Sex Sells: Die Ikonographie der Sexarbeit in der zeitgenössischen Kunst

Sexarbeit ist ein kontroverses Thema, das oft mit Scham und Stigmatisierung verbunden wird. Doch in der zeitgenössischen Kunstszene hat die Darstellung von Sexarbeiterinnen und -arbeitern eine wichtige Rolle eingenommen.

Künstler*innen nutzen verschiedene Medien wie Malerei, Fotografie oder Performance-Kunst, um auf die sozialen Problemstellungen hinzuweisen.

Ein Beispiel hierfür ist die Arbeit des amerikanischen Künstlers Jeff Koons. In seiner Serie “Made in Heaven” zeigt er sich zusammen mit seiner damaligen Ehefrau Ilona Staller (auch bekannt als Cicciolina), einer ehemaligen Pornodarstellerin aus Italien.

Die Bilder sind explizit sexuell und provokativ – doch sie zeigen auch den Widerspruch zwischen dem Idealbild der Liebe und Sexualität sowie deren kommerzieller Ausbeutung durch die Pornoindustrie.

Aber nicht nur männliche Künstler setzen sich kritisch mit dem Thema auseinander: Auch Frauen wie Tracey Emin oder Nan Goldin haben ihre Erfahrungen als Sexarbeiterinnen thematisiert. Ihre Werke sind persönlicher Natur; sie geben Einblick in das Leben von Menschen am Rande unserer Gesellschaft – Pornodarstellerinnen, Prostituierte, Dominas, Escorts (Erobella) und Co.

Doch warum beschäftigt sich gerade heute noch so viele Kunstschaffende damit? Zum einen kann man argumentieren, dass es immer noch viel zu wenige öffentliche Diskussionen über Prostitution gibt – obwohl diese weltweit praktiziert wird!

Durch kunstvolle Arbeiten können Themen angesprochen werden ohne dabei direkt moralische Urteile fällen zu müssen.

Sex Sells: Die Ikonographie der Sexarbeit in der zeitgenössischen Kunst

Im Jahre 2020 untersuchte der Bowdoin College Absolvent Mackenzie Philbrick im Rahmen einer Ehrenarbeit für die Kunstabteilung der US-amerikanischen Bildungseinrichtung die Darstellungen von Sexarbeit in der zeitgenössischen Kunst seit 1973.

Philbrick, Mackenzie, „Sex Sells: The Iconography of Sex Work in Contemporary Art Since 1973“ (2020). Honors Projects. 202. Diese Open-Access-Arbeit wird Ihnen von der Student Scholarship and Creative Work at Bowdoin Digital Commons kostenlos und offen zugänglich zur Verfügung gestellt. Es wurde von einem autorisierten Administrator von Bowdoin Digital Commons zur Aufnahme in Honors Projects angenommen.

Dieses Ehrungsprojekt untersuchte, wie und zu welchem ​​Zweck die Identität der Sexarbeiterin in der westlichen zeitgenössischen Kunst eingesetzt wurde.

Der 1987 von Scarlot Harlot geprägte Begriff „Sexarbeiterin“ bezieht sich auf eine Person, die Geld oder Güter im Austausch für sexuelle Dienstleistungen erhält, und umfasst auch diejenigen, die sich gegen Geld an der Verfilmung von Pornografie beteiligen.

Der Begriff „Sexarbeit“ wird in diesem Projekt verwendet, wenn es um die Arbeit von Sexarbeiterinnen im zeitgenössischen Kontext geht, während der Begriff „Prostituierte“ verwendet wird, um die Aufmerksamkeit auf die historische Identität und den Mythos der „Prostituierten“ zu lenken.

Die Analyse von Philbrick umfasst mehrere Bereiche 1973 bis 2018 und ist in drei Kapitel unterteilt. Die Werke fallen in die postmoderne Periode, als die poststrukturelle Betonung des Diskurses in den 1970er Jahren an Bedeutung gewann und 1980 ihre volle Kraft entfaltete.

