Das Kunstatelier und seine Bedeutung als Ort der kreativen Schöpfung

Ein Kunstatelier dient häufig als Einblick in die Gefühlswelt eines Künstlers. Ateliers sind Orte, an denen Spuren von kreativen Prozessen, Arbeitsmethoden, Durchbrüchen aber auch Fehlern an Wänden, Böden, Fenstern und Türen festgehalten werden. Als stille Zeugen einer Entdeckungs- und Schöpfungsreise des Kunstschaffenden auf dem Weg zur fertigen Kunst.

Die Ateliers erzählen eine Geschichte der schöpferischen Entwicklung genauso wie der Katastrophen, die sich über die Jahre hinweg ereignet haben, um ein Handwerk oder einen Stil zu verfeinern. Ein Atelier kann ein sehr persönlicher Raum voller Emotionen sein, der sowohl Künstlern als auch Besuchern wertvolle Impressionen geben kann.

Das Kunstatelier als Inkubator für gesellschaftlichen Aufschwung

Zahlreiche Studien deuten darauf hin, dass ein intensiver Kontakt mit Kunst und Kunstschaffen in jedem Alter das körperliche und psychische Wohlbefinden fördert (vgl. Internetquelle #1). Wenn man dem Einzelnen Zeit, Raum und Materialien für den kreativen Ausdruck gibt, kann dies Stress reduzieren, das Gedächtnis steigern und soziale Verbindungen stärken.

In einer Zeit, in der kreatives Denken ein äußerst wertvolles Gut ist, profitiert die Gesellschaft zweifellos von einer Investition in die Künste und die Kunsterziehung. An Orten, an denen die Umgebung Kreativität erleichtert und fördert, ist ein höheres Maß an bürgerschaftlichem Engagement, sozialer Stabilität und wirtschaftlichem Aufschwung zu verzeichnen.

In Form von Ateliers, kulturellen Zentren und Bildungseinrichtungen wurden seit jeher kreative Räume geschaffen (öffentlich, unternehmerisch oder privat), die zur Unterstützung der Kunstschaffung maßgeblich beigetragen haben.

Das Kunstatelier in der theoretischen Betrachtung

Wenn wir ein Kunstatelier betreten, erlangen wir Einblicke in die Arbeitsweise und das Wissen, das Künstler beim Schaffen einsetzen. Kunsthistoriker gehen davon aus, dass ein Kunstwerk und ebenso der Künstler nicht einfach so oder aus dem Nichts entstehen.

Kunst und Künstler basieren auf umfassenden Wissenspraktiken und spezifischen räumlichen Kenntnissen. Der Schlüssel dazu ist das Kunstatelier.

Obwohl jeder Atelierraum für den Künstler und sein Projekt einzigartig ist, wird er oft als Raum genutzt, in dem Künstler reflektieren, ausstellen, forschen, lagern und Kunst erschaffen können. Ein eigenes Atelier zu besitzen ist für Künstler eine Möglichkeit, ihre individuelle Produktion und ihr Schaffen aufrechtzuerhalten und ist entscheidend für die Stabilisierung und Teilnahme am professionellen Diskurs sowie an einer künstlerischen Identität (vgl. Literaturquellen #1-3).

Im Atelier haben Künstler die Möglichkeit, ihre kreativen Ideen und Experimente zu entfalten, indem sie Aufmerksamkeit und Veränderung in einem Raum der künstlerischen Reflexion und Ausarbeitung finden. Hier entstehen Kunstwerke von ästhetischer Qualität durch experimentelles Handeln, das neue Erfahrungsfelder eröffnet und vertraute Szenen und Objekte in einem neuen Licht erscheinen lässt (vgl. Literaturquellen #4-6).

Das Atelier dient als Ort, an dem die Ideen der Künstler konkretisiert werden und ein künstlerisches Labor darstellen. Gemäß dem US-amerikanischen Philosophen John Dewey ist Experimentieren nicht nur im wissenschaftlichen Labor, sondern auch im künstlerischen Schaffen von großer Bedeutung (siehe Literaturquelle #7).

Das zeitgenössische Atelier vereint Fantasie, Wissen und künstlerisches Schaffen in einem Raum, der Privatsphäre, materielle Produktion, Wissen und Lernen miteinander verbindet. Es ist ein Ort des zivilisierten Strebens nach Erkenntnis.“

Ateliers und Art Spaces: früher und heute

Heutzutage erfolgt die Kunstproduktion sowohl am Laptop als auch in einem mit Farbe bespritzten Loft. Trotzdem behält das Studio seine einzigartige Aura als ultimativer Ort der Schöpfung.

