In einer Zeit, in der moderne Kunst dominiert, ist es spannend zu beobachten, wie immer mehr Künstler und Kunstliebhaber das Erbe der Slawischen Malerei wiederentdecken.
In diesem Artikel beleuchten wir diese Wiederentdeckung der bedeutsamen Volkskunst aus dem Eurasischen Erdteil. Nach einem Exkurs zur Volksgruppe der Slawen werfen wir einen kurzen Blick zurück in die Geschichte der Slawischen Volkskunst und wenden uns dann der zeitgenössischen Kunst im slawischen Raum zu.
Die Slawen – Ein Exkurs zur großen Volksgruppe
Was versteht man unter Slawen?
Unter Slawen versteht man eine ethnische Gruppe, die hauptsächlich in Ost- und Mitteleuropa beheimatet ist. Die Slawen stellen eine der größten und ältesten ethnolinguistischen Gruppen Europas dar. Sie teilen eine gemeinsame slawische Sprache und haben eine gemeinsame kulturelle Identität.
Die slawische Ethnie umfasst verschiedene Untergruppen, zu denen beispielsweise die Polen, Tschechen, Slowaken, Sorben, Russen, Ukrainer, Kroaten, Serben und Bulgaren gehören. Insgesamt gibt es über 300 Millionen Slawen weltweit.
Historisch betrachtet waren die Slawen ein bedeutender Teil der europäischen Geschichte. Sie haben über die Jahrhunderte hinweg verschiedene Reiche und Staaten gegründet und beeinflusst. Die slawische Kultur hat auch einen starken Einfluss auf die regionalen Traditionen, Folklore, Kunst und Literatur gehabt.
Die Slawen haben eine reiche kulturelle Vielfalt, die sich in den unterschiedlichen Bräuchen, Festen und kulinarischen Traditionen widerspiegelt.
Trotz regionaler Unterschiede gibt es jedoch auch viele Gemeinsamkeiten, wie zum Beispiel die slawischen Volkstänze und die traditionelle Musik. Heutzutage leben Slawen in verschiedenen Ländern Europas und auch in anderen Teilen der Welt. Sie haben ihre eigenen Sprachen und tragen dazu bei, die Vielfalt und kulturelle Dynamik in den Gesellschaften, in denen sie leben, zu bereichern. Die Slawen sind somit eine wichtige und facettenreiche ethnische Gruppe Europas.
Wer gehört alles zu den Slawen?
Zu den Slawen gehören verschiedene ethnische Gruppen, die hauptsächlich in Osteuropa beheimatet sind. Sie bilden eine der größten Sprachfamilien Europas. Zu den slawischen Völkern zählen die Russen, Polen, Tschechen, Slowaken, Slowenen, Kroaten, Serben, Bosnier, Montenegriner, Bulgaren, Mazedonier, Ukrainer und Weißrussen.
Diese Volksgruppen haben unterschiedliche Kulturen, Dialekte und Traditionen, aber sie teilen auch viele Gemeinsamkeiten. Die slawischen Völker haben eine lange und komplexe Geschichte.
Ihre Wurzeln reichen bis in das 5. Jahrhundert zurück, als die Slawen begannen, sich in verschiedenen Regionen Osteuropas niederzulassen. Im Laufe der Zeit entwickelten sich aus den slawischen Sprachen verschiedene Dialekte und Sprachvarianten, die heutzutage als ostslawisch, westslawisch und südslawisch klassifiziert werden.
Die Slawen haben eine wichtige Rolle in der europäischen Geschichte gespielt und ihre Kultur hat einen starken Einfluss auf die Region ausgeübt. Sie haben bedeutende literarische Werke, Musik, Kunst und traditionelle Feste hervorgebracht.
Darüber hinaus haben die Slawen auch zum kulturellen Reichtum anderer Nationen beigetragen, wie z.B. der russischen Literatur oder den slawischen Einflüssen in der deutschen Küche.
Wer waren die ersten Slawen?
Die ersten Slawen waren eine indogermanische Gruppe, die im 5. und 6. Jahrhundert n. Chr. in Osteuropa erschien. Sie stammten wahrscheinlich aus dem Gebiet zwischen der Ostsee und dem Schwarzen Meer. Die genaue Herkunft der Slawen ist jedoch nicht eindeutig geklärt.
