Stickerei als Kulturtechnik – Diese 14 Künstler bringen die Textilkunst auf die nächste Evolutionsstufe

Sticken ist die Kunst, Stoffmaterialien mit Nadel und Stickgarn zu verzieren. Moderne Stickereien, die grundlegende Techniken wie Nadelspitze, Kreuzstich und Quilten umfassen, sind seit vielen Jahren wieder stark auf dem Vormarsch. Überall wird wieder emsig gestrickt, gestickt und genäht.

Während Handarbeit oft für ihre Verwendung beim Upcycling von Kleidung durch Nähen bekannt ist, dekoriert sie auch Innenräume und zeigt ihre Vielseitigkeit als Kunstform. Stickereien ermöglichen es Künstlern, sich auf neue Weise auszudrücken und sind zu einem beliebten Medium in der zeitgenössischen Kunstwelt geworden. Seit den 90er-Jahren greifen immer mehr Künstlerinnen und Künstler zum Garn. Sticken als Kulturtechnik erlebt eine wahre Renaissance.

Die Selbermacher-Bewegung (Do It Yourself oder DIY Community), die in den USA zur Gründung Hunderter Strickzirkel geführt hat, ist längst in Deutschland angekommen. Portale wie Etsy, die Selbstgenähtes in kleinen, oft personalisierten Serien anbieten, wachsen in atemberaubendem Tempo.

In Berlin grasen Hauptstädter den Stoffmarkt am Maybach-Ufer ab, in Hamburg trifft man sich zum Häkeln, und auch in Bremen hat Selbstgenähtes Hochkonjunktur – zu beobachten im Kulturbunker.

Es gibt spannende Nadelwerke zu entdecken, die mit niedlichen Eulen-Kissen und Blümchen-Mustern nicht viel zu tun haben. Das Sticken hat sich einen festen Platz in der Kunstwelt erobert und wird nicht länger als bloße Handarbeit müde belächelt. Selbst die renommierte Documenta gibt mittlerweile den textilen Arbeiten und ihren künstlerischen Vertretern großzügig Raum. Seit den 90er Jahren konzentrieren sich bundesweit auch immer mehr Ausstellungen ganz auf Genähtes und Gesticktes – mitunter weit ab von Frauenklischees des vorigen Jahrhunderts.

Ein kleiner geschichtlicher Exkurs zur Stickkunst

Die alte Handwerkstechnik beginnt mit den frühesten erhaltenen Stickereien aus dem 5. bis 3. Jahrhundert vor Christus. Aus griechischen Vasenmalereien geht hervor, dass die alten Perser Fortschritte bei der Herstellung und dem Weben von Steppdecken gemacht haben, die während der Schlacht von Marathon als Rüstung getragen wurden und auf das Jahr 490 v. Chr. zurückgehen.

Die Ursprünge der Stickerei lassen sich in Fernost bis in die Zeit der Streitenden Reiche in China (500–300 v. Chr.) und innerhalb des Europäischen Raumes in die schwedische Völkerwanderungszeit (300–700 n. Chr.) zurückverfolgen.

„Königin Elizabeth I. hat oft mit anderen weiblichen Herrschern gestickt, ähnlich wie männliche Führungsfiguren heute Golf spielen“, sagt Barbara Paris Gifford, Kuratorin am Museum of Arts and Design (MAD) in New York. „Es war eine Lieblingsbeschäftigung, weil es Konzentration, Konversation und Wettbewerb anregte.“

Im Osmanischen Reich des 17. Jahrhunderts boten Stickereien symbolischen Schutz für die wertvollsten Dinge, einschließlich religiöser Gegenstände und Neugeborenen.

Ob zu dekorativen oder praktischen Zwecken, überall auf der Welt wurde gestickt, kultur- und klassenübergreifend. Frauen der westlichen Oberschicht fertigten dekorative Stickereien an, während Frauen der Arbeiterklasse sich auf das Ausbessern, Quilten und Markieren konzentrierten, während sie ihren Stil und ihre Handarbeitsgeschwindigkeit übten.