Wie in Gemälden wie Courbets allegorischem Selbstporträt von 1855 oder in den Mid-Century-Fotos modernistischer Größen des Vogue-Artdirektors Alexander Liberman gezeigt, ist das Atelier ein Ort, an dem Erfahrung durch den Kampf eines Genies in Gold verwandelt wird – sowohl metaphorisch als auch wörtlich (vgl. Internetquelle #2).

Von Werkstätten (Bottega) im Mittelalter zu Studiolos

In vergangenen Jahrhunderten arbeiteten die meisten Künstler in Werkstätten, wo sie von Handwerksmeistern ausgebildet wurden, oder in den Schreibstuben von Klöstern. Der niedrige Status der Kunstarbeiter im Mittelalter begann sich zu ändern, als sie die wissenschaftlichen Ansprüche ihrer aristokratischen Gönner übernahmen.

Die Bottega wurde zum Studiolo, einem Ort der gelehrten Verfeinerung, der eher für stille Kontemplation als für Lärm und Handwerk geeignet war. Erfolgreiche Künstler wie Tintoretto konnten sich sowohl eine Bottega als auch ein Studiolo leisten, was eine räumliche Trennung von Forschung und Produktion ermöglichte.

Diese Entwicklung ging einher mit der zunehmenden Arbeitsteilung, die durch den Aufstieg des Kapitalismus beschleunigt wurde. Leonardo da Vinci lehnte das Bottega-Prinzip ab und betonte, dass das Atelier eines Künstlers klein sein sollte, um den Geist zu disziplinieren (vgl. Internetquelle #2).

Das Atelier wird zum zentralen Ort der Künstleridentität

In der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts wurde das Atelier vollends zum zentralen Ort der Künstleridentität, wie etwa bei Rembrandt und Vermeer, die ihre Arbeitsumgebung in Selbstporträts festhielten.

Im 18. Jahrhundert hingegen boten Schulen eine alternative Ausbildung zum traditionellen Atelier. Félix Duban prägte mit seinem avantgardistischen Baustil die École des Beaux-Arts maßgeblich. Später wurden Transparenz und Funktionalität auch in Architekturen wie Mackintoshs Schule in Glasgow und dem Weimarer Bauhaus betont – ein Ansatz, der sowohl künstlerische als auch industrielle Produktion neu definierte.

Die verglaste Wand war auch das Kennzeichen der Fabrik, eine doppelte Kodierung (die im Dessauer Bauhaus von Gropius explizit zum Ausdruck kam), die auf William Morris‘ Versuch zurückzuführen ist, die Formen künstlerischer und industrieller Produktion neu zu kalibrieren.

Pleinair-Malerei – Flucht in die freie Natur

Morris‘ Programm führte zur Flucht einiger Maler aus dem Atelier in Richtung der freien Natur. Dies geschah während einer Zeit, als Farben nun industriell hergestellt wurden und somit leicht verfügbar waren. Die Impressionisten enthüllten später, dass selbst die Natur industrialisiert wurde, aber sie pflegten weiterhin die Tradition des Pleinair-Malens, das nun eher als bürgerliche Freizeitbeschäftigung denn als bäuerliche Arbeit angesehen wurde.

Dieser Entwicklungsbogen fand seinen Höhepunkt im großen Außenstudio von Anselm Kiefer in der Nähe von Nîmes.

Der US-amerikanische Henry James beschreibt in seiner Kurzgeschichte “The Real Thing” ein Studio, in dem das Licht eine entscheidende Rolle spielt und dem Raum eine bestimmte Lesbarkeit verleiht. Das Atelier wird als Ort für Künstler dargestellt, dessen nordgerichtetes Fenster explizit darauf hinweist.

Vereinbarkeit von Leben und Kunstschaffen an einem Ort

Gleichzeitig fusionieren aufgrund des industriellen Urbanismus die Stadt und das Land, was neuen Möglichkeiten für die Freilichtmalerei in künstlerischen Vororten eröffnet. Während Akademien die Disziplin professionalisieren, versuchte Morris, institutionelle und räumliche Fragmentierung zu überwinden. Trotzdem bleibt die Einheit von Leben und Kunst oft nur den Reichen vorbehalten.

