunstgeschichte hilft uns, die Schönheit von Kunst zu verstehen und zeigt uns unsere kulturelle Herkunft und Kreativität.

Umfassendes Kunstverständnis – Epochen, Stilrichtungen, Bildsprache und historischen Rahmen richtig verstehen

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