Nach dem Ersten Weltkrieg wurde Handarbeit als Therapie für Veteranen in Großbritannien, Neuseeland und Australien eingesetzt, die einen Granatenschock erlitten. Die Stickereiindustrie für behinderte Soldaten war von 1918 bis 1955 tätig und ermutigte behinderte Veteranen, durch die Herstellung von Textilien in den Arbeitsmarkt zurückzukehren.

Obwohl es sich also nicht um eine neue Entdeckung handelt, ist die wachsende Popularität von Stickereien besonders interessant, da das Bewusstsein für psychische Gesundheit zugenommen hat. Als eine Praxis der Entspannung und Trennung ist Sticken sehr meditativ und bietet geschäftigen Geistern Gelassenheit.

Es hat sich gezeigt, dass die Konzentration auf eine solch kreative und dennoch technische Aufgabe den Spiegel des Stresshormons Cortisol senkt und gesunde Gewohnheiten schafft. Der scheinbar einfache Vorgang des Nähens ermöglicht es dem Einzelnen, sich Zeit für sich selbst zu nehmen, was heutzutage in einer Welt mit kürzeren Aufmerksamkeitsspannen besonders notwendig ist.

In jüngerer Zeit, in den 1970er und 1980er Jahren, schufen Frauen in Chile als Akt des Widerstands gegen die Militärdiktatur von Augusto Pinochet leuchtende Stickereien, sogenannte Arpilleras. Die Arpilleras, die an vom Regime „verschwundene“ Familienmitglieder erinnerten, waren für die Regierung so bedrohlich, dass es zu einem Verbrechen erklärt wurde, einen zu besitzen.

In den 1970er Jahren nutzten feministische Künstlerinnen wie Judy Chicago, Miriam Schapiro und Faith Ringgold Stickereien und andere Handarbeiten, um kraftvolle und disruptive Geschichten zu erzählen. Sie erforschten Handwerkstechniken, um die Konstruktion von Geschlechterrollen zu erforschen und die Hierarchie in Frage zu stellen, die Malerei und Skulptur über die Kunst- und Handwerksformen stellte, die traditionell als Frauenarbeit angesehen wurden.

Entwicklung der Stickerei

Einige geschichtliche Beobachter würden argumentieren, dass sich die Stickerei im Laufe der Jahrhunderte nicht wesentlich verändert hat.

„Es ist eine auffällige Tatsache, dass es in der Entwicklung der Stickerei … keine Änderungen von Materialien oder Techniken gibt, die als Fortschritte von einer primitiven zu einer späteren, verfeinerten Stufe gefühlt oder interpretiert werden können. Andererseits finden wir oft in frühen Arbeiten eine technische Leistung und einen hohen handwerklichen Standard, die in späteren Zeiten selten erreicht wurden“

(The Art of Embroidery, 1964)

Wir werfen einen genaueren Blick auf diese These. Moderne Entwicklungen, Interpretationen und Anwendungen könnten da ein gänzlich anderes Bild zeichnen. Auch zahlreiche Nadel-und-Faden-Pioniere der Kunstszene (siehe weiter unten) sind da bestimmt anderer Meinung.

Die Entwicklung der Nähtechniken und ihrer dekorativen Möglichkeiten trugen in den vergangenen Jahrzehnten zum Aufstieg der Stickkunst in der Luxusmode bei. Das Zuschneiden, Reparieren und Verstärken von Stoffen sind alles Prozesse, die diese Entwicklung der Nähtechniken fördern.

Einige der größten Namen in der Luxusmode, darunter Chanel und Alexander McQueen, verwenden diese Methode, um ihre einzigartigen Stücke mit einem künstlerischen und höchst einzigartigen Look zu verfeinern. Grundsätzlich sind Stickereien als textile Kunstform mittlerweile überall in der Modewelt zu finden und verschönern alles – von Mützen über Mäntel und Jeans bis hin zu Kleidern mit Perlen, Perlen, Kristallen und sogar Federn.