Es wird angenommen, dass die slawischen Stämme sich aus einer vorherigen indoeuropäischen Kultur entwickelten und schließlich ihre eigene slawische Sprache und Kultur entwickelten. Die Slawen wurden erstmals in historischen Aufzeichnungen im 6. Jahrhundert erwähnt, als sie mit dem Byzantinischen Reich und dem Fränkischen Reich in Kontakt standen.
Die ersten slawischen Stämme wurden hauptsächlich als Bauern und Jäger bekannt, die in kleinen Gemeinschaften lebten und Landwirtschaft betrieben. Sie waren auch für ihre handwerklichen Fähigkeiten, insbesondere im Metall- und Töpferhandwerk, bekannt.
Im Laufe der Zeit breiteten sich die Slawen in verschiedene Regionen aus und bildeten verschiedene slawische Stämme und Völker. Sie hatten enge kulturelle, sprachliche und ethnische Verbindungen untereinander und entwickelten sich zu einer bedeutenden ethnischen Gruppe in Europa. Die Ankunft der Slawen hatte auch Auswirkungen auf die politische und soziale Landschaft Europas.
Sie interagierten mit benachbarten Völkern, wie den Germanen, und beeinflussten die Entwicklung von Königreichen, wie das Großmährische Reich und das Fürstentum Polen.
Woher kommt der Begriff Slawe?
Der Begriff „Slawe“ kommt aus dem Altgriechischen und bedeutet „Ruhm“. Er wurde jedoch erst im 6. Jahrhundert n. Chr. als Bezeichnung für die slawischen Völker in Europa verwendet.
Der Begriff „Slawe“ wird auch heute noch verwendet, um die slawischen Völker in Europa zu bezeichnen, die verschiedene Nationen wie die Polen, Tschechen, Russen, Serben, Kroaten, Bulgarier und viele andere umfassen. Der Begriff symbolisiert ihre gemeinsame ethnische und sprachliche Verbindung und ihre kulturellen Traditionen. Ob man Menschen dieser Volksgruppe anhand slawischer Gesichtszüge erkennen, ist umstritten, auch wenn teils charakteristische Merkmale am Aussehen festgemacht werden können.
Einführung in die Slawische Malerei
Ursprünge und frühe stilistische Einflüsse
Die Slawische Malerei hat eine lange und faszinierende Geschichte, die bis ins Mittelalter zurückreicht. In den letzten Jahrhunderten geriet sie jedoch zunehmend in den Hintergrund und geriet fast in Vergessenheit.
Die Slawische Malerei zeichnet sich durch ihre unverwechselbaren Stilelemente aus, die oft von der Natur und Folklore inspiriert sind. Traditionelle slawische Maler verwendeten erdige Farbtöne und eine gekonnte Kombination von Licht und Schatten, um die Schönheit ihrer Motive zu betonen.
Im slawischen Gebiet in Osteuropa und Russland drangen die Einflüsse aus dem antiken Nahen Osten und Griechenland in frühen Zeiten weniger weit vor, sondern wurden über das Byzantinische Reich und die Ostkirche weitergegeben (und umgewandelt). Ein Großteil der Volkskunst in der Region war stark vom byzantinischen Stil beeinflusst. Hier nahm sich die Malerei auch nicht aus.
Christianisierung und Ikonenmalerei
Mit der Christianisierung Russlands im 10. Jahrhundert entstand die Notwendigkeit, religiöse Kunst zu schaffen, die Figuren aus der Bibel darstellt. Russische Künstler malten biblische Szenen auf Holz, wobei sie Eigelb zum Mischen der Farben und Eiweiß als Konservierungsmittel verwendeten.
Die Nowgorod-Schule für Ikonenmalerei brachte die besten Beispiele für Ikonen hervor, da sie der mongolischen Herrschaft entkommen war. Sie gilt als die produktivste und wichtigste Ikonenschule der Welt. Die bekanntesten Maler dieser Schule waren Andrey Rublev, Theophanes der Grieche und Dionysius.