Dieser historische Moment signalisierte eine Abkehr vom Idealismus der Moderne hin zu etwas völlig Neuem, wie es der die Auswirkungen von Kapitalismus, der umfassenden Globalisierung und der weiteren Deregulierung geformt wurde.

Diese Periode wurde dem Autor nach durch einen Verlust des Glaubens an übergeordnete Narrative wie Religion oder Wissenschaft kategorisiert, was auf eine Art Mangel an Tiefe in der Welt zugunsten einer Besessenheit von oberflächlichen Erscheinungen hindeute.

In diesem Zusammenhang argumentierte der französische Philosoph Michel Foucault, dass Diskurs Macht sei, was zu einer anschließenden Schwerpunktverlagerung führte.. Obwohl die postmoderne Theoretisierung verschiedene Auswirkungen auf den Feminismus gehabt habe, war laut seiner Aussage einer der bemerkenswertesten die Art und Weise, wie sie den Dialog für die „Anderen“ des Feminismus öffnete, um die Unterdrückung bestimmter Narrative zu mildern und letztendlich die Vielfalt zu fördern.

Sexualität ist für den Feminismus das, was Arbeit für den Marxismus ist: Das, was einem am meisten gehört und doch am meisten weggenommen wird.“

Zitat von Catherine A. MacKinnon aus “Feminism, Marxism, Method, and the State: An Agenda for Theory”, in Signs 7 no. 3, Spring 1982, sinngemäß übersetzt aus dem Englischen.

Obwohl in der heutigen Zeit die Sichtweise einzelner Künstler auf Sexarbeiterinnen sowie die Verbindungen zwischen feministischer Kunst und performativen Interpretationen der Prostituierten diskutiert wurden, ist Julia Bryan-Wilson die einzige Kunsthistorikerin, die sich im gesamten Werk verschiedener Künstler mit diesem Thema befasst hat.

Ihr Artikel „Dirty Commerce: Art Work and Sex Work Since the 1970s“ untersuchte die verschiedenen Arten, wie Künstler seit den 1970er Jahren mit Sexarbeit umgegangen sind, und betont die wirtschaftlichen Ähnlichkeiten zwischen dem Künstler und der Sexarbeiterin im Spätkapitalismus.

Ihre Argumentation befasst sich nicht mit den Vor- und Nachteilen verschiedener Medien oder der Art und Weise, wie die Postmoderne diese Darstellungen der Sexarbeiterin beeinflusst hat, sondern zieht sinnvolle Parallelen zwischen der Künstlerin und der Sexarbeiterin, indem sie ihre Arbeitsbedingungen im Kapitalismus vergleicht.

Sie postulierte in ihrem Artikel, dass Künstler sich der Figur der Sexarbeiterin zuwandten, weil sie eine Reihe sich entwickelnder Bedingungen wie die Professionalisierung des Kunstmarktes, die zunehmende Instabilität der Klassenformationen und die Zunahme affektiver Arbeit sichtbarer machte.

Basierend auf Bryan-Wilsons Arbeit sowie der Marxschen und Foucaultschen Theorie analysierte die Ehrenarbeit von Mackenzie Philbrick die Position der Sexarbeiterin unter Künstlern im Kapitalismus, so wie diese Identitäten miteinander interagiert und sich überlappt haben, während zeitgenössische Künstler auf die modernistische Abstammung des weiblichen Akts und die Kommerzialisierung des Kunstobjekts reagierten.

Pornografie in der zeitgenössischen Malerei und Fotografie

Da der erfolgreiche Avantgarde-Akt in der westlichen Ästhetik traditionell eine sorgfältige Balance zwischen der Transmutation der sexuellen Triebe des Künstlers und gleichzeitig die Kontrolle des Risikos, zu anschaulich zu sein, erforderte, haben diese Frauen diese unausgesprochene Regel untergraben und stattdessen Akte geschaffen, die offenkundig erotisch sind und pornographisch waren.