14 Künstler mit radikal neuen Wegen in der Stickerei-Kunst

Stickereien sind als Textilkunst in Museen und Galerien zunehmend präsent, und Künstler verwenden ihre Nadeln, um einer schwindelerregenden Vielfalt von kreativen Projekten mit dieser Kulturtechnik nachzugehen und unter anderem Geschlecht, sexuelle und ethnische Identität, Kulturgeschichte, Erinnerung und Popkultur zu erforschen. Im Folgenden stellen wir 14 bahnbrechende Künstler/innen vor, die das immense künstlerische Potential dieser Handarbeitstechnik zeigen.

James Merry – Markenlogos verbinden sich mit Islands Natur

Einer dieser Künstler, der mit bekannten Markennamen arbeitet, ist der Künstler James Merry, der bei der Erstellung seiner Werke einen höchst einzigartigen Ansatz verfolgt.

Merry lebt in Island und arbeitet von Hand mit einer Vielzahl von Medien, wobei er sich von Islands Natur inspirieren lässt. Er sieht sich selbst als Stickkünstler und beschafft Vintage-Logostücke wie Nike, Puma oder Adidas und bestickt diese Stücke von Hand. Dabei wertet der Künstler die Kleidungsstücke mit diesen hochkomplexen Details auf, die sich an Abbildungen aus der Natur anlehnen.

Stickereien ermöglichen es Merry, die vergänglichen Aspekte der Natur zu bewahren, die sonst mit der Zeit zerfallen würden.

Hillary Waters Fayle – Komplexe Beziehung von Mensch und Natur

Hillary Waters Fayle ist eine Künstlerin, die Textiltraditionen und -prozesse studiert und eine Reihe von Werken geschaffen hat, die ein Interesse an Natur und menschlicher Berührung verbinden.

Fayle verwendet gefundene botanische Materialien wie Blätter und produziert Arbeiten, die den Betrachter dazu inspirieren, mehr Zeit mit der Betrachtung oft übersehener Objekte zu verbringen.

Mit unterschiedlichen Eingriffen in Handarbeit sind die Kunstwerke zart und doch rücksichtslos und spiegeln unsere komplizierte Beziehung zur Natur wider.

Sophia Narrett – Malerische Szenen voller Emotion

Narrett erschafft schillernde, gestickte Szenen von Liebe, Herzschmerz und lebendiger Fantasie. Ihre Herangehensweise ist expansiv und malerisch, mit akribischen Farbabstufungen. Sie hat ein talentiertes Händchen dafür, Vorstadtarchitektur, blühende Gärten und den menschlichen Körper als Ansammlung von Stofffäden wiederzugeben.

Während Narretts Thema persönlich und geradezu intim ist, fühlt sich das Ausmaß ihrer Szenen mit ihrer Fülle wie Historienmalerei an. Narret kommentierte die Umorientierung von Malerei zur Stickerei wie folgt:

„Als ich es zum ersten Mal ausprobierte, war ich völlig begeistert und fasziniert. Es zwang mich, langsamer zu werden und über jede Marke nachzudenken.“

Ihre größten Einflüsse sind Vertreter der französischen Figurenmalerei des 19. Jahrhunderts und zeitgenössische Malern wie Lisa Yuskavage, Hernan Bas, Angela Dufresne und Allison Schulnik.

Richard Saja – Toile-de-Jouy neu erzählt

Saja verwendet Stickereien, um vertraute Toile-de-Jouy-Stoffe und Muster in skurrile und gelegentlich chaotische Szenen zu verwandeln. Seine farbenfrohen Stiche bilden eine zweite Schicht über der Toile und konstruieren eine neue Erzählung, die von imaginären Tieren, wilden Frisuren und hier oder da einer brennenden Zigarette bereichert wird.

Sajas leichtfüßige Berührung belebt die müden Drucke von Rokoko-Figuren, die sich auf Schaukeln tummeln oder bei Picknicks faulenzen.

Obwohl er seit über einem Jahrzehnt auf diese Weise arbeitet, lernte er das Sticken zunächst aus der Not heraus, nicht aus Inspiration. Seitdem wurde er für verschiedene Kooperationen in der Modebranche gewonnen.