Zwei Jahrhunderte der Mongolenherrschaft führten außerdem weitere aus dem Osten stammende Traditionen ein, die vom sogenannten Tierstil geprägt waren.
Die charakteristischen Elemente der mit Ikonen verbundenen Themen und Stile, wurden schließlich in Russland Mitte des 18. Jahrhunderts verboten und gingen daher zurück.
Petrinische Kunstreformen
Peter der Große hatte großes Interesse an bildender Kunst, insbesondere an Architektur, aber auch an bildender Kunst. Er lockte viele Künstler nach Russland, darunter Francesco Rastrelli. Peter der Große zahlte auch ein Stipendium an russische Künstler und schickte sie zum Studium ins Ausland an die besten Kunstakademien.
Einer von ihnen war Ivan Nikitin, der einer der ersten russischen Maler wurde, der perspektivisch malte, wie es im Westen üblich war. In seinen frühen Werken sind noch Spuren des Parsunas-Stils erkennbar.
Nikitin gilt als Begründer der russischen Kunsttradition. Trotz seines Erfolgs mit der Übernahme einer westlicheren Herangehensweise an die Malerei war Nikitin besorgt über die zunehmende Verwestlichung der russischen Kunst und zögerte, die Tradition der Ikonenmalerei aufzugeben. Andere bemerkenswerte Maler dieser Zeit sind Andrei Matveyev, Alexei Antropov, Vladimir Borovikovsky und Ivan Vishnyakov.
Im Jahr 1757, während der Herrschaft von Elisabeth, der Tochter Peters des Großen, wurde die Russische Kaiserliche Akademie der Künste gegründet, die zunächst Akademie der drei edelsten Künste hieß. Sie wurde von Katharina der Großen in Kaiserliche Akademie umbenannt.
Die westlichen Einflüsse setzten sich fort und die Romantik hinterließ einen bleibenden Eindruck bei den russischen Künstlern des 19. Jahrhunderts. Ivan Aivazovsky, Orest Kiprensky, Vasili Tropinin, Alexei Venetsianov und Carl Bryulov gehörten zu den besten Malern dieser Zeit.
Im Jahr 1863 führte eine Revolte einiger der talentiertesten Studenten der Akademie gegen den ihnen beigebrachten Konservatismus zur Gründung der Society of the Itinerant Art Exhibitions. Mitglieder der Gesellschaft begannen, durch das Land zu reisen, soziale und politische Reformen zu predigen und Ad-hoc-Ausstellungen der Kunstwerke zu veranstalten, die sie während ihrer Reisen geschaffen hatten. Zu den umherziehenden Künstlern gehörten Iwan Kramskoi, Ilja Repin und der „Zar des Waldes“ Iwan Schischkin.
Schließlich zerfiel die Gesellschaft aufgrund interner Meinungsverschiedenheiten und die russische Kunst erlebte eine Zeit des Aufruhrs, die bis zur Revolution andauerte. Die aufkommende abstrakte Kunst sorgte für Aufruhr, es entstanden verschiedene abstrakte und halbabstrakte Strömungen. Dazu gehörten der russische Futurismus, Rayonismus, Konstruktivismus und Suprematismus, letzterer wurde von Kasimir Malewitsch begründet. Marc Chagall, bekannt als einer der größten russisch-jüdischen Künstler aller Zeiten, erforschte verschiedene Stile wie Fauvismus, Surrealismus und Expressionismus.
Allerdings war zu diesem Zeitpunkt auch der Realismus stark ausgeprägt: Walentin Serow, Michail Wrubel, Alexander Golowin und Zinaida Serebriakowa schufen allesamt großartige Werke.
Alexander Jakowlewitsch Golowin – Porträt von Michail Iwanowitsch Terestjenko
Polnische Malerei des 19. und 20. Jh. – Künstlerische Traditionen auf halbem Weg zwischen Europa und Russland
Die polnische Kunst hat zwar ihre eigenen Besonderheiten in Genre und Stil beibehalten, spiegelt jedoch oft die figurativen Tendenzen wider, die in den Bewegungen benachbarter Länder und Kontinente wie Russland und Europa zum Ausdruck kamen.