Die Kunsthistorikerin Lynda Nead schlägt vor, dass Bedeutung an den Rändern dieser gesellschaftlich konstruierten Kategorien in Frage gestellt und in Frage gestellt werden kann. Eine Reihe von Kunstwerken tut genau das und fällt aufgrund ihres Mediums und ihrer kulturellen Verortung technisch gesehen in die Kategorie der bildenden Kunst beim Aufnehmen oder Abbilden pornografischer Bilder.

Betty Tompkins‘ Fuck Painting #6, 1973

Betty Tompkins‘ Fuck Painting #6, 1973, übernimmt eine grafische Szene aus der Pornografie, indem sie sie vergrößert und beschneidet, um nur die Genitalien einzuschließen, die in sanften, mit Airbrush aufgetragenen monochromen Tönen dargestellt sind.

Marilyn Minter’s Porn Grid #1-4, 1989

In Marilyn Minter’s Porn Grid #1-4, 1989, zeigt sie ein Punktmuster aus pornografischen „Money Shots“, während Männer und Frauen erigierte Penisse bedienen.

Merry Alperns Fotoserie Dirty Windows, 1994

Merry Alperns Fotoserie Dirty Windows aus dem Jahr 1994 hat illegale Aktivitäten im Badezimmer eines privaten Lapdance-Clubs an der Wall Street festgehalten, in dem Männer Frauen mit Geld und Drogen gegen sexuelle Handlungen eintauschen.

Jedes dieser Werke stellt die Sexarbeiterin naturalistisch dar – durch Fotografie oder Fotorealismus – und reagiert so auf die modernistische Besessenheit vom weiblichen Akt, indem sie ihn durch die visuelle Rhetorik der Pornografie, die Realismus statt Abstraktion in den Vordergrund stellt, explizit erotisch macht.

Darstellung des weiblichen Körpers als Aufforderung zum Diskurs

In „The Female Nude: Art, Obscenity and Sexuality“ postuliert die Kunsthistorikerin Lynda Nead, dass der weibliche Akt nicht nur Schönheitsstandards setzt, sondern auch bestimmte Betrachtungsdynamiken verstärkt und normalisiert.

Angesichts seiner Wiederholung als bedeutendes ästhetisches Motiv und seiner Assoziationen mit Wert und Verlangen argumentiert Nead, dass

die Darstellung des weiblichen Körpers daher als Diskurs über das Thema gesehen werden kann und den Kern der Geschichte der westlichen Ästhetik bildet.“

Die Besessenheit der Kunst mit Prozessen der Trennung und Ordnung, die zur Eindämmung und Regulierung des weiblichen Körpers und der Sexualität führten, ist bezeichnend dafür, wie diese in der westlichen Kultur unterdrückt wurden.

In Anlehnung an Foucaults poststrukturelle Haltung stellte Nead ferner fest:

Macht liegt am Rande sozial konstruierter Kategorien“,

was darauf hindeutet, dass Künstler die Bedeutung in Frage stellen können, indem sie sich mit diesen Klassifizierungssystemen auseinandersetzen und sie stören, um zu zeigen, wie instabil die Grenzen dieser Kategorien sind.

Ein großer Teil ihrer Argumentation dreht sich um die westliche feministische Kunstbewegung der zweiten Welle und die verschiedenen Möglichkeiten, wie feministische Kunst traditionelle Betrachtungsdynamiken offenlegen kann. Dadurch sollten bestehende Werte kritisiert und neue Bedeutungen für den weiblichen Körper eröffnet werden.

Ihre Untersuchung zielt darauf ab, die Wechselwirkungen zwischen bildender Kunst und Obszönem zu verstehen, und kommt letztendlich zu dem Schluss, dass es sich dabei um zwei völlig unterschiedliche Sphären handelt: Pornografie und Kunst seien

in einem Kreislauf wechselseitiger Definition gefangen“.