Orly Cogan – Weibliche Archetypen und eine neue Generation von Frauen

Die Arbeiten von Orly Cogan untersuchen gängige weibliche Archetypen und Stereotypen, die Madonna/Hure, das Pin-up-Girl, die Lolita, die Femme Fatale. Die Künstlerin näht ihre Bilder auf Vintage-Leinen mit bestehenden Motiven von Kreuzstichblumen oder herumtollenden Hirschen. Das Ergebnis sind Palimpseste, in denen die Kämpfe und Ängste einer neuen Generation von Frauen das Werk der alten überlagern.

Cogans Charaktere scheinen oft in Momenten privaten Genusses gefangen zu sein – auf dem Boden liegend und Kokain schnüffelnd oder nackt und von Kuchen umgeben. Dabei ist ihr Stil illustrativ, mit sparsamen Strichen und starken Umrissen, ähnlich den Bildern in einem Kinderbuch. Manchmal fügt sie blasse Farbflecken hinzu, um den Raum abzugrenzen oder Fleisch und Blut zu suggerieren.

Zu Beginn seiner Laufbahn in der Textilkunst machte Henricksen eine Pause von der Malerei und wanderte ein Jahr lang durch Thailand, Kambodscha, Myanmar, Indonesien und Indien. Während dieser Reise begannen Textilien und Fäden sein Interesse zu wecken. Er wollte Kunst mit etwas Unmacho- und Unkunst-ähnlichem machen, gab der Künstler selbst einmal an.

Heute überlagert Henricksen seine Bilder oft mit Stickereien, Siebdruck und Blattgold. Diese Gemälde haben eine beklemmende Atmosphäre, da vermummte Figuren Fackeln und Waffen schwingen oder biblische Szenen nachspielen. Henricksen wird dabei häufig von den verzierten Kleidungsstücken beeinflusst, die zu zeremoniellen oder religiösen Zwecken getragen werden.

Elsa María Meléndez – Immersive Umgebungen mit Stick- und Applikationstechniken

Elsa María Meléndez begann damit, Textilien in ihren Installationen zu verwenden, um es den Menschen zu ermöglichen, mit ihrer Arbeit zu interagieren, indem sie diese Räume betreten, ihren Inhalt streicheln und sich auf flauschigem Stoffen ausruhen können. Die Grafikerin, Malerin und Installationskünstlerin konstruiert immersive Umgebungen mit Stick- und Applikationstechniken, die traditionell ansonsten eher in kleinen Werken verwendet werden.

Die Menge an Arbeit, die in diesen monumentalen, aber sorgfältig detaillierten Stücken offensichtlich ist, ist Teil ihrer Kraft. Meléndez bestickt hartnäckig Leinwände von enormer Größe, sammelt und organisiert riesige Mengen an Materialien, um diese in allen erdenklichen Arten zu bearbeiten.

In einer hoch aufragenden Installation, El Ingenio Colectivo o la Maldición de la Cotorra (2014), schwebt eine Wolke aus weichen Skulpturköpfen und -händen über einer Reihe gesteppter, kopfloser Körper und einem großen Arrangement aus Schaumstoff, Holzpaletten und Schuhen. Die Anordnung suggeriert eine Gruppe von Körpern, die in drei Teile geteilt sind – eine verführerische und doch verstörende Anordnung von Materialien.

Natalie Baxter – Angriff auf Identität und Selbstverständnis der USA

Baxters Großmutter brachte dieser US-amerikanischen Textilkunst-Virtuosin das Quilten bei, als sie auf dem College war. Sie arbeitete damals im Videobereich und wollte Kunst schaffen, die das Erbe ihrer Familie dokumentiert.

Obwohl Baxters Geschichte so amerikanisch ist wie frittierter Apfelkuchen, stoßen ihre textilbasierten Projekte „Warm Gun“ und „Bloated Flags“ beide riesige Löcher in einige der am meisten geschätzten nationalen Mythen der USA.