Dies ist auf die Tatsache zurückzuführen, dass Polen an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert noch nicht als Staat existierte, da es zwischen Österreich, Russland und Preußen aufgeteilt war, von denen es offensichtliche künstlerische Einflüsse bezog.
Dennoch waren die polnischen bildenden Künste und die Literatur schon immer ein wichtiges Mittel, um den Nationalgeist auszudrücken und zu bekräftigen.
Vor allem durch die Avantgarde-Bewegungen des 20. Jahrhunderts konnte die polnische Kunst ihre eigene Identität und Tradition formen, insbesondere ab 1917, als in Krakau die erste Ausstellung polnischer Expressionisten eröffnet wurde.
Gerade dieses blühende künstlerische Umfeld, das sich in der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen etablierte, war von vielen Bewegungen geprägt, wie zum Beispiel: der Gruppe der polnischen Expressionisten, der Bunt-Gruppe; die Kunstformisten; die Futuristen; die Kubisten; die Suprematisten; die Konstruktivisten (Praesans) und die A.R. Gruppe. („Revolutionäre Künstler“).
Zusätzlich zu diesen Strömungen gab es auch prominente Persönlichkeiten, die ihre Spuren in der Geschichte der polnischen Kunst hinterlassen haben, wie Witkacy, der Schöpfer des künstlerischen Ansatzes „Reine Form“, der sich durch die Schaffung von Gemälden auszeichnet, die darauf abzielen, das zu vermitteln Mysterium der Existenz. Letzterer war darüber hinaus auch einer der wenigen Avantgarde-Maler, die im Auftrag unter Drogeneinwirkung Porträts malten, die sich durch deformierte Bilder auszeichneten.
Slawische Volkskunst in der Neuzeit
In der Neuzeit gab es in diesen Ländern meist kommunistische Regierungen, zu deren Politik die Förderung der Volkskunst, die Organisation von Künstlern in Genossenschaften und sogar die Einführung von Kunsthandwerk aus einem Gebiet in ein anderes gehörte.
Obwohl dies einen Anreiz für das Studium der Volkskunst darstellte, verwischte es tendenziell die Unterscheidung zwischen rein volkstümlicher Kunst und dem wiederbelebten oder kommerzialisierten Produkt.
Schon früher war die russische Volkskunst in einer anderswo nicht typischen Weise Fremdeinflüssen ausgesetzt: Im 17. Jahrhundert wurden aus vielen Teilen Russlands Handwerker requiriert, um Produkte für die Volkswirtschaft zu liefern oder an Palästen zu arbeiten, und sie wurden auch um sie herum versammelt Klöster für vorgeschriebene Ausgabe.
Die anderswo wohl bekanntesten russischen Produkte sind Spielzeuge – komplizierte Konstruktionen aus Holz oder farbenfrohe Miniaturen aus Steingut. Es wird angenommen, dass einige der Wjatka-Spielzeuge Überbleibsel von Götzen sind, die für Privathaushalte hergestellt wurden und die unzähligen lokalen Gottheiten aus der Zeit vor dem Christentum darstellen.
Weitere bemerkenswerte Künste sind Keramikfliesen, Holz- und Keramikfiguren sowie Knochenschnitzerei in der sibirischen Tradition.
In Osteuropa, wo die nationalen Grenzen besonders unklar waren und die Bevölkerung aus verschiedenen Minderheiten bestand, können Studien zur Kunst ethnischen Linien folgen. Die Geographie bietet eine Reihe unterschiedlicher Regionen, die so unterschiedlich sind wie Küstendalmatien, Transdanubien und die isolierten Tatra-Berge.
Angesichts der stark bewaldeten Landschaft waren die Holzarbeiten hervorragend. Es erschien in der Kirchenarchitektur, in architektonischen Skulpturen, Gefäßen und Geräten sowie in besonderen Formen wie dem skulpturalen Grabpfosten; Sogar ein Maisbehälter könnte mit Rosetten bedeckt sein.