Im Laufe der Geschichte setzten sich Künstler also mit verschiedenen Arbeitsumgebungen auseinander. Früher konnten nur wenige Künstler sich ein Haus mit Atelier in einem schönen Vorort leisten, während andere in verwahrlosten Stadtteilen arbeiten mussten. Berühmte Künstlerkolonien wie Montmartre und Chelsea entstanden als alternative kreative Zentren. Obwohl solche Orte oft von Armut geprägt waren, boten sie auch eine starke Gemeinschaft und Platz für politische Aktivitäten.

Der Übergang von traditionellen Werkstätten zu avantgardistischen Studios führte zu einer Neugestaltung des städtischen Raumes durch Künstler wie Andy Warhol, die aus ärmeren Gebieten Inspiration schöpften. Die Entwicklung dieser kreativen Räume spiegelte auch gesellschaftliche Veränderungen wider und brachte immer wieder unerwartete Ergebnisse hervor.

Post-Studio-Zustand heute: Rückkehr zum Bottega-System & Co-Working-Spaces

Viele Künstler haben sich Warhols Rückkehr zum Bottega-System angeschlossen, darunter Damien Hirst und Jeff Koons. Diese haben alle Überreste von Morris über Bord geworfen und stattdessen die weniger romantischen industriellen Prozesse des Kapitalismus imitiert.

Heutzutage herrscht ein Post-Studio-Zustand, in dem ein Jet-Setting-Prekariat von Kunstproduzenten ihre Laptops zwischen London, Lissabon und Berlin hin und her tragen. Wenn sie es sich leisten können, befinden sich ihre Arbeitsräume in unterteilten Lagerhäusern am Stadtrand, während in „revitalisierten“ Zentren, in denen alle nach dem Status der „Kreativität“ streben, Co-Working-Spaces wie Second Home mit unkonventionellen Vorbildern dienen.

Einrichten eines eigenen Kunststudios oder Kreativraums

Der Schritt vom Heimstudio zu einem professionellen Kunstatelier ist ein häufiger Traum von Künstlern. Wenn man aus dem Gästezimmer oder dem Gartenschuppen herausgewachsen ist, stellt die Einrichtung eines professionellen Studios den nächsten logischen Schritt dar.

Bevor jedoch ein Mietvertrag für eine Fläche unterzeichnet oder ein Umbau eines Bestandsobjektes (z.B. ehemalige Fabrikräume oder Hallen) in die Wege geleitet wird, gibt es viele Aspekte zu beachten.

Oft werden auch Räumlichkeiten oder ganze Gebäude frei, indem Künstler ihr darin befindliches Atelier umziehen oder auflösen. Da ein gelungenes Setup maßgeblich zum künstlerischen Erfolg beitragen kann, sollten Bestandsobjekte mit Sorgfalt gewählt werden.

In einigen Fällen ist auch eine Komplettsanierung (z.T. auch mit Umbau-Maßnahmen) sinnvoll, um die bestehenden Räumlichkeiten optimal an die eigenen, individuellen Bedürfnisse anzupassen. Verlässliche Dienstleister dazu finden Sie in jeder größeren Stadt (z.B. Welsch Bausanierung unter https://welsch-bausanierung.de/dienstleistung/komplettsanierung/ für Ulm und Umgebung).

Die Kostenfrage

Die Kosten spielen eine entscheidende Rolle bei der Überlegung, ob sich ein Künstler ein Studio leisten kann. Wie bei jeder Privatperson oder jedem Unternehmen müssen auch bei Künstlern die Gebühren für das Gebäude – einschließlich Miete (bzw. Kreditraten beim Kauf), Nebenkosten und Gebühren für Versicherungen, Internetverbindung, Telefonvertrag, usw. – in die Gewinnkalkulation einbezogen werden.

Es ist wichtig, diese Entscheidung wie bei jedem anderen Unternehmen anzugehen. Es gilt herauszufinden, was finanziell möglich ist (im Vergleich zum Einkommen) und welchen Wert es hat, über einen eigenen Raum zu verfügen. Der Raum muss nicht zwangsläufig speziell für Künstler konzipiert sein, aber es erleichtert die Arbeit normalerweise erheblich. Bei Bedarf und dem nötigen „Kleingeld“ können Sie wie oben erwähnt auch Umbauten und Sanierungen vornehmen (lassen).