„Warm Gun“, eine Sammlung hängender und farbenfroher Schusswaffen, die mit Stepp- und Sticktechniken hergestellt wurden, ist besonders deprimierend und gleichzeitig entlarvend, da Baxter Symbole männlicher Macht in kuschelweiche Skulpturen verwandelt. Als sie diese Werke sahen, waren viele Online-Kommentatoren so gar nicht „amused“ und reagierten mit fiesen Beschimpfungen.

„Ich denke, der Waffenbesitz ist eng mit der Identität vieler Menschen verbunden.“, wird die Künstlerin zitiert. „Und es kann sehr beängstigend sein, das Gefühl zu haben, dass die eigene Identität bedroht wird.“

Baxter betrachtete die Kommentare als Geschenk und nutzte sie als Motor für ihre jüngste Arbeit „Alt Caps“. Ein Stück aus der Serie zeigt den gestickten Satz:

„That’s art? See folks what shrooms and LSD do to the head.“ (übersetzt ins Deutsche: „Das ist Kunst? Seht Leute, was Pilze und LSD mit dem Kopf anrichten.“).

Jordan Nassar – Traditionelle palästinensische Stickerei mit nuanciertem Unterton

Nassar arbeitet in Tatreez, einer traditionellen palästinensischen Stickerei-Technik. In der Vergangenheit wurden seine Motive von Mutter zu Tochter weitergegeben und die Geschichte des Musters wurde visuell im Design selbst verschlüsselt. Palästinensisch-Amerikaner und in New York geboren und aufgewachsen, fühlte sich Nassar zur Stickerei hingezogen, weil er sich mit seinem palästinensischen Erbe und seinen kulturellen Traditionen verbinden wollte.

Je länger er es tat, desto mehr lernte er über seine Geschichte, Systeme und Bedeutungen, über Geometrie, Aberglaube und Magie, soziale Hinweise, Familien- und Dorfverbände, Verschönerung und mehr.

Nassars „The Jaffa Series (and After)“, die während und nach einem Aufenthalt in Tel Aviv-Yafo fertiggestellt wurde, besteht aus kleinen, exquisit genähten Leinwänden, die mit Motiven bedeckt sind, die sich in Wüstenlandschaften, sanfte grüne Hügel und geschwungene Küstenlinien auflösen. Obwohl es in seiner Arbeit einen nuancierten Unterton gibt, der Themen wie Kolonialismus und Besatzung berührt, vermeidet er es, diese Probleme explizit anzusprechen.

Dindga McCannon – Geschichten von afroamerikanischen Frauen

McCannon begann ihre Karriere als Malerin vor über 50 Jahren, aber die Textilkunst mit Nadel und Faden bahnte sich schnell den Weg zu ihr. Seitdem hat sie mit verschiedenen Materialien gearbeitet.

Schnipsel afrikanischer Stoffe fingen an, sich in ihre Bilder einzuschleichen. Oft mit Perlen, Knöpfen und Anhängern bestickt und aus lebhaftem Stoff gesteppt, scheinen die Arbeiten der afroamerikanische Künstlerin regelrecht zu schimmern und zu glänzen.

McCannon ist Mitglied des Weusi Artist Collective, das 1965 in Harlem von Künstlern gegründet wurde, die in ihren Arbeiten afrikanische Themen und Symbole aufgriffen. Der größte Teil ihrer Arbeiten handelt von den Geschichten von Afroamerikanern, insbesondere von Frauen.

Ihr Werk „I Do Not Have a Husband I Just Don’t Have Time“ (2014) verwendet Mixed Media, um die Freuden weiblicher Unabhängigkeit zu proklamieren. Etwa 20 Gepäckanhänger aus Stoff zieren den Boden der Arbeit und suggerieren fröhliche Mobilität.

Ana Teresa Barboza – Völlig aus dem Rahmen

Anstelle von kleinen, dekorativen Designs verwendet Ana Teresa Stickgarn und Nadeln, um Bilder von wilden, rauen Landschaften zu schaffen, die eher wie Gemälde als wie Garn aussehen. Außerdem lässt sie sich nicht von Stickrahmen aufhalten und sprengt diese mit ihrer überbordenden Kreativität.