Fotografin räumt mit Stigmatisierung von Sexarbeiterinnen auf

Schwenken wir unseren Fokus von den theoretischen Postulierungen und Thesen Neads hin zu einer international gefeierten und dekorierten Fotografin: Julia Fullerton-Batten hat Sexarbeiterinnen während ihrer Arbeit für ihr neues Buch „The Act“ mit der Linse eingefangen. Mit wunderschönen Aufnahmen räumt sie mit der Stigmatisierung von Sexarbeiterinnen auf.

Kaum eine Branche ist so umstritten wie die Sexindustrie. Und nur wenige Arbeiter werden so beurteilt, stigmatisiert und mit den vorgefassten Meinungen anderer überschüttet wie Sexarbeiter.

Es waren diese Ideen, die die in London lebende Fotografin Julia Fullerton-Batten dazu veranlassten, ihr Objektiv auf Frauen zu richten, die ihren Körper nutzen, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen, um zu verstehen, was eine Person dazu bringen könnte, freiwillig Sexarbeit zu betreiben.

Das daraus entstandene Fotobuch mit dem Titel „The Act“ zeigt Escort Ladies, Pornostars, Lap- und Pole-Dancer, eine Stripperin, ein Webcam-Girl, Sex-„Sklaven“, eine Domina, eine Burlesque-Tänzerin; Luftartisten und ein Ping-Pong-Mädchen. Jede Person wird auf einer Bühne dargestellt, um zu verdeutlichen, dass seine Arbeit ein schauspielerisches Element beinhaltet.

Neugier war der Hauptauslöser, der mich dazu inspirierte, The Act‘ zu drehen“,

erzählt sie in einem Interview gegenüber The Independent.

Ich war neugierig, was Frauen, von denen einige gut ausgebildet waren und über einen Universitätsabschluss verfügten, dazu motivierte, diese Normalität aufzugeben und freiwillig in die Sexindustrie einzusteigen und dabei soziale Stigmatisierung und die Missbilligung ihrer Familien zu riskieren.“

Julia Fullerton-Batten ist eine weltweit anerkannte und mit Auszeichnungen überschüttete Kunstfotografin. Fullerton-Battens Werk umfasst zwölf große Projekte, die ein Jahrzehnt ihrer Karriere auf diesem Gebiet umfassen.

Julias Einsatz ungewöhnlicher Orte, äußerst kreativer Settings und Street-Cast-Models, akzentuiert durch filmische Beleuchtung, sind Markenzeichen ihres Stils. Sie suggeriert visuelle Spannungen in ihren Bildern und verleiht ihnen eine Mystik, die den Betrachter dazu verleitet, das Bild immer wieder neu zu betrachten; Jedes Mal kommt etwas Neues zum Vorschein.

Diese Eigenschaften haben weltweit und an allen Enden des kulturellen Spektrums Enthusiasten für ihre Arbeit etabliert, vom Gelegenheitsbeobachter bis zum Kenner der Kunstfotografie.

Fullerton-Batten hat unzählige Auszeichnungen für ihre kommerziellen und künstlerischen Arbeiten gewonnen und ist eine Hasselblad-Meisterin.

Sie wurde von der National Portrait Gallery in London beauftragt, Porträts führender Persönlichkeiten des britischen National Health Service aufzunehmen. Diese werden dort heute in einer ständigen Sammlung aufbewahrt. Weitere Bilder befinden sich ebenfalls in der ständigen Sammlung des Musei de l’Elysee, Lausanne, Schweiz.

Joachim Rodriguez y Romero

Inhaber und Geschäftsführer von Kunstplaza. Publizist, Redakteur und passionierter Blogger im Bereich Kunst, Design und Kreativität seit 2011. Erfolgreicher Abschluss in Webdesign im Rahmen eines Hochschulstudiums (2008). Weiterentwicklung von Kreativitätstechniken durch Kurse in Freiem Zeichnen, Ausdrucksmalen und Theatre/Acting. Profunde Kenntnisse des Kunstmarktes durch langjährige journalistische Recherchen und zahlreichen Kooperationen mit Akteuren/Institutionen aus Kunst und Kultur.

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