Bildhauer und Töpfer benötigen teure Ausrüstung sowie Zugang zu Außenbereichen. Auch Maler müssen prüfen, ob sie Ölfarben und brennbare Stoffe wie Terpentin verwenden können. Wenn man sich in einem Gewerbegebiet niederlässt, sollte man bedenken, wie andere Unternehmen auf die Gerüche von frischer Farbe in den Fluren reagieren werden.

Die Preise für Flächen werden in der Regel pro Quadratmeter berechnet, was einen einfachen Kostenvergleich ermöglicht.

Worauf Sie achten sollten

Zur Grundausstattung gehören Funktionen wie Internetverbindung und übliche Versorgungsleistungen. Als nächstes sollten Sie sich über die Öffnungszeiten (einige bieten möglicherweise einen 24-Stunden-Zugang), die Sicherheit und die Parkmöglichkeiten informieren.

Ebenso wichtig ist die Verfügbarkeit von Sanitäranlagen, Spülbecken, der Zugang zu Außenbereichen sowie der Versicherungsbedarf des genutzten Objekts.

Ein weiterer wichtiger Punkt ist die Beleuchtung. Maler sollten Räume ohne Fenster vermeiden, da diese kein natürliches Licht bieten. Professionelle Kunstateliers berücksichtigen dies normalerweise und sorgen unabhängig von der Raumgröße für eine gute Beleuchtung.

Das Studio sollte zudem leicht erreichbar sein – wählen Sie also keinen zu weit entfernten Ort. Es ist für Künstler oft verlockend, von zu Hause aus zu arbeiten, weil das Gästezimmer näher liegt.

Bei einem Mietverhältnis ist ein kurzer Mietvertrag grundsätzlich eine gute Idee.

Sollten Sie einem bestehenden Studio beitreten?

Bestehende professionelle Ateliers sind spezielle Gebäude, die für Künstler konzipiert oder eingerichtet wurden. Es ist unter Umständen möglich, einzelne Studios in einem gemeinsamen Gebäude anzumieten, welche alle erforderlichen Einrichtungen bieten, sei es gutes Tageslicht zum Malen oder Waschbecken und Spezialausrüstung.

Der große Vorteil des Beitritts zu einem bestehenden Atelier liegt darin, dass viele Überlegungen bereits getätigt wurden und möglicherweise alle Leistungen in einer einzigen Gebühr enthalten sind. Es bedarf lediglich der Unterzeichnung und dann kann man mit dem kreativen Schaffen beginnen.

Allerdings könnte für diese Bequemlichkeit ein höherer Preis zu zahlen sein. Es ist möglich, mit einem kleineren oder gemeinsam genutzten Raum zu starten und je nach Erfolg sukzessive in größere Räumlichkeiten umzuziehen.

Ein wichtiger Aspekt bei der Entscheidung, in einem etablierten professionellen Studio zu arbeiten, ist der einfache Zugang zu anderen Künstlern. Die kreative Arbeit kann oft einsam sein, daher bietet es einen großen Vorteil, sich in Gemeinschaftsküchen oder bei Veranstaltungen mit Kollegen austauschen zu können.

Beim Eintritt in ein solches Studio sollte man auch die anderen Künstler im Blick behalten. Oft teilen sich Keramiker, Glaskünstler, Töpfer und Bildhauer aus praktischen Gründen ihre Atelierräume und können somit die benötigte Ausrüstung und die damit verbundenen Kosten gemeinsam nutzen.

Eigenen Atelierraum einrichten

Wenn Sie einen geeigneten Raum gefunden haben oder gleich eine Künstlerkolonie gründen möchten, gibt es einige wichtige Dinge zu klären, bevor Sie endgültig Nägel mit Köpfen machen.

Besitzen Sie die erforderlichen Fähigkeiten und Erfahrungen?

Es ist entscheidend, bereits in einem gemeinsamen Arbeitsraum tätig gewesen zu sein und diesen sogar verwaltet zu haben, um alle Verantwortlichkeiten zu verstehen.

Viele professionelle Studios haben einen Studioleiter, der sich um die organisatorischen Aufgaben wie Mietzahlungen, Bauvorschriften, Versicherungen und Marketing kümmert, damit die Künstler sich ganz auf ihre Kunst konzentrieren können. Es ist verständlich, warum viele Studios sich dafür entscheiden, einen Manager zu beschäftigen.

Gibt es finanzielle Förderung?

Auf lokaler, landes- und Bundesebene zirkulieren beträchtliche Geldsummen für die Unterstützung von Kunstschaffenden. Es werden spezielle Fördermittel für bestimmte Medien, Themen, geografische Regionen und Künstler bereitgestellt.