Die Gegend war reich an Festkünsten und hatte einen starken Bezug zu vorchristlichen Traditionen und magischen Riten. In der ehemaligen Tschechoslowakei (heute Tschechien und Slowakei) gab es besondere Hochzeitsbilder und Kerzenleuchter. Neben vielen antiken Motiven wie Vase und Baum, Sonne und Herz tauchte der Hahn als Schutzsymbol auf, das auf Dachkanten angebracht oder in Käseformen geschnitzt werden konnte. Einige der Kunstwerke sind auffallend primitiv.
Eine der Komplikationen, die sich beim Studium der osteuropäischen Künste ergeben, ist die Tatsache, dass die beteiligten Länder kulturell Grenzländer sind und eine Affinität zum römisch-katholischen Europa im Westen haben (beispielhaft an den Ex-Votos in der brillanten tschechischen Glasmalerei) und mit dem Byzantinisches Reich im Osten. Die als polnisch bezeichneten Künste, darunter einige der schönsten dekorativen Kunstwerke auf Papier, erstreckten sich einst weit nach Osten und sind doch nordeuropäisch.
Das Slawische Epos des tschechischen Malers Alfons Mucha
Das Slawische Epos, im Originaltitel Slovanská Epopej, nimmt als Gemäldezyklus und Hauptwerk des tschechischen Malers Alfons Mucha eine besondere Rolle in der Slawischen Malerei ein und soll daher an dieser Stelle gesondert vorgestellt werden.
Es zeigt die Geschichte der slawischen Völker und besteht aus 20 großformatigen Tempera-auf-Leinwand-Bildern, die in den Jahren 1911 bis 1928 entstanden.
Alfons (auch Alphonse geschrieben) Mucha (1860–1939) verbrachte viele Jahre mit seinem künstlerischen Meisterwerk.
Der Illustrations- und Dekorationskünstler, der für seinen markanten Stil bekannt ist, schuf zahlreiche Gemälde, Postkarten, Designs, Anzeigen und Illustrationen. Alphonse Mucha wurde in der Stadt Ivancice in Mähren geboren, die heute als Gebiet der Tschechischen Republik bekannt ist. Er begann in Mähren hauptsächlich Theaterlandschaften zu malen.
Mucha zog später nach Paris und setzte seine Studien fort, während er Werbedemonstrationen und Entwürfe für Theaterkulissen produzierte, die ursprünglich als Mucha-Stil bezeichnet wurden. Später wurde es als Art Nouveau (Neue Kunst) bekannt.
Seine Arbeiten zeigten elegante junge Frauen in neoklassizistischen Gewändern, umgeben von üppigen Blumen, die hinter den Köpfen der Frauen einen Lichtring bildeten. Im Vergleich zu modernen Plakatmachern verwendete er verblasste Pastellfarben. Die Bilder von Alphonse Mucha kamen rein von innen heraus. Es war seine Art, eine spirituelle Botschaft zu übermitteln.
Das größte von Muchas slawischen Epos-Gemälden mit einer Größe von mehr als sechs mal acht Metern, stellt die Geschichte des slawischen Volkes darstellt. Die Idee entstand 1899, als man an der Innengestaltung des Pavillons von Bosnien-Herzegowina arbeitete. Um sich auf diesen Auftrag vorzubereiten, reiste er durch den Balkan, untersuchte deren Geschichte und Bräuche und studierte sorgfältig das Leben der Südslawen in den zwei Jahrzehnte zuvor mit Österreich-Ungarn verbundenen Regionen.
Aus diesem Wissen entstand die Inspiration für einen neuen Entwurf, die Schaffung einer Legende für alle slawischen Völker, die die „Freuden und Leiden“ seiner eigenen Gemeinschaft und aller anderen Slawen veranschaulichen sollte.
1909 erhielt er Sponsoring von einem wohlhabenden Philanthropen aus Chicago, Charles Richard Crane. Mit Cranes großem Interesse an der Ausweitung der politischen Angelegenheiten in Osteuropa und der slawischen Zivilisation unterstützte Mucha Mucha fast zwanzig Jahre lang finanziell und moralisch.
In der Zeit von 1911 bis 1926 widmete Alphonse Mucha den größten Teil seiner Energie der Schaffung des Slawischen Epos und konnte zwanzig große Episoden aus der slawischen Vergangenheit, von alt bis neu, zehn Episoden aus der tschechischen Geschichte und zehn weitere über historische Episoden aus eher slawischen Gebieten wiedergeben.