Anstatt als kleine Schnappschüsse der Natur in einem Rahmen zu bleiben, ergießt sich die Stickerei von Ana Teresa in wilden Verwicklungen, als würde sich die Landschaft direkt vor Ihnen aufbauen.

Während die Projekte als sorgfältig gestickte Landschaften beginnen, schwappen sie bald aus dem Stickrahmen heraus in die reale Welt, als ob sie ganz von selbst herauswachsen würden.

Phil Davison – Urban Cross Stich Pionier

Wenn es jemals ein herausragendes Beispiel für das Verschmelzen unterschiedlicher Kulturen gab, auf dem East London gedeiht, dann ist es das Werk des inzwischen 42-jährigen Phil Davison, des Urban Cross Stitchers.

Mit seinem Fetisch für alles Junge, Neue und Alternative und seiner Liebe zu „Vintage“ und Tradition liegt es nahe, dass East London die Heimat des Kreuzstich-Graffiti-Booms ist.

Der junge Phil lernte sein Handwerk von seiner Adoptiv-Großmutter während eines Austauschjahres im Herzen von Amerikas Bibelgürtel. Hier, wo das Handwerk nach Gott an zweiter Stelle steht, befreite sich Phil von der Langeweile, indem er Kreuzstich lernte.

Jahre später verließ Phil sein Zuhause in Belfast, um als Druckschneider in der Welt der Londoner Mode Ruhm zu finden, bevor er merkte, dass das nicht ganz sein Ding war. Banksys Flower-Bomber schließlich inspirierte Phil dazu, seine urbanen Kreuzstich-Abenteuer auf eine ganz neue Ebene zu heben.

Street Art und Graffiti hatte Phil schon immer geliebt. Belfast ist unglaublich berühmt für politische Straßenkunst und hat ihn schon immer fasziniert.

Street Art aus der ganzen Welt inspiriert nun seine Designs.

Judith G. Klausner – Alles Toastbrot, Baby

Schönheit findet sich oft an den unwahrscheinlichsten Orten. Die Künstlerin Judith G. Klauser aus Somerville findet ihre Inspiration in kleinen Alltagsgegenständen, die leicht in den Hintergrund treten. In der Vergangenheit hat sie mit Insekten, Milchzähnen und Fingernägeln gearbeitet. Sie arbeitet auch mit Lebensmitteln. Insbesondere verarbeitete Lebensmittel – wie dem Toastbrot.

In einer Serie mit dem Titel „From Scratch“ verwendet Klauser Oreo-Kekse, um fein detaillierte Kameen herzustellen; Müsli, für ihre aufwändigen Kreuzstichmuster; Toast als Basis für Stickereien und Gewürze wie Ketchup und Senf; um zu Malen.

So banal die Wahl des Mediums auch ist, so zieht sich doch eine gesellschaftliche und politische Komponente durch ihre Werke, beispielsweise zum Umgang mit verderblichen Lebensmitteln.

Verwendete Quellen:

• Artshelp – The History of Embroidery Art and Contemporary Practitioners
• Artsy – 11 Artists Using Embroidery in Radical Ways

Am Beginn Ihrer eigenen Laufbahn in der Welt der Stickerei?

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Joachim Rodriguez y Romero

Inhaber und Geschäftsführer von Kunstplaza. Publizist, Redakteur und passionierter Blogger im Bereich Kunst, Design und Kreativität seit 2011. Erfolgreicher Abschluss in Webdesign im Rahmen eines Hochschulstudiums (2008). Weiterentwicklung von Kreativitätstechniken durch Kurse in Freiem Zeichnen, Ausdrucksmalen und Theatre/Acting. Profunde Kenntnisse des Kunstmarktes durch langjährige journalistische Recherchen und zahlreichen Kooperationen mit Akteuren/Institutionen aus Kunst und Kultur.

www.kunstplaza.de/