Ein Teil dieser Gelder bleibt oft ungenutzt, da sich geeignete Künstler nicht bewerben. Ein guter Ausgangspunkt ist das National Endowment for the Arts, das im Jahr 2023 fast 230 Millionen US-Dollar vergab.

In Deutschland unterstützen eine Vielzahl von Institutionen wie Bund, Ländern und Stiftungen kulturelle und künstlerische Projekte durch diverse Förderangebote. Kreativschaffende haben die Möglichkeit, sich für diese Förderungen zu bewerben, um ihre künstlerischen Vorhaben zu realisieren.

Diese Projektförderungen können unterschiedliche Formen annehmen. Die Empfängerinnen und Empfänger dieser Förderungen können Einzelpersonen, Gruppen oder Institutionen sein und der kreative Spielraum ist oft durch die Ziele der Förderinstitution begrenzt. Die Kulturstiftung des Bundes konzentriert sich auf die Unterstützung innovativer Programme und Projekte im internationalen Kontext sowie auf den kulturellen Austausch.

Auch die Kulturstiftung des Bundes wählt zwei Mal im Jahr Projekte zur Förderung in der spartenübergreifenden und antragsoffenen Projektförderung aus.

Neben ihnen gibt es auch viele weitere Fördereinrichtungen sowohl auf nationaler als auch auf europäischer Ebene, die speziell Künstlerinnen und Kunstschaffende unterstützen.

Tipps für Gründerinnen, Gründer und Selbständige in der Kultur- und Kreativwirtschaft bieten auch sowohl die BMWK-Förder- und Finanzierungsberatung als auch der Ratgeber „Alles, nur kein Unternehmer?“ der Initiative Kultur- und Kreativwirtschaft der Bundesregierung.

Neben Bundesprogrammen sollten Sie auch nach Förderungen auf Landesebene Ausschau halten. Für mein Bundesland Bayern finden Sie beispielsweise auf der Infoseite zur Künstlerförderung des Bayerisches Staatsministerium für Wissenschaft und Kunst hilfreiche Informationen zu Programmen, Bewerbungsverfahren und Anforderungen.

Informieren Sie sich über die vielfältigen Finanzierungs- und Fördermöglichkeiten und den Ablauf des Bewerbungsprozesses. Es gibt sowohl großzügige Zuschüsse als auch spezielle Förderungen für bestimmte Künstlergruppen. Ein Großteil der Gelder fließt jedoch in Projekte, die Kunst in die Gemeinschaft bringen.

Indem Sie Workshops in Ihren Zeitplan integrieren, könnten Sie finanzielle Unterstützung für Ihr professionelles Kunststudio erhalten. Nachdem Sie sich mit den nationalen und Bundesland-spezifischen Prozessen vertraut gemacht haben, sollten Sie auch die lokalen Fördermöglichkeiten prüfen.

Besteht die Möglichkeit einer wirtschaftlichen Patenschaft?

Der Betrieb von Studios ist zweifellos kostspielig. Aber es kann kommerzielle Antworten auf die schwierige Finanzierungsfrage geben. Lokale Unternehmen könnten beispielsweise bereit sein, gegen etwas Werbung Geldmittel bereitzustellen oder Ausrüstung zur Verfügung zu stellen. Dies kann sich in Form von Präsenz auf der Studio-Website, Marketingmaßnahmen oder Ausstellungen manifestieren.

Viele Menschen lieben die Künste und möchten in die Kunstwelt eingebunden werden.

Ausstellungsraum / Galerie integrieren

Ein großer Vorteil eines professionellen Kunstateliers liegt darin, dass es ohne den Zwischenschritt einer Galerie auskommen könnten und einen direkten Kanal zu Ihren Käufern aufbauen können.

Bis zu 50 % der Kunstverkäufe erfolgen über Galerien. Offene Atelierveranstaltungen oder individuelle Atelierbesuche können aber ebenso zu nennenswerten Umsätzen führen.

Wenn Sie Teil eines professionellen Gruppenateliers sind, sollten Sie in Erwägung ziehen, einen festen Ausstellungsraum für die Werke aller Künstler einzurichten.