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Muchas erstes Gemälde der Serie war „Die Slawen in ihrer ursprünglichen Heimat“, das er 1912 fertigstellte. 1924 besuchte er den Berg Athos und war von der antiken spirituellen Atmosphäre zutiefst fasziniert. In seinem Gemälde „Der Heilige Athos“ nutzte er die Kombination realer und symbolischer Bildebenen, die er bereits in seinen ersten drei Gemälden der Serie verwendete.
Er entwarf eine Lichtform, um ein starkes Bild des Kircheninneren zu schaffen, mit einem Kreis russischer Pilger, die die Innenwand umkreisten und gebeugt die Reliquien küssten, die ihnen die Igumen vor der Ikonostas geschenkt hatten.
Die Umwandlung der irdischen in die himmlische Sphäre wird erst durch die prachtvollen athletischen Figuren der Cherubim erreicht, die Nachbildungen der vier slawischen Klöster auf dem Berg Athos tragen. Die Formen der beiden Engelmädchen hängen über der Ikonostas und deuten auf Glauben und Reinheit hin.
Die spirituelle Szene endet mit einem Mosaik von Theotokos in der Apsis. Bis 1926 wurde die gesamte Serie mit seinem letzten Gemälde „Die Apotheose der Slawen“ vervollständigt, das den erfolgreichen Sieg aller Slawen feiert, deren Heimatländer schließlich ihre eigenen wurden.
Der Künstler starb am 14. Juli 1939 in Prag, nachdem er an einer Lungenentzündung erkrankt war. Er wird für seine einzigartigen und besonderen Gemälde dieser Bilderserie nie vergessen werden.
Post-Revolution und (Inoffizielle) Kunst der Sowjetunion
Die Bolschewiki betrachteten Kunst als rein politisches Instrument. Nach der Revolution von 1917 war es Künstlern nicht mehr gestattet, ihre gewohnte Kunst zu schaffen, und von ihnen wurde nun erwartet, dass sie Arbeiten im Industriedesign anfertigen.
Dies führte dazu, dass viele Künstler Russland verließen, darunter Chagall, Kandinsky und viele andere. Stalin erklärte den sozialen Realismus zur einzig akzeptablen Kunstform. Religiöse, erotische, politische und „formalistische“ Kunst, einschließlich abstrakter, expressionistischer und konzeptueller Kunst, waren völlig verboten.
Die Kunst, die während der Zeit von Stalins Tod bis zum Aufkommen von Perestroika und Glasnost in der Sowjetunion entstanden ist, wird als inoffizielle Kunst bezeichnet. Diese Kunst gilt auch als nonkonformistische Kunst, zweite Avantgarde oder Underground-Kunst.
Sie entstand als Gegenbewegung zum Sozialistischen Realismus in Literatur, bildender Kunst und Musik. Die Underground-Künstler waren eng mit illegalen Bewegungen wie dem Moskauer Konzeptualismus, der Leningrader Vereinigung für Experimentalkunst und der Mitki-Gruppe in Leningrad verbunden. Zusätzlich pflegten sie Kontakte zu den „Hippies“ und den „Rockern“.
Nach dem Tod Stalins kam es auch zu einer kurzen Zeit des „Tauwetters“. Jetzt wurden Künstler wie Aleksandr Gerasimov, der idealisierte Porträts von Stalin gemalt hatte, verstoßen und als peinlich empfunden, und die Ansichten der Regierung über Kunst wurden liberaler.
Dies endete jedoch schnell nach der Manege-Affäre, als Chruschtschow sich öffentlich mit dem Bildhauer Ernst Neisvestny über die Funktion der Kunst stritt. Die Diskussion und das daraus resultierende Ende des „Tauwetters“ führten zu einer Weiterentwicklung der Untergrundkunst des Nonkonformismus. Die Künstler wussten, dass sie keine öffentliche Akzeptanz finden würden, aber die Auswirkungen waren nicht mehr so gravierend wie zuvor.
Ab Mitte der 70er Jahre emigrierten immer mehr Künstler, ermutigt durch die offeneren Grenzen und nicht bereit, in der restriktiven Atmosphäre der Sowjetunion zu bleiben. Ernst Neizvestny zog 1977 in die USA.
Bedeutende Werke der Slawischen Malerei des 19. und 20. Jahrhunderts
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Die Rückkehr der Slawischen Malerei im 21. Jahrhundert
Die 1990er Jahre brachten russischen Künstlern eine nie zuvor erlebte Freiheit. Performance-Kunst tauchte zum ersten Mal in Russland auf und es war eine Zeit des Experimentierens und des Spaßes. Diese enorme Freiheit wurde im neuen Jahrtausend eingeschränkt, obwohl sich die russische Kunst immer noch in ihrer Blütezeit befindet.
Viele Künstler haben sowohl innerhalb als auch außerhalb Russlands einen Kundenstamm gefunden, es gibt jedoch Bedenken, dass die zunehmende Zensur es schwierig macht, authentische Kunst zu schaffen.
Zu den bekanntesten zeitgenössischen russischen Künstlern zählen die konzeptuellen Installationskünstler Ilya und Emilia Kabakov, der Mitbegründer des Moskauer Konzeptualismus Viktor Pivovarov, die Installationskünstlerin Irina Nakhova, Alexei Chernigin und viele mehr.
Im 21. Jahrhundert erleben wir eine faszinierende Wiederentdeckung der Slawischen Malerei und deren Stilelemente. Nach Jahren des Schattendaseins erfreut sich diese einzigartige Kunstform einer bemerkenswerten Rückkehr. Diese Renaissance stellt sowohl Künstler als auch Kunstliebhaber vor neue Möglichkeiten und Perspektiven.
Die Verbindung von Tradition und Moderne spielt eine wichtige Rolle in der zeitgenössischen slawischen Malerei, wobei Künstler neue Techniken und Materialien verwenden, um ihre Kunstwerke zu schaffen.
Künstler auf der ganzen Welt finden Inspiration in den Werken der großen Slawischen Maler vergangener Jahrhunderte und lassen sich von ihren Techniken und Motiven inspirieren. Die Popularität von slawischen Gemälden, Kunstdrucken und Postern wächst stetig.
Die Slawische Malerei hat zweifellos ihren Platz in der modernen Kunstwelt gefunden und bietet sowohl Künstlern als auch Kunstliebhabern eine reiche Quelle der Inspiration. Das englischsprachige Online Portal RUSSIANART+CULTURE informiert regemäßig über die wichtigsten Kunstausstellungen in Russland.
Die Slawische Malerei hat auch einen Einfluss auf die moderne Kunst selbst. Viele zeitgenössische Künstler lassen sich von den Werken der Vergangenheit leiten und schaffen Kunstwerke, die traditionelle slawische Motive und Techniken mit modernen Elementen verbinden.
Ein lebendiges Beispiel für diese Rückkehr der Slawischen Malerei ist die blühende Kunstszene in Prag. Diese Stadt hat eine reiche Geschichte in Bezug auf die slawische Kunst und ist heute ein Zentrum für moderne Künstler, die sich von den alten Meistern inspirieren lassen.
In den Galerien und Museen der Stadt können Besucher eine vielfältige Auswahl an slawischer Kunst bewundern, von traditionellen Gemälden bis hin zu zeitgenössischen Kunstwerken. Durch die Kombination traditioneller slawischer Motive mit modernen Techniken entstehen einzigartige und faszinierende Kunstwerke, die die kulturelle Vielfalt und Schönheit der slawischen Welt feiern.
Moderne Interpretationen – Von Slawischer Malerei inspirierte Gegenwartskunst
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Wichtige Museen für Slawische Kunst und Malerei
The State Hermitage Museum, Saint Petersburg
The Pushkin Museum of Fine Arts, Moskau
The State Tretyakov Gallery, Moskau
The State Historical Museum, Moskau
The Vladimir and Suzdal Historical, Architectural and Art Museum, Vladimir
Nationalgalerie im Prager Messepalast, Prag
Nationalmuseum der Stadt Breslau
Nationalmuseum Krakau
Die autoritäre Wende: zur Krise der polnischen Institutionen zeitgenössischer Kunst
Gerne hätten wir diesen Artikel in positiver Art und Weise beendet. Leider sahen wir uns jedoch dazu verpflichtet, die jüngsten rechtspopulistischen Entwicklungen in der Kunstszene in Osteuropa nicht unerwähnt zu lassen.