Hierbei sind ein paar Punkte für einen höheren Erfolg zu beachten:

• Gewährleisten Sie, dass alle Werke zum Verkauf stehen.
• Bieten Sie eine Vielzahl von Preisstufen an.
• Beginnen Sie mit kleinen Drucken oder Keramik unter 100 Euro und steigern Sie sich allmählich zu größeren Gemälden, Keramiken oder Skulpturen mit entsprechend höheren Preisen.
• Halten Sie regelmäßige Öffnungszeiten ein und sorgen Sie dafür, dass während dieser Zeiten Personal anwesend ist (Künstler können sich abwechseln).
• Wechseln Sie die ausgestellten Werke regelmäßig und planen Sie spezielle Eröffnungsveranstaltungen ein.
• Vereinbaren Sie Zahlungsmodalitäten. Hier können Kauf auf Rechnung oder mittlerweile auch zahlreiche digitale Zahlungsanbieter (Online oder per Smartphone App) genutzt werden. Wenn Sie elektronische Zahlungen akzeptieren, müssen Sie ein Studio-Bankkonto oder ein Paypal-Konto einrichten, auf das das Geld überwiesen wird, bevor es an den Künstler ausgezahlt wird.

Abschließende Worte

Sobald die Einrichtung Ihres Kunststudios abgeschlossen ist, sollten Sie nicht zögern und sofort mit Ihrer kreativen Arbeit beginnen können. Überlegen Sie, wie Sie sich in diesem Raum sehen möchten. Nichts ist frustrierender für einen Künstler, als das Gefühl zu haben, dass der Raum, in dem er arbeitet, seine Kreativität einschränkt anstatt sie zu fördern.

Denken Sie dabei an die Worte von Pablo Picasso:

Es gibt Maler, die die Sonne in einen gelben Fleck verwandeln, und es gibt andere, die mit ihrer Kunst und Intelligenz einen gelben Fleck in eine Sonne verwandeln.“

Bietet Ihnen Ihr Raum diese Freiheit zu künstlerischem Wachstum?

Inspiration werden Sie womöglich in unseren beiden Beiträgen zum Thema finden:

• Art Fusion in Coworking Spaces: 5 inspirierende Beispiele für kreative Arbeitsumgebungen
• Das eigene Atelier einrichten – Künstler verraten ihre Creative Space Profi-Tipps

Quellen und Referenzen:

Literatur:

1. Bain, A. (2005): Constructing an Artistic Identity Work, employment and society, S. 25-46
2. Bain, A. (2004): Female Artistic Identity in Place: the Studio. Social and Cultural Geography, S. 171-193
3. Buren, D. (2007): In The Studio (Dublin Gallery, 2007 S. 104-106) A conversation between Buren and Jens Hoffman, Christina Kennedy and Georgina Jackson
4. Jacob, M.J. (2010): Vorwort In Jacob, M.J. and Grabner, M eds. 2010 The Studio Reader: On the Space of Artists, Chicago University of Chicago Press
5. O’Doherty, B. (2007): Studio and the cube on the relationship between where art is made and where art is displayed, Princeton Architectural Press
6. Wainright, L. (2010): Vorwort In Jacob M J and Grabner M eds 2010 The Studio Reader: On the Space of Artists, Chicago University of Chicago Press
7. Dewey, J. (1934): Art as experience, New York Penguin Group

Internet:

1. Samantha Frew auf Architizer: Art House: The Inspiring Architecture of Art Studios, https://architizer.com/blog/inspiration/collections/art-house-the-architecture-of-art-studios/
2. Tom Wilkinson in The Architectural Review: Typology: Artist Studio, https://www.architectural-review.com/essays/typology-artist-studio
3. MAC ART Galleries: How to set up your fine art studio, https://macfineart.com/how-to-set-up-your-fine-art-studio/
4. ART WEB Blog: How to Set Up a Professional Art Studio, https://blog.artweb.com/how-to/set-up-a-professional-art-studio/
5. Kulturstiftung des Bundes: Förderung, https://www.kulturstiftung-des-bundes.de/de/foerderung.html

Joachim Rodriguez y Romero

Inhaber und Geschäftsführer von Kunstplaza. Publizist, Redakteur und passionierter Blogger im Bereich Kunst, Design und Kreativität seit 2011. Erfolgreicher Abschluss in Webdesign im Rahmen eines Hochschulstudiums (2008). Weiterentwicklung von Kreativitätstechniken durch Kurse in Freiem Zeichnen, Ausdrucksmalen und Theatre/Acting. Profunde Kenntnisse des Kunstmarktes durch langjährige journalistische Recherchen und zahlreichen Kooperationen mit Akteuren/Institutionen aus Kunst und Kultur.

www.kunstplaza.de/