Die Kunstwelt in Polen wird traditionell stark vom Staat kontrolliert. Konkret drängen staatliche Subventionen den Kunstsektor in bestimmte Richtungen. Derzeit ist die rechtspopulistische Partei PiS an der Macht, die im ganzen Land staatlich gelenkte Art Director ernennt, die ihr streng konservatives, rechtsextremes Programm teilen.
Die sichtbarste Auswirkung der rechten Politik in der zeitgenössischen Kunst war die Übernahme großer Museen und Zentren für zeitgenössische Kunst durch Direktoren, die der Regierungspartei treu ergeben waren.
Zu den bekanntesten und umstrittensten Fällen gehören Institutionen, die eine Schlüsselrolle im künstlerischen Ökosystem spielen: die Nationale Kunstgalerie Zacheta und das CCA Ujazdowski-Schloss in Warschau sowie das Kunstmuseum in Łódź.
Seit Februar 2022 wird das künstlerische Leben in Polen zudem von der brutalen russischen Invasion in der Ukraine und der drohenden Energiekrise überschattet. Die Verzweiflung, die die politisch motivierten Besetzungen wichtiger Führungspositionen mit Parteitreuen hervorrufen, verblasst im Vergleich zum offenen, brutalen Krieg, bei dem Raketen auf Zivilisten nur 400 Kilometer von Warschau entfernt niedergehen.
Ausführlich berichtete Kuba Szreder – Forscher, Dozent, unabhängiger Kurator und Professor im Bereich Kunsttheorie der Akademie der bildenden Künste in Warschau – über diese autoritäre und rechtsgerichtete Krise der Kunstszene in den CIMAM News.
Inhaber und Geschäftsführer von Kunstplaza. Publizist, Redakteur und passionierter Blogger im Bereich Kunst, Design und Kreativität seit 2011. Erfolgreicher Abschluss in Webdesign im Rahmen eines Hochschulstudiums (2008). Weiterentwicklung von Kreativitätstechniken durch Kurse in Freiem Zeichnen, Ausdrucksmalen und Theatre/Acting. Profunde Kenntnisse des Kunstmarktes durch langjährige journalistische Recherchen und zahlreichen Kooperationen mit Akteuren/Institutionen aus Kunst und Kultur.
In der Kunst erfolgt die Einteilung von Künstlern und Kunstwerken in Stilepochen. Diese orientieren sich an gemeinsamen charakteristischen Merkmalen der Kunstwerke und Kulturerzeugnisse eines Zeitalters.
Die Einteilung in Epochen dient als ein Hilfsmittel zur Strukturierung und Einordnung von Werken und Künstlern in einen zeitlichen Rahmen und ein kulturgeschichtliches Geschehen.
Das Wissen um Kunstepochen spielt eine große Rolle insbesondere im Kunsthandel sowie in der Kunsttheorie und der klassischen Bildanalyse.
In dieser Rubrik des Kunstblogs möchten wir Ihnen zu einem besseren Verständnis rund um diese Epochen, Stilrichtungen und Strömungen verhelfen.
Kunststile und Stilrichtungen
Der Kunststil oder auch die Stilrichtung bei Kunstwerken bezeichnet die einheitliche Ausprägung der Kunstwerke und Kulturerzeugnisse eines Zeitalters, eines Künstlers oder einer Künstlergruppe, einer Kunstrichtung oder Kunstschule.
Es handelt sich hierbei um ein Hilfsmittel zur Einordnung und Systematisierung der Vielfalt von Kunst. Er bezeichnet Übereinstimmendes, das sich von anderen unterscheidet.
Der Begriff ist thematisch zur Kunstepoche verwandt, ist jedoch nicht nur in einem zeitlichen Rahmen zu sehen und daher weitaus umfassender.
In dieser Rubrik möchten wir Ihnen zu einem besseren Verständnis rund um Stilrichtungen und Strömungen in der Kunst verhelfen.
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